El Otro Blog. Blog de fotografia

Los libros de Elisabeth Tonnard

2011-12-26T13:51:00.001+01:00

A través de ABC Artists Book Coperative descubro a la artista Elisabeth Tonnard y unos cuantos de sus fantásticos libros. Ahora que está tan de moda la materialización de un proyecto fotográfico en forma de libro, lo que debe prevalecer en todo momento es el uso de todo el potencial que el soporte permite, no tan sólo utilizar el libro como un almacén de imágenes, sino que las imágenes jueguen con el papel, que el paso de las hojas dialogue con el contenido y esto es bien dificil, eso sin olvidar que tiene que haber un gran trabajo prévio de edición porque si no me parece que el diseño del libro y la narrativa se complicará bastante. Hay unos cuantos libros de Elisabeth Tonnard que cumplen perfectamente con este criterio, de entre ellos destacaría "Contemplation" y "Oceanus".

Elisabeth Tonnard @ Amsterdam Art Book Fair 2011 © Mrs Deane.

"Contemplation" trata sobre el acto de mirar, pero también de mirar interiormente. En él aparecen sucesivos retratos de una única persona, que mira alrededor, nos mira y se mira. Es un libro silencioso en el sentido que no hay texto alguno que acompañe la serie de imágenes.

Las ocho fotografías que aparecen en este libro provienen de un archivo familiar de los años 1940, fueron imprimidas en inyección de tinta sobre papel libre de ácidos y todo el conjunto fue cosido a mano. Se hicieron 16 copias y todas fueron vendidas, no me extraña porque se ve un objeto muy bonito.

Un último detalle es su portada, una placa además de llevar inscrito el título del libro, su superficie reflectante hace las veces de espejo para que nosotros mismos como lector nos podamos contemplar.

Elisabeth Tonnard. Contemplation

Otro de los libros que me han gustado de la extensa obra de Elisabeth Tonnard, he contado 21 títulos, es "Oceanus", un libro que nos hace sentir como tripulantes de un navío a la deriva y lo mejor de todo ello es la economía de medios de esta autora, en el libro tan sólo aparecen dos únicas fotografías que fueron encontradas de un archivo cedido a un museo, desconociéndose como en el libro anterior el nombre del fotógrafo.

Elisabeth Tonnard. Oceanus

Elisabeth Tonnard, en Oceanus, combina recortes de dichas dos fotografías con fragmentos de una traducción del texto de "La Odisea" de Homero, frases que se adaptan a las olas que forma un mar bravo. Podéis ver el libro completo en su versión online o haceros con una copia en papel pues aun quedan ejemplares disponibles, al contrario que el libro "Contemplation".

Podéis ver imágenes de todos sus libros aquí.

Los mejores fotolibros de 2011 según El Otro Blog

2011-12-20T23:20:00.000+01:00

Como se ha puesto de moda el libro de fotografía y las listas de los mejores del año, no voy a ser menos y me uno a esa fiebre. Dicho sea antes que ha habido muchísimos buenos libros pero como siempre es bueno ponerse límites y obligarse a elegir, ahí va la apuesta. También es verdad que puede ser que al elegir durante los últimos meses del año se lleven el gato al agua libros que han salido hace muy poco al mercado y que por ello ahora mismo nos tiran más, lo cual también hará más meritorio elegir un libro publicado a principios de año.

Pero vayamos con la elección. Lo que he primado ha sido que el libro elegido tenga ese plus de objeto precioso que no tienen todos los libros, eso se suele apreciar cuando el contenido liga con el continente, cuando ámbos tiran en el mismo sentido, es algo muy evidente por lo que hemos de separar entre la historia o el documento que nos transmiten las imágenes del objeto en sí, quiero decir que una serie puede ser maravillosa pero hemos de separar ésta del libro como objeto, saberlo ver como un conjunto.

También valoro mucho que la huella del autor, el fotógrafo, quede evidente en la creación del libro, es algo también obvio, conociendo un poco al autor podemos intuirlo, el fotógrafo ha de involucrarse en el diseño del libro, es como si expusieramos sin cuidar como se verán nuestras fotos, es el soporte expositivo de nuestra serie.

Por todo eso al final me quedo con estos tres libros. En primer lugar con "A living man declared dead and other chapters" de Taryn Simon.

De este libro me gusta sobretodo que le acompaña un áurea de seriedad que está en la línea de la metodología de trabajo de Taryn Simon. Se trata de un catálogo fruto de un estudio completo de situaciones de supervivencia que afectan a familias. Todo ello queda publicado en un solemne volumen enciclopédico. Por tanto, la serie de imágenes juega muy bien con el continente, formando un objeto creíble y muy atractivo por su perfecta factura.

El segundo elegido es muy diferente y muy parecido al primero. Se trata de "Paloma al aire" de Ricardo Cases. Muy diferente por el formato, "Paloma al aire" es una libreta de anillas, si el de Taryn Simon me recuerda a un volumen de Espasa Calpe, el de Ricardo Cases se acerca al famoso libro "Paris de nuit" de Paul Morand con fotografías de Brassaï.

He de confesar que cuando vi la portada de este libro sin ojear sus páginas pensé que era una locura utilizar una libreta de anillas, que las imágenes en dobles páginas no quedarían bien pero a la misma vez no me encajaba conociendo a Ricardo. Había visto antes páginas del libro que comentaba de Brassaï en el "Photobook: A History", pero ése no tiene imágenes a doble página y las anillas no atraviesan ninguna de ellas, sin embargo Ricardo lo hace y queda bien. En mi opinión eso se debe a que cada mitad de las imágenes a doble pueden jugar individidualmente, es como si partiera una imagen en dos, esta habilidad me recuerda el "Infinito" de David Jiménez, otro gran libro, aunque no de este año, en el que este recurso se utiliza constantemente durante todo el libro. En otras dobles, se dan unas simetrías que ayudan también a que funcionen.

Pero también me parece muy parecido al de Taryn Simon, en el sentido de que juega muy bien continente y contenido. En este caso la libreta nos puede sugerir donde los columbófilos escriben datos sosbre sus palomas, quien sabe, pero podría ser así, es un soporte muy común.

Este libro de Ricardo Cases bien merece una entrada aparte, tiene infinidad de detalles que hacen que el libro siga despertando interés en el lector tras sucesivas lecturas, por ejemplo la ventanita con forma de huevo que se abre en la portada del libro, las palomas son ovíparas y ese agujero tiene también forma de huevo, y el señor que asoma parece que tenga la cabeza llena de pájaros o el mismo podría haberse mimetizado en paloma y ser un pájaro más ... unas páginas más adelante ese espacio en forma de huevo que fue recortado de la portada cobra vida en otra de las fotografías, creando un collage.

El tercero es un libro que hace pocos días descubrí gracias a mi amiga Natasha Christia, de la librería y galería Kowasa, en realidad se trata de una pareja de libros, obra de Jane Wilson and Jeremy Kunze. Los libros se titulan xxx y +++ y son toda una experiencia de postfotografía.

Mientras xxx recoge reproducciones de polaroids realizadas durante proyecciones de películas capturando besos, +++ recoge muertes. xxx tiene unas tapas rosas y +++ las tiene negras, ámbos libros se disfrutan en las manos y tienen un aire artesanal que los hacen muy atractivos, envueltos en fundas de plástico cosidas.

+++

xxx

Esta ha sido mi selección e insisto en que otros muchos podrían estar en esta lista. Esta es también mi aportacion a la votación popular lanzada desde el Photobook Club Barcelona. Seguid sus resultados, seguro que descubrimos nuevos libros.

Una edición de Il deserto rosso de Michelangelo Antonioni

2011-11-27T20:46:00.001+01:00

De un tiempo para aquí y siguiendo los consejos de fotógrafos con los que realicé hace un tiempo cursos o talleres, como han sido Eduardo Momeñe o Ángel Albarrán, me he puesto a visionar cine de manera regular y centrándome en la obra de directores que se caracterizan por un uso más intenso de la fotografía, de todos los recursos que ofrece, que se fijan más en la narrativa de las imágenes que en seguir un esquema clásico de narración cinematografica hollywoodiense.

Filmografía de Michelangelo Antonioni

Entre estos directores se encuentra Michelangelo Antonioni, una vez has visto sus películas te das cuenta que lo menos importante es el desenlace sino el cómo se desarrolla la historia, entre sus temas se encuentran la incomunicación, las preocupaciones de la clase alta italiana de postguerra, temas que de por sí no tienen un desenlace claro, son historias demasiado genéricas... En este caso, Antonioni lo que intenta es crear una atmósfera que recree estos temas, los no lugares, la perfiferia, las zonas castigadas por la industria, los fenómenos atmosféricos, ... situaciones que hablan del género humano.

Ya en una entrada anterior hablaba de la niebla y la playa, el no lugar más aun en invierno, emparentando la imágenes de Antonioni con las de Luigi Ghirri, es obvio que ambos comparten elementos a la hora de crear una narrativa con sus imágenes.

De esta comparación surgió un ejercicio en mi cabeza, ¿se podría crear una serie extrayendo fotogramas de una de sus películas y que éstos hablaran por sí mismos? Quizás no era necesario intentar ilustrar la película sino incluso encontrar deiferentes narrativas. Pues bien, he llevado a cabo el ejercicio y para ello he elegido "Il deserto rosso", su primera película en color y en la que como no el color juega un papel importantísimo que en todo momento representa el estado anímico de su protagonista.

Aquí tenéis una edición que he hecho de la película, cada uno puede hacer la suya, sería interesante ver otras ediciones. Es muy sencillo, mientras véis la película, con la ayuda de un reproductor de vídeo como es VLC se realizan capturas de los fotogramas que deseéis, una vez los tenéis los recortáis al tamaño que queráis con la ayuda de Adobe Bridge y por último creáis el libro con Booksmart de Blurb que más tarde podrá imprimirse en papel o descargarse en forma de iBook.

Mientras véis el libro os recomiendo escuchar la música de 24 artistas que se han inspirado en estas imágenes para crear sus composiciones en modo de homenaje a Antonioni. La podéis conseguir en el sello americano de música experimental and/OAR, el primero de ellos, es un doble cd y de descarga libre.

Translations Of Opacity - For Michelangelo Antonioni

Michelangelo Antonioni - Trilogy And Epilogue

Y si queréis profundizar en el fenómeno Antonioni y su fotografía os recomiendo "Antonioni. Un compromiso ético y estético", un ensayo escrito por Ana Melendo y que podéis descargar aquí, aunque yo compré el libro publicado por la Filmoteca de Andalucía por tan sólo 10€.

Portada de "Antonioni. Un compromiso ético y estético" de Ana Melendo

También tenéis la posibilidad de ver la película a continuación.

Breve historia de la autosombra en la fotografía

2011-11-19T18:17:00.006+01:00

El pasado martes nos reunimos unos cuantos apasionados por los libros de fotografía en la primera edición del Photobook Club Barcelona, un punto de encuentro donde compartir nuestras experiencias con libros de fotografía. Su organizador, Jon Uriarte, propuso iniciarlo con el visionado de un libro de Lee Friedlander, "Self Portrait", un libro que fue descuartizado por el propio Jon y del que todos fuimos opinando.

Lee Friedlander. Imagen del libro "Self Portrait". 1967

Uno de los temas que se trató sobre este libro fue la abundancia de autosombras, es decir la sombra del propio fotógrafo en la imagen, un recurso muy utilizado por Friedlander y que es un recurso propiamente fotográfico, aunque algún pintor como Picasso lo adoptara en alguna de sus obras.

Y surgió un pequeño intercambio de opiniones acerca del uso de la autosombra en la historia de la fotografía, la idea general era que si bien se había utilizado de forma esporádica hasta Friedlander no se da un uso tan intensivo de la misma y no cobra tanto peso no sólo en la construcción de una imagen, sino de una serie completa. En el caso de Friedlander jugando con unos cuantos recursos más, como los reflejos, al que se podría dedicar otra entrada completa.

La autosombra, desde los inicios de la fotografía, se había considerado como un error fotográfico típico de los amateurs que buscaban una posición frontal del motivo a fotografiar frente a la fuente de luz a sus espaldas. Incluso hay publicaciones de los primeros años del siglo XX aleccionando a los fotógrafos para evitar esta práctica (René de Héliécourt, "Les petites misères du photographe. L'auto-ombromanie". 1901)

Y de hecho fue un recurso poco utilizado hasta los años 20. Se dice que la primera fotografía en la que aparece con claridad la sombra del fotógrafo es una que realizó Lewis Hine en la serie que documentaba la vida de los niños que trabajaban como repartidores de diarios en Indianápolis, realizada en 1908.

Lewis Hine. An Indianapolis Newsboy. 1908

Sin embargo, por ahí he encontrado alguna fotografía de otro de los fotógrafos del por entonces incipiente documentalismo social, Jacob Riis, donde se intuye la autosombra del fotógrafo y está fechada alrededor del año 1890, unos pocos años antes que Hines.

Jacob Riis. Police Station Lodger, A Plank for a Bed c. 1890

Otro de los fotógrafos que se estrenaron pronto en esto de la autosombra fue, como no, Alfred Stieglitz que posó junto al pintor Abraham Walkowitz con un lago como fondo, una imagen con un aire amateur de las que podemos encontrar abundantemente en las redes sociales.

Shadows in Lake. Alfred Stieglitz. 1916

László Moholy-Nagy fue uno de los autores que han trabajado más la autosombra convirtiéndola en el elemento principal de la fotografía. Ya en los primeros años 1920 jugaba con las sombras en sus fotogramas, esa fascinación por las sombras la trasladó a las fotografías.

László Moholy-Nagy. Reposo. 1920

László Moholy-Nagy. La hija de Oscar Schlemmer. 1926

Y de un maestro de la Bauhaus a un alumno, el desafortunado Otto Umbehr, que perdió todo su archivo de negativos en un bombardeo durante la II Guerra Mundial, en este caso mostrándose él mismo con la sombra de su cámara y sus brazos. Modelo y sombra del fotógrafo en una sóla imagen.

Otto Umbehr. Autoretrato. 1930

Quizás la primera autosombra femenina sea la de la fotógrafa australiana Olive Cotton, en la imagen se ve su sombra retratando a su compañero Max Dupain.

Olive Cotton. The Photographer's Shadow. 1935

De André Kertész he encontrado fácilmente varias autosombras, una de ellas clásica, que además de ser autosombra es un perfecto autoretrato de un fotógrafo. Precisamente fue utilizada como portada de la edición en castellano del libro "Breve historia de la sombra" de Victor I. Stoichita, que he utilizado en esta entrada como bibliografía. En otras imágenes se retrata sólo, jugando con el entorno o se fotografía junto a su esposa.

André Kertész. Autoretrato. 1927

André Kertész. The Polaroids", 1981, NY

André Kertész. Autoretrato con su mujer.

André Kertész. León y sombra. 1949

Y de un maestro a otro, Ansel Adams, quien desplaza hacia abajo el cuerpo de la cámara y se hace un autoretrato durante una sesión en la que fotografía las montañas de Utah. O sea, que ni los fotógrafos de paisaje han renunciado a este tipo de imágenes.

Ansel Adams. Autoretrato. 1958

Son muchos los autores que han ido utilizando la autosombra, otra de los años 70 es la del fotógrafo Bill Dane, famoso por difundir su obra fotográfica en forma de postal a través del correo.

Bill Dane. San Francisco. 1973

Y la autosombra sigue utilizándose en nuestros días, ya totalmente aceptada como recurso expresivo, lo utilizan autores como José Manuel Navia. Ciertamente la autosombra tiene gran potencial a la hora de documentar el punto de vista del fotógrafo, es algo muy utilizado por aquellos fotógrafos que realizan viajes, como Navia por los países de habla portuguesa o como Friedlander recorriendo América. Son viajes en el que el fotógrafo se enfrente a su entorno sólo y la autosombra es una buena manera de transmitir un "Aquí estuve yo y estuve además solo".

José Manuel Navia.

José Manuel Navia. Pisadas sonámbulas. 2001

Esta idea de informar del punto de vista que se consigue con la autosombra, para que el espectador sepa donde el fotógrafo se encuentra respecto a lo que está documentando, se hace evidente también usando otro tipo de recursos, como cuando se fotografía desde el interior de un coche, hay muchos casos, el propio Navia del que hablábamos, también Friedlander en su serie "America by car" o uno que explota mucho este recurso es Todd Hido utilizando el parabrisas mojado o sucio por barro, no sólo como recurso para dar un aire pictórico a sus imágenes sino para informar de su relación con aquello que está fotografiando.

Lee Friedlander. America by car.

José Manuel Navia. Pisadas sonámbulas

Todd Hido. Landscapes

Seguimos con más fotógrafos contemporáneos, como Jessica Lange, de la cual vi la serie "Unseen" en Saint Rémy de Provence, en una de sus imágenes ponía su firma con su autosombra.

Jessica Lange. Unseen. 2010

O Patrick Taberna en una imagen de su serie "De sable et de vent"

Patrick Taberna. De sable et de vent. 2007

Un fotógrafo que juega mucho con las sombras y también con la autosombra que no puede faltar es Franco Fontana, del que recientemente pudimos ver una exposición en el IVAM.

Franco Fontana. Casablanca. 1981

Franco Fontana. Marrakech. 1981

Franco Fontana. Frankfurt. 1982

Ni los refotógrafos quedan al margen, Mark Klett tiene autosombras en el desierto como la que podemos ver a continuacion.

Mark Klett. Watching the Children Play, Gila Bend Mountains, 1997

Como Ansel Adams, con cámara de placas, Juan Manuel Castro Prieto también practica la autosombra.

Juan Manuel Castro Prieto.

Sin embargo después de ver todos estos fotógrafos, podemos comprobar como en Friedlander el uso de la autosombra es algo que le caracteriza pues su uso es mucho mayor que en el resto, convirtiéndose en un recurso principal en sus series e incluso en su obra globalmente.

Cerramos con unos cuantos ejemplos, pertenecientes a series diferentes, para darnos cuenta de la insistencia en el uso de la autosombra.

Lee Friedlander. Tokyo. 1994

Lee Friedlande. Nuevo Mexico. 2008

Lee Friedlander. Menphis. 2003

Lee Friedlande. Nuevo Mexico. 2008

Lee Friedlande. Self portrait. 1967

Lee Friedlander. Fort Lee, New Jersey. 1966

Lee Friedlander. Canyon de Chelly, Arizon. 1983

Lee Friedlander. Lafayette Louisiana. 1968.

Lee Friedlander. Paris. 1978

Lee Friedlander. Wilmington. 1965

Lee Friedlander. Madison. 1966

Lee Friedlander. Minneapolis. 1966

Y hay muchas más .... descubridlas vosotros mismos porque la obra de Friedlander vale la pena, en el MoMA encontraréis unas cuantas.

Os recomiendo, además del anteriormente citado "Breve historia de la sombra" de Victor I. Stoichita, la lectura de "Fautographie, petite histoire de l'erreur photographique" de Clément Chéroux, donde se estudia además del tema de la autosombra otros recursos más utilizados por Friedlander, de hecho se le cita en diversas ocasiones.

Hubo una exposición hace un par de años en el Thyssen dedicada a "La sombra", que en su momento no pude ver pero que tiene un micrositio web del cual he obtenido algunas imágenes para esta entrada, echadle un vistazo, aunque trata el tema más genérico de la sombra en general, no sólo la del propio fotógrafo.

....

17/12/2011. He tenido la oportunidad de ver el libro "Auto-portrait" de Daido Moriyama, una recopilación de sus autoretratos durante 40 años, un libro muy interesante, incluso he visto un cierto parecido al de Friedlander y tiene una gran cantidad de autosombras.

Daido Moriyama. Auto portrait

03/01/2012. Los surrealistas también utilizaron la sombra en algunas de sus fotografías. Hoy he encontrado una autosombra de Salvador Dalí junto a Gala, como Kertesz hizo con su mujer, y otras dos imágenes de una serie de sombras de Raoul Hausmann.

Salvador Dalí. Gala y Dalí.

Raoul Hausmann. The Photographers, 1957

10/01/2012. La estupenda serie "Salaryman" de Bruno Quinquet, también cuenta con alguna autosombra, por una vez en la serie el fotógrafo o más bien la cámara roba cierto protagonismo al asalariado.

Bruno Quinquet. Salaryman. 2009

Festival Emergent Lleida 2011

2011-10-30T20:08:00.001+01:00

Vuelvo del Festival Emergent con buenas sensaciones, además de todas las exposiciones, conferencias y visionados de portfolios de los artistas seleccionados en el Pati de la Llotja que han tenido gran calidad, sin duda este festival está siendo un catalizador de sinergias en el panorama fotográfico.

Está claro que las redes sociales creadas en internet promueven la colaboración pero iniciativas como este festival permiten profundizar en estas relaciones y favorecer nuevos proyectos o la difusión de los actuales.

El Pati de la Llotja. Espacio de visionado de portfolios

En cuanto a las trabajos mostrados en el Pati de la Llotja, como decía, ha habido un gran nivel en los cuarenta artistas seleccionados por el comisario Rafael Doctor, pero como ya hice en la anterior edición, no voy a hacer un resumen completo de lo que se ha podido ver, que por otra parte se puede consultar en la página web del Festival sino que voy a involucrarme un poco y elegir tres trabajos de entre los cuarenta que se podían ver, tarea difícil.

Finalmente mi selección es para los proyectos de tres artistas en los que de una u otra manera hay un componente que los hace especiales y los destaca de la gran parte de trabajos expuestos. En el primero de ellos aprecio un nuevo documentalismo tanto por el medio para captar las imágenes como por el contenido del documento, en el segundo valoro el reciclaje de imágenes para la creación de una nueva obra con un discurso distinto al que motivó la creación de las imágenes originales. Estos dos primeros artistas están en la línea de las ideas que se han ido difundiendo por teóricos de la fotografía como pueden ser Joan Fontcuberta o Erik Kessels, entre otros. El tercero es para un artista que hace una fotografía que nos traslada a otros territorios, una práctica muy cercana a disciplinas como la poesía y que ya seguía de cerca de un tiempo aquí, desde que me lo descubrió mi amigo Oscar Ciutat en su blog Oscilaciones.

El primero de los artistas que he elegido es Roc Herms, un artista que ya se ha paseado en alguna ocasión por El Otro Blog, como en la entrada dedicada a Internet y fotografía y que en mi opinión fue el gran ausente de "From Here On" pues encajaba a la perfección en el manifiesto que proclamaba.

Roc Herms explicándonos su trabajo

Roc Herms. Material mostrado en el Pati de la Llotja

Su trabajo ‘Postcards from Home" es un trabajo documental que utiliza como medio de captación de imágenes la plataforma de juegos online de SONY, Playstation Home. Según nos comentó Roc una de las cosas que le atraen más de este tipo de imágenes es que incorporan texto, que añade una nueva capa de significación que no conseguría con una cámara en el mundo real. Sin embargo, para poder incluir esos textos en forma de bocadillo sobre los sujetos que fotografía, debe recurrir a una cámara convencional que fotografía la pantalla de su televisor, ya que las capturas de pantalla que se realizan a través del menú del juego no incorporan los textos, siendo éstos eliminados en la imagen capturada.

Roc Herms. Postcards from Home

No debemos olvidar que en las redes suceden cosas, que en ella pasamos mucho tiempo y que se dan muchas relaciones que hablan de nosotros, el documentalismo pues, no debe tener únicamente por escenario las calles sino también ese espacio virtual que se encuentra en las redes.

Roc tiene una maqueta de libro con las imágenes del proyecto, nos la enseñó y contiene documentos muy interesantes que ha ido recopilando durante los dos últimos años como por ejemplo la de una mujer que utiliza diferentes identidades y que fue entrevistada por el mismo Roc Herms, como también el seguimiento a una especie de asociación que organiza misas en ese espacio virtual o incluso de un grupo que edita una publicación en pdf dirigida al mundo exterior a Playstation Home.

Javier Celán es el segundo artista dentro de mi particular selección. Le conocí personalmente visionando su portfolio el viernes pero ya conocía su obra desde que fuera seleccionado para la beca de la Escuela Lens entre 147 candidatos. Además, durante la noche anterior en el meeting del Festival, se presentó un nuevo número del fanzine de Fiesta Ediciones, la aventura editorial de Ricardo Cases y Natalia Troitiño, cuyo cuarto número muestra su trabajo "Diario de una vida imaginada".

Javier Celán nos muestra su maqueta de "Prado"

Esta serie parte del desarrollo de una asignatura de los estudios de fotografía en la Escuela Blankpaper en la que se debe documentar el entorno pròximo al alumno. Para ello, Javier eligió la biblioteca de su casa construyendo un diario muy particular.

Las imágenes han sido construidas a partir de las páginas de sus libros, el resultado es fantástico y muestra como reciclando imágenes ya existentes podemos crear una nueva narrativa. Os transcribo el texto del proyecto, extraído de la web de la Escuela Lens; "Quizás no debí marcharme sin decir nada, quizás tendría que haberme sentado frente a frente a escuchar lo que sentía en el silencio de una habitación a media luz. No fue una huida, sólo necesitaba encontrarme en otra forma de expresar, ya que las palabras no eran suficientes para comprender lo que quería contar… En esa búsqueda reconocí en los álbumes de fotografía momentos que hablaban de mí, del tiempo y su memoria, de lo que ocurrió. Decidí buscar imágenes de la personas y lugares que han habitado mi vida, sus círculos, sus huellas… También los objetos, los libros, las cartas, los sueños, todo lo que me ayudara para construir un diario visual. Somos nuestros recuerdos… Pero éstos a menudo están llenos de huecos, de tachaduras, de momentos a los que no queremos regresar. Conforme fui sumergiéndome, pude ver que quedaban espacios en blanco que no sabía descifrar y opté por utilizar fotografías de momentos, personas y lugares ajenos a mí, pero que ayudaran a explicar que entre lo real y lo imaginado existe un lugar en el que puedo respirar otra verdad, una verdad visual. Esta dulce trampa se abre y juega creando otras vidas, otros mundos… de días que nunca viví, pero que siento que hablan de mi. Mi actitud es entretejer un diario a través de fotografías con momentos y recursos propios y ajenos a mi vida, caminar por un laberinto de imágenes que alumbren otra forma de encontrar, otra voz al contar… "

Fanzine Fiesta #4. Javier Celán

Javier Celán. Diario de una vida imaginada

Algunos de sus collages de imágenes conseguidos en toma que combinan retratos se acercan a los de autores como John Stezaker, Joachim Schmid o Bobby Neel Adams, que ya vimos en la sección de parecidos razonables del blog.

Además de esta serie publicada en el Fanzine Fiesta, Javier mostraba también la maqueta de "Prado. El jardín de los espejos". Si la anterior serie ya me gustó, esta maqueta acabó de convencerme para incluir a Javier entre los tres artistas seleccionados.

La pintura como espejo que habla de la memoria de los otros, memoria de un pasado que también respira por mi piel, ahora.

Hay cuadros que hablan, otros que imponen silencio, silencio que más tarde resuena, de alguna forma que quiere hacerse audible, silencio que antes ha sido forma.

La pintura caminada con los pies descalzos, mirada con los ojos de esos pies.
Pasillos como cuevas ausentes de voz, pero no de sus ecos.
Presencia de imágenes que evocan esos lienzos.

Enric Montes es el tercer artista elegido en esta selección. Enric es un artista emergente pero ya tiene una obra importante a sus espaldas, una trilogía formada por tres libros, "El viaje vertical", "El eco de las cosas" y "El domador de sueños". El primero comparte título con una de las novelas de Enrique Vila-Matas, incluso aparece en su web una fotografía de la serie.

Enric Montes con su portfolio en el Pati de la Llotja

El tema central en su primer libro, que en PhotoEspaña 2010 fue elegido entre los 10 mejores libros de fotografía nacionales, es el descubrimiento, en el segundo la exploración de señales y en el tercero la evasión mediante los sueños. En todos ellos los elementos poéticos están presentes, imágenes atemporales que expresan sensaciones, muchas señales a interpretar.

Enric Montes. El viaje vertical

Enric Montes. El domador de los sueños

Enric Montes. El eco de las cosas.

Es curiosa la coincidencia de que cada libro acaba con una imagen de una puerta, como dejando abierta la serie para un nuevo capítulo.

Aquí tenéis un video con la trilogía completa, igualmente en su página web podéis ver todas las imágenes de la serie.

Al final me llevé su trilogía completa a casa y es que en el Pati de la Llotja había un stand de la Librería Kowasa en el que se podía adquirir la obra de Enric Montes a un precio muy interesante, así que me la llevé firmada. Y de regalo un librito-acordeón titulado "Es por el azul crujiente" y que todos podeis tener si os lo descargáis de dobladillos de canela y tinta china y seguís las instrucciones.

Es por el azul crujiente. Enric Montes

También había un stand en el que Dalpine tenía gran parte de su catálogo disponible, entre ellos el Ukraina Passport de Federico Clavarino, aproveché que estaba allí presente para que me dedicara mi pasaporte.

Quiero insistir en que esta selección de tres deja fuera muchos artistas que mostraban su trabajo en el Pati de la Llotja con trabajos de mucha calidad, había mucho talento y en algunos casos, dada la poca disponibilidad de tiempo y el gran número de artistas, apenas los pude ver. Enhorabuena a todos.

El Pati de la Llotja. Espacio de visionado de portfolios.

En lo referente a las conferencias, debido a que sólamente contaba con un día de presencia en Lleida, tan sólo pude asistir a la de Indre Serpytyte, asistencia obligada por otra parte pues su trabajo 1944-1991 es uno de los trabajos que más me ha gustado durante este año, razón por la cual le dediqué una entrada en el blog del Festival Emergent Lleida.

Indre Serpytyte junto a Pedro Vicente Mullor

Durante su conferencia, Serpytyte nos mostró sus dos trabajos conocidos, "A state of silence" y "1944-1991", que se pueden ver en su página web, pero además "La Cité de la Muette", un tercero inédito que se encuentra todavía en proceso, se trata de una serie de refotografías de un barrio periférico de París que entre los años 1941 y 1944 fue utilizado como lugar de detención de judíos para su envío posterior a campos de exterminio nazis. Si queréis más información sobre este hecho histórico, tenéis información aquí. Es la primera serie en la que aparecen personas, en las otras dos no aparecía ninguno, incluso en la que trata la ocupación rusa de Lituania, algo que ya llamó la atención de J.M. Colberg en su blog Conscientious Extended.

Indre Serpytyte. Proyecto Cité de la Muette.

Al finalizar su conferencia aproveché para pedirle que firmara mi ejemplar de "1944-1991", el libro que nada más ver expuesto su trabajo en "Les Rencontres d'Arles" este año, no dudé en hacerme con una copia de las 500 que se han hecho de este libro.

Copia firmada de 1944-1991.

La conferencia no hizo más que afirmar mi creencia en que Serpytyte es uno de los artistas más interesantes del panorama por el uso que hace de la fotografía, documentando hechos históricos de manera no literal, sin acudir a imágenes impactantes sino complementando un sólido discurso con imágenes en la misma línea. Hasta encuentro cierto parecido razonable con Taryn Simon, ámbas realizan proyectos basados en amplia documentación y la combinan con imágenes sobrias pero atractivas a la vez.

Como os comentaba no pude asistir el jueves al Pati de la Llotja y precisamente el jueves por la mañana había un evento muy interesante organizado por Book In Progress, en el que además de una conferencia y mesa redonda, dos platos fuertes eran la presentación de una guía de autoedición que estará disponible en febrero de 2012 y del muestrario de libros autoeditados que se está recopilando con una selección de diez ejemplares.

La mesa con el muestrario Book In Progress

Aquí tenéis los libros seleccionados del muestrario Book In Progress que se podían ver en el Pati de la Llotja, yo en mi biblioteca tengo cuatro de ellos y quizás pronto alguno más, me enamoré del de Laura Covarsí.

Ricardo Cases. Paloma al aire

Federic Clavarino. Ukraina passport

David Jiménez. Infinito

Eloi Gimeno. Hellsinki

Laura Covarsí. Italia vs. Italia

Ana Casas. Album

Javier Campano. My hat que es window

Landry. Boda 910

Roger Guaus. L'inassolible

Carlos Albalá. Fault

En resumen una buena jornada en un Festival que se va consolidando como plataforma para los artistas emergentes y como comentaba en el principio, un evento que permite desarrollar las relaciones entre todos los agentes de la fotografía, siendo muy positivo para todos.

Por último felicitar a la organización por todo el trabajo desarrollado pues implica un gran esfuerzo y son muy pocos los que lo llevan adelante. Enhorabuena y hasta a próxima edición, aunque el Festival no acaba aquí, tenemos muchos artistas presentados a seguir en los próximos meses, el Festival no es cuestión de 3 días.

La autoedición está de moda ...

2011-09-23T21:24:00.000+02:00

... y esto es una gran noticia, que uno mismo pueda editar su obra y generar una serie corta, hace que esa publicación gane importancia como objeto y no hay "e-book" que pueda con él. Y qué carai, me encanta el olor a papel y tinta!

Esta tarde me he reencontrado con los dibujos de Elisa Munsó en un pequeño libro autoeditado, titulado "The Big Machine", que combina dibujos e imágenes fotográficas en collage. Como os podéis imaginar me ha encantado y lo comparto con vosotros.

Podéis haceros con una copia numerada, la tirada es de 300 ejemplares, en la librería-galería ras, en la calle Doctor Dou número 10 de Barcelona, por tan sólo 13€.

Decía que me he reencontrado con sus dibujos porque tuve la oportunidad de conocerla durante un concierto del grupo "Cabo San Roque", un grupo de música experimental que crea sus propios instrumentos para conseguir sus sonidos. En cuanto le vi dibujar en su libreta ya no pude despegar la vista de ella y al final llegamos a un pacto, ella me regalaba uno de sus dibujos del concierto o mejor dicho lo que rodeaba al concierto y yo le regalaba una foto del grupo durante el concierto.

La encantadora y divertidísima señora Maria Rosa. Elisa Munso. 2009

Cabo San Roque. Fiestas de Gràcia 2009. Pedro Arroyo

Ahora, por alusiones, os dejo con Cabo San Roque, no os los perdáis si tenéis oportunidad.

"De Slapende Arm" de Marlous Van der Sloot

2011-09-21T21:53:00.022+02:00

Supe de la obra de Marlous Van der Sloot gracias al cartel del Festival Voies Off, que se celebra en Arles, en paralelo a los famosos Rencontres a los que dediqué una entrada hace unas semanas.

Cartel del Festival Voies Off 2011

Y esa imagen me llamó la atención, el ojo siempre ha sido un motivo de culto en el surrealismo y de hecho esta imagen en concreto me recordó la fotografía de la contraportada del último disco de estudio de los Pixies, "Trompe le monde" y del single de la canción que daba nombre al disco, que es obra del fotógrafo Simon Larbalestier.

Fotografías Album Trompe le monde. Simon Larbalestier.

Marlous Van der Sloot es una joven fotógrafa holandesa, nacida en 1986, formada en la Escuela de Artes de la Haya hasta este mismo año, donde se ha graduado en Diseño recibiendo la calificación Cum Laude. A pesar de su juventud ya ha expuesto en solitario en diversas galerías y como decía fue elegida para mostrar su trabajo en el Festival Voies Off. Se dedica a la fotografía profesional trabajando en varios estudios y también lo hizo para el Nederlands Dans Theater.

Hace unos meses me puse en contacto con ella para saber si tenía intención de publicar algún libro con sus trabajos y esta semana me ha respondido, aquí lo tenemos, su título "De Slapende Arm" que debido a mi malísimo holandés he decidido traducirlo en google y creo que debe ser algo así como "El brazo dormido" y no me extrañaría que éste fuera el título, le pega, es una situación inquietante como lo son las fotos que componen el libro.

Según Marlous, con la serie "de slapende arm' quiere hacer una crítica de nuestro mundo racional en el cual hemos olvidado sentir. Las imágenes están inspiradas en la obra del filósofo Maurice Merleau-Ponty y el zoólogo Desmond Morris, los cuales se fijaron en el aspecto físico de nuestra vida.

El libro tiene formato DIN A3 (28 x 39 cm) en sus primeras páginas, las de primer plano de la piel, porque las interiores son más pequeñas, buen recurso, las fotos de la piel actuan como piel del libro. El resto ya las podéis ver, sensaciones. En mi opinión su obra bebe mucho del surrealismo y sus imágenes en ocasiones tienen ese punto de atracción y de repulsión, una sensación extraña. Incluso hablándolo con Gonzalo de Siete de un Golpe, me hacía el comentario sobre tipo de papel utilizado, si su tacto fuera parecido al de la piel o al melocotón. Desde luego que así sería rotundo pero eso no lo sabemos. Si lo queremos saber deberemos contactar con ella y conseguir una de las 100 copias que forman el tiraje. El libro tiene 32 páginas. Sale por 20€ más gastos de envío que a España me ha comentado que suben a unos 9,24€.

Si os animáis ya lo sabéis, el mío creo que ya está en camino...

La playa y la niebla de Antonioni y Ghirri

2011-08-21T19:38:00.002+02:00

La playa abandonada de sus visitantes estivales tiene gran atractivo, es algo que muchos fotógrafos han tomado como motivo fotográfico, captar esa ausencia durante el invierno. Es un tema que ya vimos hace un tiempo en una entrada de este blog, aunque en ese caso algunos autores como Massimo Vitali o Andreas Gursky vimos que preferían las playas bien repletas de visitantes.

El caso es que viendo estos días de vacaciones "Más allá de las nubes", la película de Michelangelo Antonioni, quizás el director de cine con una fotografía más cuidada, más estética, aparece una escena en la que John Malkovich, protagonista e hilo conductor de todas las historias que se van sucediendo en la película, accede a la playa de Portofino buscando una localización para su próxima película y es cuando entramos en un escenario digno de Luigi Ghirri, esa playa desierta de gente pero con todos los elementos para el ocio temporalmente abandonados, delatan la presencia de gente en otro momento. Que estos objetos en un espacio ausente remitan a otro momento en que la playa está ocupada es una idea fascinante, ayuda también la postal que Malkovich tiene en sus manos como si la escena se tratara de una refotografía en dos tiempos, buen recurso el de Antonioni, que fue ayudado por el no menos fotográfico Win Wenders, dados los problemas de salud del director italiano en aquel tiempo.

Y las imágenes que se ven en esa escena tienen un referente en uno de los grandes del paisaje italiano, Luigi Ghirri, adjunto unas cuantas imágenes encontradas por la red sin apenas datos pues ninguna de ellas aparece en "It's beautiful here, isn't it...", el libro retrospectivo que publicó Aperture hace pocos años y que os recomiendo.

Luigi Ghirri

Luigi Ghirri, "Lido di Spina" (1973)

Luigi Ghirri

Por otra parte ámbos autores comparten también otro elemento común en alguna obra como es la niebla. Se da la casualidad de que en "Il deserto rosso", la niebla es protagonista y además es un elemento esencial de la narración. De esta manera se produce de nuevo un paralelismo con ciertas imágenes de Ghirri ya que éste también tiene un buen número de ellas.

También se da la casi coincidencia entre el nombre de la película de Antonioni y el documental dedicado a Ghirri titulado "Deserto rosa" que se estrenó en la Bienal de Venecia en 2007.

Aquí tenemos una muestra de la niebla en la obra de Ghirri, alguna de ella me parece cercana a alguna de Jordi Bernadó, será quizás por su formación en arquitectura...

Luigi Ghirri. Reggio Emilia, 1973

Luigi Ghirri.

Luigi Ghirri, Formigine, Modena, 1985

Jordi Bernadó. Esstocolmo. 2010

En caso de no haber visto ninguna de las dos películas, os animo a verlas pues son pura fotografía, son un manual de uso del punto de vista, de la luz, del color, de composición ... Es impresionante como utiliza todos esos recursos y el resultado es de una plasticidad increible que además ayuda a la narración.

Les rencontres d'Arles 2011

2011-08-16T15:32:00.014+02:00

Muchas ganas tenía de visitar de nuevo este festival de fotografía, sobretodo por uno de los platos fuertes, el conjunto de exposiciones "From here on", co-comisariadas por 5 de los grandes, Clément Chéroux, Joan Fontcuberta, Erik Kessels, Martin Parr y Joachim Schmid. Todos estos autores/editores/comisarios se han paseado por este blog, incluso en repetidas ocasiones, lo cual es un indicativo de mi interés por esta exposición.

From Here On es una parte importante de Manifiestos, uno de los cuatro bloques de exposiciones en los que podemos dividir el festival, los otros tres son los dedicados a Mexico y una selección de trabajos de varios de sus fotógrafos, a los Documentos, como pueden ser la maleta mexicana o el archivo del New York Times Magazine, y el dedicado a los descubrimientos de nuevos fotógrafos y al premio del libro de autor.

Dentro del apartado Manifiestos también se puede ver una retrospectiva de Chris Marker, qué deciros, no acabé de entender algunas series por la pésima calidad de sus copias y con los textos que ofrecían no dí a acertar si era buscada o simplemente un error, si es lo primero tanta conceptualidad me mata. Passengers, la serie que se salvó, se muestra en una sala repleta de fotografías de pasajeros del metro, en diferentes situaciones, la calidad de las imágenes es mala, supongo que debido a que han sido realizadas con un móvil o porque se busca ese efecto en la postprodución. En esta serie muestra gestos privados en un entorno público como es el metro, apareciendo algunos "parecidos razonables" con conocidas imágenes pictóricas.

Exposición Passengers. Chris Marker

Chris Marker. Monalisa.

En la resrospectiva se podía ver también, como no, La Jetée, su famosa película de imagen fija y en un par de ordenadores conectados a Second Life se podía consultar su obra expuesta en este mundo virtual.

Chris marker en Second Life

En la sección Manifiestos se puede ver también al artista JR, aunque su lugar expositivo es más bien la calle, presenta aquí Inside Out Project, un proyecto participativo que utiliza la red y que ya cuenta con casi 10.000 imágenes.

Durante el festival, aquel que quiera participar en el proyecto lo tiene fácil, debe ponerse a la cola de un fotomatón y esperar su turno para hacerse un retrato, una vez hecho esto esperar la copia a gran tamaño que le caerá del cielo. La imagen resultante debe exponerse en un lugar público y documentar la acción. El resultado debe publicarse en la web de Inside Out Project para formar parte del proyecto.

El fotomatón de Inside Out y la cola esperando retratarse

La copia caía desde lo alto de la nave

Muchos ya colgaron su retrato en el Parc des Ateliers

En Manifiestos también se puede ver lo último de Wang Qingsong, "La historia de los monumentos", un mural de 42 metros de largo, que recorre gran parte del perímetro de la iglesia de los Trinitarios. Está formado por la iconografía histórica que mantenemos a partir de las obras de arte que se han ido realizando a lo largo de los años y en los que se reprsentan conceptos como la belleza, que sin duda ha ido cambiando sus parámetros, o la verdad, entre otros. Es interesante ir desgranando cada una de las figuras que componen la obra para la que se necesitó unos 200 figurantes.

Una parte del mural que recorre la iglesia.

Las tres gracias de Rubens no podían faltar.

El vídeo del making off

En la exposición se podía ver también un video del making off del proyecto con Qingsong en acción, yo diría casi más interesante que la reproducción del mural, un tanto plana.

El último bloque de Manifiestos es From Here On. Esta exposición no ha nacido de la noche a la mañana, es algo que se ha ido cociendo durante los últimos años y acelerado durante los últimos meses, prueba de ello son las ediciones de Kesselskramer que invadieron la anterior edición de Les rencontres d'Arles, los reflectogramas de Fontcuberta recogidos en su libro "A través del espejo", las publicaciones de Schmid en su espacio Blurb, a veces compartido con Parr y como no el interés de Chéroux por las imágenes amateurs.

From here on. Entrada a la exposición.

El manifiesto de From Here On

Y lo que se vió en Arles recogido en este From Here On era lo esperado, trabajos ya conocidos como los de Penélope Umbrico, que también se podía ver en otra sección, y sus soles recogidos de flickr, las fotografías de monumentos realizadas por turistas y superpuestas por Corinne Vionnet, que ya vimos en este blog. Las escenas de Street View de Jon Rafman que ha desarrollado tan bien Mishka Henner en su No Man's Land, extrayendo imágenes de Google Street View para documentar la prostitución en la periferia de las ciudades.

Los trabajos de Andreas Schmidt y sus libros publicados en Blurb como "Images for ..." que muestra las imágenes seleccionadas por Google como representativas de un fotógrafo.

La finalidad del proyecto de Schmidt no es mostrar sin más estas imágenes sino preguntarnos quien decide esas imágenes que aparecen, ¿os atrevéis a seleccionar las mejores cinco fotografías de Cartier-Bresson? y si os atrevéis, cada uno eligirá posiblemente cinco diferentes, entonces ¿cuales muestra Google? ... en definitiva no se trata sólo de ir "pescando" imágenes en ese océano que es internet sino darles un sentido, generar un discurso o desarrollar una idea. Al final, ese es el objetivo principal del manifiesto "From here on", intenet ahora es un nuevo medio de captar imágenes, se asemeja a una cámara, las imágenes que se pueden encontrar en la red no son productos sino factores para crear nuevos productos dando a las imágenes un nuevo significado.

No es necesario aquí desarrollar todos los trabajos que se podían ver en From Here On porque sería muy extenso pero sí destacar algún autor por el interés de su propuesta, entre ellos está Pavel Maria Smejkal y su proyecto Fatescapes. En este proyecto borra la presencia humana o de aquellos objetos principales en fotos que son iconos quedándose sólo con el paisaje. Quizás nos habla de la memoria histórica y de la fotografía como medio para el recuerdo.

Pavel Maria Smejkal. Muerte de un miliciano.

Pavel Maria Smejkal. Matanza en Tiananmen.

Otro proyecto interesante me pareció el de Aram Bartholl, ya que plantea una reflexión acerca del marcador de Google Maps referente a la ubicación del centro de una ciudad y a su tamaño en función de parámetros de geolocalización, además de materializarse en forma de instalación en la calle. Se realizó una intervención en la Plaza de la Repúbica de Arles, la duda era determinar el centro exacto de la ciudad.

Aram Bartholl. Map

Un tercer proyecto interesante era el de Tony Churnside, técnico de R+D de la BBC, que tiene forma de videoclip, el que realizó para la banda The Get Out Clause con imágenes extraidas de cámaras de seguridad en diferentes escenarios de la ciudad. Una muestra de hasta qué punto somos observados y registrados por multitud de cámaras en espacios públicos.

Seguimos con el bloque de exposiciones dedicadas a Mexico, el año pasado fue Argentina, a ver si próximamente dedican este bloque a España, sería todo un detalle. En esta sección habían pesos pesados, como Graciela Iturbide y las expos sobre La revolución mexicana y la retrospectiva del fotoperiodista Enrique Metinides, quizás el escenario idóneo sería VISA pour l'image, sin embargo vimos aquí estas grandes exposiciones

Exposición La revolución mexicana.

Graciela Iturbide

Enrique Metinides

En la sección dedicada a Mexico me gustó especialmente el trabajo de Maya Goded. Presentaba dos proyectos, uno en papel, Land of witches, y otro en video, Welcome to lipstick, los dos estupendos. El segundo habla de la prostitución en una zona fronteriza entre Mexico y EEUU.

Maya Goded. Land of witches.

Maya Goded. Welcome to lipstick.

El proyecto de Dulce Pinzón me interesa como uno de esos proyectos en los que el texto es fundamental para dar significado a las imágenes. Si vieramos las imágenes de Superhéroes sin el texto adjunto sería un simple baile de disfraces pero el texto resta el carácter divertido de las imágenes y le da un carácter dramático al conjunto.

Dulce Pinzón. Proyección de Superhéroes.

Dulce Pinzón. Imagen de Superhéroes.

Ya en un terreno más conceptual, Iñaki Bonillas descompone un retrato extraido de un archivo familiar, le da mil vueltas, busca los límites de la fotografía y el resultado es una serie de imágenes de impresionante factura. Ya había visto otro trabajo suyo en la Galería Projectes SD que le representa y lo que vi hizo reafirmarme en que es uno de los autores más interesante que explota el archivo de imágenes.

Iñaki Bonillas.

Quien mejor que el propio Iñaki Bonillas explicando su proyecto "Doble Claroscuro", no dejéis de ver este vídeo.

Si como decía en el bloque dedicado a la República de Mexico hay presencia de exposiciones de fotoperiodismo, en la sección Documentos, éste se convierte en el protagonista, con La maleta mexicana y la exposición de imágenes publicadas en el magazine del diario New York Times con trabajos que hemos podido ver en las últimas ediciones del Festival VISA pour l'image, como son los trabajos de Stéphanie Sinclair sobre la poligamia en Estados Unidos o el de Brenda Anne Kennealy sobre la vida de las chicas jóvenes de las deprimidas zonas industriales de Estados Unidos.

Es una exposición interesante que muestra el buen gusto de los editores de esta revista pues hay trabajos de gran calidad, se pueden ver también ejemplos de edición de las imágenes y maquetación de las páginas del magazine. Próximamente aparecerá un libro editado por Aperture con todas las imágenes expuestas.

New York Times Magazine

Uno de los platos fuertes de este Arles es la exposición de la "La maleta mexicana", que tras verse por primera vez en el International Center of Photography de New York visitaba ahora Europa. Para los que no se puedan acercar a Arles deben saber que hará una próxima escala en Barcelona donde se podrá ver en el MNAC a partir de octubre de este año. En esta exposición se mostraban copias y hojas de contacto de los negativos guardados en dicha maleta y cuya autoría se reparte entre tres fotógrafos; Robert Capa, Gerda Taro y Chim Seymour. En la web del ICP encontraréis toda la información y la totalidad de las imágenes.

La maleta mexicana.

En la sección de Descubrimientos había innumerables propuestas, algunas no tan novedosas como era de esperar, como el caso de Yann Gross y su Horizonville.

Yann Gross. Horizonville

En esta sección volvía a aparecer de nuevo Penélope Umbrico y su libro-trampa y digo trampa porque bajo una de sus obras había una pila de ejemplares de "Ink (Book), from signal to ink" invitando al público a coger uno, o al menos eso imagino que era la idea, la cuestión es que me hice con uno de ellos. El contenido, imágenes de pantallas de ordenador impresas al 125% de densidad de tinta, imaginad como quedaron mis dedos.

Penélope Umbrico.

Los tentáculos de From here on se extendían también a esta sección, además de Penélope Umbrico podíamos ver obras de David Horvitz, que ya vimos en una entrada anterior.

David Horvitz. Proyecto Public Access.

David Horvitz. Proyecto Putting your head into the fridge.

En esta sección, como digo había muchos trabajos, no los comentaré todos pero me gustó especialmente el de la fotógrafa lituana Indré Serpytyte, que aborda el tema de la memoria y del trauma por la pérdida tras una guerra. Para realizar este trabajo hace uso del archivo fotográfico de imágenes de las casas de los ciudadanos que fueron utilizadas como lugares de detención e interrogatorio y por otro lado paisajes opacos de los bosques donde se escondió la población cuando abandonó sus casas. La fotografía de las maquetas de las casas y las refotografías de las imágenes de archivo nos fijan la atención en esos lugares escenario de la tragedia de la guerra y la refotografía a la vez nos muestra el paso del tiempo en esas construcciones.

Indré Serpytyte 1944 - 1991

Tanto me gustó este proyecto que acabé llevándome un ejemplar de 1944 - 1991, el libro con el proyecto completo.

Y es que hubo libros realmemte tentadores, por suerte muchos fuera de venta, en la exposición de libros de artista. Entre ellos el de Taryn Simon y su proyecto "A Living Man Declared Dead and Other Chapters" y es que ya lo que siento por esta mujer es admiración, todo lo que hace tiene gran calidad. Este libro ha sido el elegido como mejor libro de artista en este Arles 2011.

Otro libro que me gustó especialmente por las imágenes que contiene es el de Franco Fontana y sus paisajes que se acercan a la abstracción.

Otro libro de artista que se mostraba fuera del Premio y que me gustó mucho fue el de Vanessa Winship, que ha sido premio Cartier-Bresson 2011, el contenido, su trabajo Georgia.

Vanessa Winship.

Lo dejo aquí, si queréis más información, en la web del festival la encontraréis y si tenéis oportunidad de asistir no faltéis, lo tenemos cerca y siempre es un placer pasar unos días en el sur de Francia, por cierto que en agosto apenas hay público y las exposiciones se ven cómodamente.

Fotografía e internet

2011-07-31T11:11:00.007+02:00

Es indudable que internet ya forma parte de nuestra vida cotidiana. En la gran red hacemos nuestras compras, organizamos nuestros viajes, descargamos películas, escuchamos música, buscamos contactos profesionales, buscamos nuestra media naranja, compartimos nuestras aficiones, ... es decir, gran número de actividades que realizábamos anteriormente, ahora se han desplazado a un nuevo escenario, Internet.

Y era previsible que cada vez se produjeran más proyectos fotográficos que recogen estos cambios y que no tan sólo utilizan la red como medio para mostrar trabajos fotográficos sino que la red en sí es el motivo fotográfico, y es así porque la red no es algo inanimado, la red son las personas que la forman y uno de los aspectos de la fotografía es documentar esas relaciones que se dan entre personas tengan o no un lugar físico donde se generan.

Sin ánimo de hacer un resumen exhaustivo de todos los proyectos fotográficos donde internet tiene un gran protagonismo, sí me gustaría citar unos cuantos de diversa índole que sirven muy bien para ilustrar lo que comento en las primeras líneas.

David Horvitz. Proyecto Putting your head into the fridge.

Empiezo con un autor que me ha llamado mucho la atención últimamente y cuyo trabajo se puede ver actualmente en los Rencontres d'Arles, se trata de David Horvitz. Horvitz incide en el componente participativo que caracteriza las redes sociales, en el sentido de proponer proyectos donde la participación de los usuarios de la red es fundamental para la realización del mismo. Es famoso por sus peticiones a los internautas de tomar imágenes sobre un tema y de pedirles que las suban a las redes sociales con una etiqueta (tag) determinada, de manera que a posteriori, al realizar una búsqueda en Google Images por ejemplo, nos aparezcan todas las imágenes de ese proyecto. Es una forma de documentar a gran escala algun motivo pero sin duda el proyecto habla más de la participación de las personas en la red.

El proyecto que de alguna manera lo hizo más conocido a Horvitz fue el proyecto "241543903", número que no tiene significado alguno, es tan sólo la etiqueta que pidió Horvitz a sus colaboradores que utilizaran en las subidas a la red de sus imágenes. En este proyecto Horvitz pedía a los internautas que se fotografiaran con su cabeza en el interior de un congelador, una petición nada inocente, y que subieran dichas imágenes con la etiqueta correspondiente. El resultado lo podéis comprobar vosotros mismos buscando en Google los resultados de la etiqueta que se había de añadir a las imágenes. Al final de esta broma, la idea que gobierna el proyecto es la de poner de manifiesto el poder de convocatoria de la red y de la participación de sus miembros. Además de la participación nos puede hablar del carácter lúdico de la red, pues el motivo de por sí ya lo es.

Imagen capturada de Wikipedia.

El último proyecto de Horvitz va todavía más allá, titulado "Public Access" consiste en una serie de fotografías realizadas en las playas de la costa californiana, desde la frontera estadunidense con Mexico hasta el norte del estado de California. Horvitz aparece en todas estas fotografías, muchas de ellas recuerdan paisajes románticos dignos de Friedrich, el motivo para aparecer en estas fotografías de paisaje podría ser hacernos una idea de la escala de lo fotografiado aunque eso suele estar más aceptado en el caso de la arquitectura. La cuestión es que Horvitz sube todas estas imágenes añadiéndolas a artículos de Wikipedia o bien creando nuevos si la playa no disponía de artículo. El resultado fue que muchas de esas imágenes fueron borradas, otras fueron modificadas eliminando su figura, las razones atribuidas para todo esto fueron diversas, algunas de carácter político, otras no tenían mayor fundamento que la autoridad de un administrador de wikipedia, en definitiva Horvitz con este proyecto trata de poner sobre la mesa el tema de la gestión de contenidos en una enciclopedia abierta a la red, creada por todos nosotros, en constante edición, sin conocer los criterios que dominan ni quien al final decide los contenidos, todo está poco claro. Si tenéis interés el proyecto queda documentado en un archivo pdf distribuido libremente en la red, pues una de las características de este autor es que comparte digitalmente todos sus trabajos. La guinda al trabajo es que además en wikipedia queda documentado todo este asunto.

Como hemos visto Horvitz en sus proyectos ha utilizado google, flickr, wikipedia, ... a continuación viene un autor que utiliza como escenario los juegos online, Second Life y Playstation Home. Se trata de Roc Herms, un fotógrafo catalán que entra en la red para realizar street photography. Actualmente no podemos dejar de lado que existen otras calles en un mundo virtual en el que pasamos muchas horas y es el de los juegos online, otro apartado al que dedicamos mucho tiempo y que está provocando el mayor crecimiento, el de la industria del videojuego.

Otro proyecto interesante que nos desvela o según el caso nos reafirma en la cuestión de la censura en internet y de quien está detrás de las aplicaciones que nos ofrece la red es el de los artistas Isaki Lacuesta e Isa Campo que se pudo ver en la Fundación Suñol hace un par de años. El proyecto titulado "Goggle Earth. Lugares que no existen", y Goggle no es un error, consiste en una serie de fotografías y filmaciones de España, Colombia, Ecuador y Rusia, entre otros, que Google Earth esconde por tratarse de lugares protegidos (instalaciones militares, campos de entrenamiento, edificios gubernamentales, playas nudistas...) o bien que han sido manipulados por la especulación. La pareja de artistas visitaron los lugares en teoría “desaparecidos” del mapa para comprobar lo que allí se podía ver y realizaron diversas fotografías y videos con el fin de reivindicar la necesidad de continuar ofreciendo una visión humana de nuestro mundo, a ras de suelo, para recuperar una visión directa, sin falsos intermediarios.

Isaki Lacuesta e Isa Campo. Fotograma de Goggle Earth. Lugares que no existen

El último autor que quiero citar y que utiliza las herramientas que nos ofrece internet es el iraquí Wafaa Bilal. Su proyecto 3rdi pretende ser un diario de las imágenes que le rodean a lo largo del día, pero no es un diario ex-post sino online, para ello Bilal lleva consigo una cámara que captura imágenes y las sube a la red para que sean vistas inmediatamente, en la subida se incluye la geolocalización de cada una de las imágenes que se muestran en un mapa que señala la posición de Bilal en todo momento. Para poder llevar la cámara consigo tuvo que someterse a una operación para poderla implantar en su cráneo, al parecer con muchos problemas pues su organismo rechazaba las placas de titanio utilizadas. El proyecto pretende hacer público lo más privado de uno y esto es algo que sucede frecuentemente y Bilal lo pone de manifiesto, cada vez es más frecuente subir a la red aquellas imágenes que han pertenecido a nuestro círculo privado.

Wafaa Bilal. Imagen extraida de 3rdi.me

A esta breve lista podríamos añadir otros artistas que ya aparecieron en una entrada anterior de este blog dedicada al reciclaje de imágenes en la creación artística y en este apartado internet es una importante fuente de imágenes. Es el caso de Corinne Vionnet y su proyecto Photo Oportunities que utiliza imágenes conseguidas en búsquedas en la red de la palabra clave monumentos, o el de John Rafman y sus imágenes de Google Street View.

Mañana marcho hacia a Arles para visitar el festival, seguro que descubriremos nuevos autores que trabajan internet en su producción fotográfica, estaremos atentos y espero ofreceros un pequeño resumen por si alguien quiere acercarse.

Los Pirineos escondidos de Barcelona por Albert Gusi

2011-06-11T11:15:00.001+02:00

Ya hemos hablado en otras ocasiones de Albert Gusi, un artista que utiliza la fotografía de una forma participativa y lúdica. En esta ocasión nos propone un itinerario urbano por Barcelona que nos llevará a través de sus calles a las cumbres de Los Pirineos.

Mapa del itinerario

El itinerario colectivo con mochila incluida, del todo obligatoria, se iniciará en la Plaza de Mossèn Jacint Verdaguer, en el cruce de la Avenida Diagonal y el Paseo de Sant Joan y discurrirá por calles que tienen que ver con su vida y obra hasta llegar a la cumbre del Aneto y el Canigó.

Aquí tenéis toda la información de la excursión;

a) Está prevista para el sábado 18 de junio a las 10 h.
b) El punto de encuentro es el Passeig de Sant Joan frente a la Plaça Mossèn Jacint Verdaguer (justo detrás de una pequeña gasolinera).

c) El coste es 0 euros.
d) Estaria bien, que quien quiera venir me lo comunique a la dirección info@albertgusi.com
e) El tiempo aproximado del itinerario: 1 hora y 45 min. (Hasta arriba del todo del pico de la Call Canigó)
f) Recomendable llevar calzado ligero y agua.
g) Itinerario completamente urbano.
h) De regreso cada uno se espabila. El itinerario acaba en la Calle Canigó, allí se pueder coger el Metro L3 Valldaura.

A los 30 primeros inscritos, Albert Gusi les obsequiará con un ejemplar del mapa dentro de la edición especial que ha hecho la Editorial Alpina.

No os perdáis esta actividad que nos propone Albert Gusi y en la que podremos descubrir esos Pirineos que muchas veces nos han pasado desapercibidos pero que los tenemos bien cerca.

"Els Encants i la seva gent" de Antonio Corral.

2011-06-05T18:54:00.005+02:00

Últimamente no he podido dedicarme tal como me gustaría a este blog que comencé hace ya más de dos años y el motivo no es porque ahora me interese menos la fotografía, al contrario, ese interés se mantiene creciente aunque espero no llegue a ser obsesivo.

El motivo principal por el cual ha descendido últimamente el número de entradas en el blog ha sido porque desde hace unos meses colaboro con GrisArt Escola Superior de Fotografia en la presencia de la escuela en las redes sociales y en las últimas semanas además impartiendo clases de una de las asignaturas del curso general. Esto, como podéis imaginar, consume una porción importante del tiempo que uno puede dedicar.

Sirva esto de introducción para presentaros un trabajo que he descubierto hoy en uno de esos mercados de segunda mano en los que a veces uno se encuentra sorpresas. En este caso se trata de un libro, el primero, que fue autoeditado en 1982 por Antonio Corral Fernández, precisamente director desde su creación de GrisArt, la escuela con la cual colaboro y en donde he estudiado durante los dos últimos años.

Había visto otros trabajos suyos pero éste me ha parecido más interesante, quizás por verlo más cercano. Tiene retratos muy potentes combinados con imágenes de ese espacio en el cual muchísimas personas pasaron gran parte de su vida. Veo guiños a fotografías de Kertész o a algunas del neorealismo italiano, incluso veo algo de Koudelka. En cualquier caso las imágenes transmiten la bondad de la gente que ocupaba el mercado a pesar de sus difíciles condiciones de trabajo.

Es por tanto, un testimonio del mercado de ocasión por excelencia en Barcelona entre los años 1979 y 1982. Un mercado que a lo largo de su vida ha ido absorbiendo otros de similar finalidad y cuyo futuro próximo está siendo objeto de estudio por el Ayuntamiento de Barcelona, más ahora con la redefinición de la enorme plaza próxima a su actual ubicación.

El artista postfotográfico

2011-05-07T13:11:00.017+02:00

Hace unas semanas leí en el blog de las Jornadas Photo 2.1, que organiza Cien Ojos, un texto de Joan Fontcuberta que él mismo ha bautizado como Manifiesto Postfotográfico.

En ese manifiesto hay varios puntos que me han llamado la atención porque significan declarar una práctica que desde hace tiempo vienen realizando una serie de fotógrafos y son los que se refieren al artista como reutilizador y reciclador de imágenes. En concreto me refiero a los puntos 3 "En la responsabilidad del artista: se impone una ecología de lo visual que penalizará la saturación y alentará el reciclaje" y 5 "En la filosofía del arte: se deslegitiman los discursos de originalidad y se normalizan las prácticas apropiacionistas".

Joan Fontcuberta es todo un experto en esto de reutilizar imágenes, y aunque ahora con su último proyecto, A través del espejo, ha levantado mucho polvo acerca de la creación y de los derechos de uso de las imágenes disponibles en la red, anteriormente ya había reutilizado imágenes, prueba de ello son sus googlegramas, mosaicos de imágenes encontradas en Google a partir de búsquedas y que forman todas ellas otra imagen que tiene relación con las palabras utilizadas en las búsquedas.

Joan Fontcuberta. Googlegrama. Guantanamo.

En su último proyecto, Fontcuberta reune imágenes de autoretratos realizadas por personas anónimas frente a un espejo, él los llama reflectogramas. Con este conjunto de imágenes crea un discurso, no es tan sólo una recopilación de imágenes. Nos hace reflexionar sobre el uso de nuestra propia imagen en la red. Imágenes que antes pertenecían a lo privado abandonan ese espacio para ser compartidas con el resto. En estos proyectos el artista añade un discurso a esas imágenes reutilizadas, esa es la aportación del artista postfotográfico.

Libro A través del espejo de Joan Fontcuberta

Quizás el más famoso y polémico de estos artistas deba ser Richard Prince, autor de las famosas refotografías de los cowboys de un anuncio de una marca de tabaco americano. Parece ser que Prince y la galería que le representa han sido denunciados por un coleccionista por infringir ciertos términos de copyright en algunas de sus obras.

Richard Prince. Untittle (cowboy). 1989

Otro autor en la línea de Prince, es Sherry Levine y sus refotografías apropiándose de obras de Walker Evans, en este caso la defensa de la originalidad se hace cada vez más dificil aunque hay que reconocer que el proyecto no son las imágenes en sí sino el concepto de la serie. Levine reflexiona acerca de porqué las imágenes de Evans no están protegidas por copyright mientras las refotografías suyas sí. ¿Es menos autor Evans que Levine? ¿El copyright representa la autoría? Preguntas como éstas son las que propone Levine en su trabajo After Walker Evans.

Sherry Levine. After Walker Evans. 1981

Es curioso comprobar como el trabajo de Walker Evans genera otro trabajo, After Walker Evans, que a su vez genera otro trabajo, After Sherrie Levine. Este último realizado por Michael Mandiberg quien refotografía las fotografías de Sherry Levine y añade como elemento a su proyecto la posibilidad de descargar las imágenes desde su web junto con un certificado de autenticidad de las copias descargadas, una vuelta de tuerca más.

Hay también una serie de autores que utilizan fotografías que han sido desechadas por sus propietarios, suele tratarse de fototgrafía amateur, son la parte de imágenes que a no ser por su reciclaje, desaparecerían de nuestra memoria, pues no irían a para a archivos o colecciones particulares. En este sentido es interesante el trabajo que realiza Joachim Schmid.

Schmid recopila estas imágenes y crea con ellas unos albumes que se pueden ver y comprar en su página de Blurb. En algunos albumes también recurre a herramientas como Google Maps para obtener sus imágenes, como en 26 Gasoline Stations, en el que reinventa el que se considera primer libro de artista, obra de Ed Ruscha, pero sin salir de Berlín y sin utilizar cámara alguna. A continuación podéis ver el resultado.

En esta línea de recopilar imágenes y ordenarlas en una serie por un criterio determinado hay muchos artistas trabajando, la lista es extensa pero podemos citar a Erik Kessels como uno de los autores más destacados en este tipo de reciclaje de imágenes. Podéis visitar la página Kesselskramer Publishing donde muestra todos sus trabajos, como comenté en una entrada en este blog sobre los Rencontres d'Arles, fue uno de los artistas expuestos y sus ediciones estaban presentes en todas las pequeñas tiendas a la entrada de las salas de exposiciones. Desde un libro que recopila fotografías que realizaba un marido a su esposa en sus viajes hasta otro formado por fotografías hechas a cartas de restaurantes, de aquellas que incorporan una fotografía de los platos en cuestión, algo muy habitual en nuestros restaurantes de zonas turísticas.

Kessels recopila estas imágenes y las edita generando una obra que cobra un sentido y que se desmarca de las obras que toma como input para la suya. A continuación podéis ver unas imágenes de su libro "collection of 132 German police uniforms and how they should be worn", editado con fotografías amateurs de diversos autores en las que aparecen retratos de policías uniformados de Alemania.

Erik Kessels. A collection of 132 German police uniforms and how they should be worn.

En ocasiones estos proyectos de Kessels se aproximan a otros proyectos de archivo como los que realiza Gerard Richter. Son proyectos que recopilan imágenes para generar un Atlas, algunas de las fotografías son del propio autor pero otras muchas no. Es otra forma de reciclar las imágenes, no sólo archivarlas en sentido estricto, sino clasificarlas por tipologías para documentar conceptos que forman un Atlas.

Gerard Richter. Atlas hoja 30

Ultimamente he visto trabajos que reciclan imágenes de internet o de otros artistas reputados, utilizando las prácticas de composite que inventó Francis Galton, me refiero al trabajo de artistas como Idris Khan o Corinne Vionnet.

Mientras Idris Khan utiliza imágenes de Bernd y Hilla Becher para conseguir lo que nos quieren explicar el matrimonio superponiéndolas hasta conseguir imágenes que acaban pareciendo un boceto de lo fotografiado.

Idris Khan. Every...Bernd And Hilla Becher Prison Type Gasholders

Por su parte Corinne Vionnet utiliza fotografías realizadas por turistas de cláscos monumentos que suelen ser muy fotografiados como persiguiendo ver la imagen que forma parte de la memoria colectiva de ese momento frente al monumento en cuestión.

Corinne Vionnet. Photo Oportunities

Si antes hablaba de Schmid y su recurso a Google maps para obtener sus imágenes, otros artistas como el caso de John Rafman utilizan Google Street View. Rafman tiene un proyecto llamado 9 eyes, en referencia a las cámaras que alojan los coches de Google que se pasean por nuestras calles fotografiándolo todo.

John Rafman. 9 eyes

Otra aspecto interesante del reciclaje de imágenes es el de la refotografía para explicar los cambios en el paisaje y el paso del tiempo. Dentro de esta tipología de proyectos que reciclan imágenes encontramos los trabajos de Mark Klett, pionero en la técnica de refotografiar un determinado paisaje replicando el punto de vista de un fotógrafo que anteriormente fotografió ese paisaje, para encontrar las diferencias generadas por el paso del tiempo y reflexionar sobre las mismas.

Mark Klett & Byron Wolfe. Arizona, refotografiando imágenes de William Bell

También hay lugar para proyectos divertidos como "Extrem tourism", una serie de imágenes de Thomas Mailaender, dichas imágenes han sido obtenidas a través de un servicio que ofrece el fotógrafo de volcanes Steve Young, quien en su web ofrece por 25$ un fotomontaje tomando como fondo una de sus fotos de volcanes, Mailaender se hizo unas cuantas para su serie.

Thomas Mailaender. Extrem tourism.

Existe una serie de artistas que reciclan imágenes provenientes de álbumes familiares, en muchos casos obtenidas en mercados de compra y venta de segunda mano, como pueden ser Los Encantes de Barcelona, y con los cuales elaboran collages interesantes, entre ellos podemos citar dos artistas emergentes como son Marta Pina, a quien pude conocer en persona en la última edición de Arts Libris, e Iñigo Aragón, recientemente seleccionado en Descubrimientos PHE 2011.

Marta Pina.

Iñigo Aragón.

Seguro nos quedan muchos trabajos en el tintero pero esto ya puede servirnos de guía para ver todas las posibilidades que nos ofrece el reciclaje de imágenes para nuestra creación, tal como nos indica el manifiesto postfotográfico de Fontcuberta.

Autopublicación con libretas Moleskine

2011-04-13T00:10:00.027+02:00

Hace ya un tiempo que utilizo las libretas Moleskine, son ideales para llevar a cualquier lugar, las puedes llevar sin problemas en un bolsillo del pantalón, también ayudan sus tapas blandas, aunque siempre las he utilizado para tomar apuntes, quizás en alguna ocasión para un boceto pero nunca pensando en utilizarla con fines artísticos.

Sin embargo hace unos meses en la Galería Tagomago viendo la exposición de Atelieretaguardia vi algo que me gustó mucho y eran unos dibujos de los miembros del colectivo en una hojas de libretas Moleskine hechos por Chamo San, visitando su página disfruté de otros trabajos suyos. Pero de nuevo hace poco más de una semana volví a encontrarme con otras libretas estupendas, ésta vez de de_clara_do y me dije ¿se estará utilizando este magnífico soporte para fotografía? Era una pregunta retórica claro porque todo ya está hecho, sólo hay que dar con ello.

Buscando por la red he encontrado trabajos fascinantes y entre ellos está el del valenciano Juan Rayos. En su web se pueden ver proyectos que utilizan indistintamente el video y la fotografía. Sin embargo en sus moleskines mezcla textos con imágenes fotográficas y un sinfín de texturas y pinturas, el resultado es francamente interesante. Su trabajo Great Purge me ha trasladado a proyectos basados en archivo de Christian Boltanski.

Juan Rayos. Great Purge

Otro trabajo interesante es el de Cyrille Weiner, quien además de fotógrafa mantiene Silverpoetics, un blog de fotografía de los más interesantes que se pueden visitar, siempre al día mostrando proyectos creativos. Tiene un trabajo que al igual que Juan Rayos utiliza la Moleskine modelo "Japanese Album" como soporte para su proyecto "le ban des utopies". Esta libreta tiene la particularidad de tener 60 hojas en acordeón con lo cual se puede extender y ver en dos filas toda la secuencia de imágenes de la serie. Encuentro que es el formato más acertado para incluir fotografías.

Cyrille Weiner. Le ban des Utopies

También podemos encontrar a fotógrafos famosos como a Massimo Vitali echando mano del modelo album japonés.

Otra fotógrafa que se apunta a la Moleskine es Giada Ripa, con algunas dificultades para ver su moleskine por lo que observamos durante el video.

Para acabar el trabajo de Jin Xuanmin que podéis ver en Detour, la web que Moleskine ha habilitado para compartir todos los trabajos artísticos que toman como soporte esta libreta. Hay muchísimos más, incluso os podéis encontrar a otro famoso como es el caso de Paolo Pellegrin quien nos muestra su libro de bocetos.

Jin Xuanmin. Shanghai Shots

Si después de todo esto queréis dar un toque más personal a vuestra moleskine, he encontrado "Engrave your book", una web que ofrece tapas customizadas para la moleskine. La verdad que ya no hay excusa para no autopublicarse un libro, eso sí para series cortas que esto es muy artesanal.

Podéis encontrar estas libretas Moleskine en muchos establecimientos pero en concreto las de album japonés no sean tan habituales, por si acaso deciros que en la librería Altaïr sí se encuentran.

La otra serie de Kathy Grove

2011-03-27T16:28:00.007+02:00

El fondo de fotografía del Metropolitan Museum of Art de Nueva York, dispone de un servicio de consulta online de unas 30.677 referencias fotográficas registradas en su archivo de las cuales 19.841 disponen de imagen digitalizada que podemos ver ampliada y descargar a nuestro ordenador.

Bien, pues cuando el otro día estaba consultando este fondo me topé con una imagen curiosa al hacer una consulta utilizando la palabra clave kertesz y se trataba de una imagen que me resultaba familiar pero sin duda diferente a la que había visto en repetidas ocasiones. Se trata de la que podéis ver a continuación, una variación de la bailarina satírica de André Kertész pero sin bailarina. Algo así como la imagen de Baumeister bajo el viaducto de Meudon pero sin Baumeister.

Kathy Grove. After Kertész

Era irremediable, de repente me vino a la cabeza la secuencia de Meudon, ¿de nuevo tomas falsas de Kertész? Definitivamente no, ya que la imagen que encontré en la búsqueda no pertenece a Kertész pero dado lo conocida que es la imagen de la bailarina que se retuerce en el sofa, podía sugerir una toma anterior de prueba.

Finalmente dicha imagen es obra de la fotógrafa Kathy Grove que en 1990 realizó un proyecto titulado "The Other Series", cuya finalidad era poner en evidencia el papel de la mujer en el arte y su representación. Para ello se dedicó a refotografiar y modificar ciertas obras de arte eliminando la presencia de la mujer, en muchos casos es el motivo principal, con lo cual se acentúa más todavía la ausencia de la mujer en la obra. En algun otro caso, como el de la imagen icónica de Dorothea Lange, la madre emigrante muestra un rostro digno de modelo de portada de Vogue, pero no desaparece de la fotografía, una técnica distinta pero con igual objetivo.

La serie está formada tanto por fotografías como por pinturas alteradas por la artista. Entre las fotografías podemos encontrar obras de Kertész, Brassai, Muybridge o Man Ray y entre las pinturas, Cézanne, Degas, Matisse y Velázquez, entre otros muchos.

Kathy Grove. After Muybridge.

No he podido encontrar mucha información en la red sobre esta autora, apenas unas hojas de un libro cuyo título creo que se podría traducir como "Feminismo y arte contemporáneo. El poder revolucionario de la risa de la mujer" escrito por Jo Anna Isaak, y que podéis consultar parcialmente en google books.

Itinerario "Anem a cal fotògraf"

2011-03-06T20:02:00.063+01:00

Ayer, 5 de marzo de 2011, se inició un itinerario que se repetirá durante los próximos tres sábados de este mes y en el cual se visitan aquellos lugares en los cuales estuvieron emplazados los estudios y talleres fotográficos desde el inicio de la actividad fotográfica en la ciudad de Barcelona. Por aquel entonces las personas que querían retratarse debían visitar un fotógrafo dada la incipiente extensión de la fotografía, de ahí su nombre "Anem a cal fotògraf", expresión catalana cuya traducción al castellano sería "Vamos a casa del fotógrafo".

Este itinerario coincide en el tiempo con la exposición que el Arxiu Fotogràfic de Barcelona (AFB) está dedicando a la saga de fotógrafos Napoleon, inaugurada hace unas semanas, y en mi opinión es un complemento perfecto a la misma. El itinerario de ayer contó con unas guías de excepción, María de los Santos García Felguera, co-comisaria de la exposición que se puede ver en el AFB y Núria Fernández Rius, doctoranda que está realizando su tesis sobre los fotógrafos que desarrollaron su actividad a finales del siglo XIX en Barcelona y su participación en la Sociedad Fotográfica Francesa como forma de adquirir un sello de profesionalidad que borrara cualquier duda sobre su oficio.

Peatones ante la imagen del edificio del Estudio Napoleon tal como era en el s. XIX

El itinerario se inicia en la Rambla, justo a la altura del Frontón Colón, otrora estudio fotográfico de Antonio Fernández y Anaïs Napoleon conocido por el nombre de "taller de fotografía de Mr. Fernando y Anaïs Napoleon", por las dificultades de Anaïs de pronunciar el apellido Fernandez.

La fotografía de archivo delante del edificio actual

Subimos unos metros La Rambla, hasta la plaza del Teatre, allí se encontraba el estudio de Antoni Esplugas, en un edificio que todavía está en pie, el de la fachada rosa. Tuvo cierto éxito su fotografía esteroscópica de desnudos.

Nuria F. Rius nos señala la ubicación del estudio de Antoni Esplugas

Justo enfrente, en la azotea del Teatre Principal, permanece la estructura perteneciente al taller de fotografía de Fialdro, por el que pasaron innumerables cantantes, actrices y músicos que allí acturaron. Parte de la estructura permanece en pie a día de hoy, a pesar de la obligación de eliminarla en caso de cesar la actividad. Bajo el nombre Fialdro había una pareja de fotógrafos, Emilia Sebastià Silva y Miguel Figuerola Aldrofeu), quien fue el que dió nombre al taller.

Taller de fotografia en el Teatre Principal donde se fotografiaron numerosos actores

Nos adentramos en una de las calles para llegar al número 6 de la calle Aglà, donde se encontraba el estudio del fotógrafo Joan Martí, famoso por sus álbumes Belleses de Barcelona y Girona.

Cerca del Taller de Joan Martí

Seguimos nuestra ruta hasta la Plaça Reial y nos detenemos en el número 10 donde se encontraba el estudio de Monsieur Oscar Audouard.

A las puertas del taller de Audouard padre

Salimos de nuevo a La Rambla y visitamos el estudio de su hijo, Pau Audouard, en el actual número 56.

En el taller de Audouard hijo

Un divertido reclamo del fotógrafo Pau Audouard

Cruzamos la Rambla y al otro lado a la altura de la calle Unió se encontraba el estudio del francés Monsieur Franck, estudio que compitió con el de Napoleon por la hegemonía del retrato en Barcelona. Finalmente Franck cesó la actividad al marchar a su país.

Maria de los Santos García Felguera nos muestra la ubicación del Estudio de Franck

Una muestra de la lucha por la hegemonía en la Rambla de Franck y Antonio Fernández Napoleon es que fueron objeto de una caricatura que ponía de manifiesto la presencia de sus estudios fotográficos a ambos lados de la Rambla. También nos hace referencia a la morosidad en este tipo de servicios.

Retratomanía, la ilustración que apareció en "El Cafe"

Seguimos subiendo más hasta la calle Hospital, allí tenía su estudio Rafel Areñas.

En la entrada a la calle Hospital

Nos dirigimos hacia la calle Ferran, en esta calle encontramos varios de los estudios. El primero se ecuentra en la calle Aroles, se trata del estudio de Moliné i Albareda.

Estudio de Moliné i Albareda, imposible permanecer más que unos segundos en este lugar ...

Avanzamos un poco más y sin entrar en la Plaza Reial, nos quedamos en el Pasaje Madoz, en el número 5 se encontraba el estudio de Heribert Mariezcurrena.

En el pasaje Madoz

Seguimos de nuevo por la calle Ferran y nos paramos a la altura de la Iglesia de Sant Jaume. En su fachada se situaban escaparates con fotografías realizadas por el estudio Napoleon y Matorrodona.

Podemos hacernos una idea de la cantidad de público que veía los escaparates a la salida de misa

Ya en la Plaça de Sant Jaume se encontraba otro estudio, el de los Hermanos Partagás, podemos ver en la imagen la azotea donde se encontraba ubicado.

En este caso, la estructura del estudio fue desmontada al cesar la actividad

Y acabamos el itinerario en la Plaça de l'Àngel, en el lugar que ocupa actualmente la Via Laietana se ubicaba otro estudio Napoleon. La construcción de esta via provocó el derribo del edificio donde éste se encontraba. Como anécdota señalar que también fue derruido el edificio del Gremio de Calderers, siendo su fachada trasladada tiempo más tarde a la actual Plaça de Sant Felip Neri.

El plan Cerdà arrasó con estos edificios

Os recomiendo os apuntéis a uno de los siguientes sábados pues las explicaciones que se dan durante el itinerario son muy entretenidas y desvelan muchas curiosidades de nuestra ciudad no sólamente fotográficas. Aquí tenéis los datos para apuntaros;

Fechas: Sábados 5, 12, 19, y 26 de marzo.
Horario: De 11h a 12.30h
Precio: 4€
Punto de encuentro: Frente a Frontó Colom, Rambla Santa Mònica, 18
Información e inscripciones: 93 256 34 20 ó arxiufotografic@bcn.cat

En el mapa adjunto podéis ver donde se encuentra cada uno de los lugares que forman parte del itinerario.

Ver Itinerari Anem a cal fotògraf en un mapa más grande

Y al acabar el itinerario, también os recomiendo acercaros hasta el Arxiu Fotogràfic de Barcelona y visitar la exposición sobre los Napoleon, podréis ver unos maravillosos daguerrotipos, cedidos por coleccionistas privados para esta exposición, las clásicas carte de visite, los trabajos de retoque de imágenes que ya se hacían por entonces, atrezzo utilizado en sus estudios, no hay sin embargo ninguna oveja disecada, incluso Napoleones "falsos", todo está inventado y a las puertas del Arxiu os podréis hacer un retrato que os trasladará al siglo XIX.

En la sala de exposiciones disfrutando de los daguerrotipos

Durante las explicaciones de Núria, la instalación a pleno rendimiento

La instalación donde retratarse, en un momento de calma

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Más información:

(1) María de los Santos García Felguera. Los estudios de fotografía en la Barcelona de fin de siglo: Audouard y Napoleón..
(2) María de los Santos García Felguera. "Anaïs Tiffon, Antonio Fernández y la compañía fotográfica "Napoleon"..
(3) Anna F. Rius. "Fotògrafs barcelonins a les Exposicions Universals de París i a la Société Française de Photographie, 1859-1889"
(4) Rafel Torrella. Joan Martí, fotògraf de Belleses.

Albert Gusi. El paisaje en la cabeza.

2011-02-13T17:06:00.005+01:00

Albert Gusi es un artista que utiliza la fotografía como medio para explorar el territorio, para documentar nuestra relación con el paisaje, para que nos cuestionemos el uso que hacemos del mismo y en muchos de sus proyectos hay un componente participativo y de entretenimiento muy importante. Precísamente éste fue uno de los aspectos de su trabajo que más me sorprendió cuando lo conocí hace un par de años en la escuela superior de fotografía GrisArt, escuela en la que imparte clase y es coordinador de actividades y relaciones externas.

Albert Gusi se sirve de intervenciones o acciones, desde simular una fumarola en un volcán fuera de actividad hasta recrear el campo de juego del Camp Nou sobre un terreno sinuoso del municipio más pequeño de Catalunya, para conseguir representar el paisaje. De ahí el nombre de la exposición, el paisaje en la cabeza, pues siempre el mismo está presente y conforma el eje central de su obra.

Albert Gusi a la entrada de la exposición en el CDAN.

Desde hace unas semanas, el Centro de Arte y Naturaleza - Fundación Beulas (CDAN), le dedica una exposición retrospectiva con una selección de trabajos que ha realizado durante los últimos diez años. Además, en esta exposición se incluyen dos nuevos proyectos que han sido realizados para esta exposición y que tienen por escenario el paisaje oscense, provincia donde se encuentra ubicado este centro dedicado al arte y el paisaje.

Este fin de semana tuvimos la oportunidad de visitar la exposición acompañados por el mismo Albert Gusi y él nos fue explicando la exposición, intento transmitiros con algunos comentarios y unas imágenes que tomé lo que en el CDAN se puede ver hasta el 6 de marzo de 2011.

Unas gigantescas pelotas de playa nos reciben a la entrada, pertenecen a su proyecto "Por el glacial del Aneto bajan cuatro pelotas de playa gigantes", proyecto que está en curso pues la idea es dejar caer dichas pelotas a lo largo de la ladera helada de la montaña del Aneto a finales de abril o principios de mayo.

A continuación vemos imágenes de proyectos en los que el papel fotográfico entra en contacto con la naturaleza, sea la tierra o el viento, se trata de fotogramas, en dichas imágenes no se utiliza ningún tipo de cámara fotográfica. También se incluyen imágenes que tratan de documentar la acción fotográfica. Entre estos proyectos encontramos "planchando el viento", "rastreando el territorio con papel fotográfico", "aviones fotográficos de reconocimiento", "explosión fotográfica en la troposfera" y "Messor: las hormigas (re)coleccionistas". Otros proyectos que también se pueden ver los podéis encontrar en la web de Albert Gusi bien documentados.

Imágenes del proyecto "planchando el viento"

Proyecto "rastreando el territorio con papel fotográfico"

Proyecto "aviones fotográficos de reconocimiento"

Proyecto "explosión fotográfica en la troposfera"

Proyecto "Messor: las hormigas (re)coleccionistas"

Quizás por razones expositivas está separado físicamente de estos últimos proyectos que acabo de citar, otro de iguales características, que se puede ver en otra sala, se trata de "línea fotográfica atravesando los límites comarcales del Berguedà y el Ripollès", evidenciando que a menudo las divisiones territoriales responden a otras motivaciones diferentes a las paisajísticas.

Proyecto "línea fotografica atravesando los límites..."

A continuación la exposición sigue con otros proyectos en los que sí se emplea la cámara fotográfica y en los cuales el sujeto activo es el paisaje. Uno de ellos es el proyecto "objetivo Medacorba" cuya finalidad es obtener una fotografía en la que aparezcan tres países, para ello Albert Gusi sube a una cima y despliega las patas larguísimas de un artesanal trípode que sostiene una cámara disparada remotamente y que consigue así la imagen deseada. La acción fotográfica es también documentada, en definitiva la obra final no es únicamente la foto perseguida sino todo lo que rodea la acción de fotografiar.

Proyecto "objetivo Medacorba"

Un proyecto interesante que introducía al principio de la entrada y que podemos ver a continuación es el de la "simulación de una fumarola en el volcán Montsacopa de Olot". En este proyecto lo interesante es captar la atención del público que participa activamente en el registro de la intervención en el paisaje. El objeto final creado a partir de esta intervención es una cámara de juguete, de las que se venden como souvenir y cuyas postales son una selección de imágenes que los espectadores tomaron durante la intervención.

Proyecto "simulación de una fumarola en el volcán Montsacopa de Olot"

Seguimos con más volcanes, proyecto "de (+) volcanes", en este caso se trata de introducir el color en un paisaje volcánico, el resultado son unas imágenes coloristas muy atractivas, efecto que se potencia por el uso de unas cajas de luz utilizadas como soporte.

Proyecto "de (+) volcanes".

En otro proyecto, "aproximación a una geografía cultural catalana", que podemos ver en el CDAN, Albert Gusi juega con los nombres de personajes famosos de la cultura catalana y su correspondiente representación en el paisaje. En dicha serie podemos ver a personajes tales como Pau Riba (ribera en castellano), Pepa Plana (llano), Ferran Torrent (torrente) ....

Proyecto "aproximación a una geografía cultural catalana"

Uno de los proyectos más llamativos que podemos ver es el del trazado exacto al del Nou Camp en los terrenos sinuoso del municipio más pequeño de Catalunya. "Un Nou Camp a Sant Jaume de Frontanyà" es una acción sobre los terrenos de Sant Jaume de Frontanyà se hizo coincidiendo con un concierto de Bruce Springsteen en el campo del FC Barcelona, que hizo desaparecer el terreno de juego.

Para dejar registro en papel de esta intervención se ha editado un libro con cinco imágenes de gran tamaño que vienen en un estuche, obra de Tinta Invisible Edicions, una editora barcelonesa que hace verdaderas maravillas.

Proyecto "un Nou Camp en Sant Jaume de Frontanyà"

En "utensilios alzadores fotográficos" Albert Gusi idea un sistema para elevar el punto de vista y conseguir así imágenes no habituales dejando también al azar una parte importante de la creación de esas imágenes.

Proyecto "utensilios alzadores fotográficos"

Proyecto "utensilios alzadores fotográfico

Para acabar os muestro imágenes de los dos proyectos realizados exclusivamente para esta exposición. En uno de ellos una cámara de video registra el tránsito de turistas que visitan el Parque Natural de Ordesa y contabiliza el número de fotografías que estos realizan a la espectacular cola de caballo. Un registro de como la fotografía es utilizada para mantener la memoria del lugar visitado y como documento de la monumentalidad de lo allí visto.

Proyecto "objetivo la cola de caballo"

El otro proyecto documenta la vista de la Hoya de Huesca desde los dos puntos más altos, la torre del Castillo de Loarre y la torre de la Catedral. El proyecto consiste en una panorámica esférica en la que el observador puede controlar el punto de vista con ayuda del mando de una consola de videojuegos Wii.

Proyecto "el paisaje de la hoya de Huesca ..."

Deseamos mucha suerte a Albert Gusi en esta exposición que le dedica el CDAN y en sus próximos trabajos.

"Fotografío para documentarme a mí".

2011-01-30T13:20:00.002+01:00

Existen muchos criterios a la hora de clasificar las fotografías, las etiquetas están al orden del día, unos hablan de retratos versus paisajes, otros de fotografía documental versus artística y los hay que diferencian entre imágenes que desarrollan una idea o concepto de otras imágenes en las que las sensaciones y la emotividad son el leit-motiv.

Este último criterio es a menudo motivo de controversia dado que hay una tendencia natural a que las imágenes ilustren un concepto, idea o historia. En el momento en que un fotógrafo se toma la licencia de encadenar imágenes sin ninguna aparente relación, cae la sombra de la duda sobre él, sobre la honestidad de su trabajo. A veces esto es agravado porque en este tipo de proyectos suelen repetirse una serie de elementos y/o estéticas muy características del género, lo cual genera confusión.

Roger Guaus. Imagen de su serie Arrelat

Muchos de estos proyectos, donde no existe un concepto tras la serie, son los llamados proyectos de diario íntimo, en los que las imágenes lo que hacen es conformar el mundo personal del fotógrafo. Roger Guaus tiene una frase que lo resume perfectamente "fotografío para documentarme a mí". Precisamente si hay un fotógrafo que encaja en esta calificación es sin duda Roger Guaus. Hasta hace unos días estaba exponiendo en Barcelona y cuando unos amigos visitamos su exposición titulada Arrelat en la Galería H2O, se reprodujo lo que os comentaba en el párrafo anterior.

Algunos de los que visitaron la exposición eran muy críticos con las imágenes que allí se veían, en muchos casos la crítica iba dirigida a la imperfección o al carácter amateur que las imágenes podían tener, ya sea por no cumplir algunas reglas compositivas, por incorrecto grado de exposición o el uso intrusivo del flash. Todo esto hizo que se creara esa incomprensión y duda acerca del autor y su obra.

Roger Guaus. Imagen de su serie Arrelat

Días después de la exposición, Roger Guaus nos visitó en las instalaciones de AtelierRetaguardia para una charla dentro del curso que imparte Israel Ariño. Lo esperábamos con muchas ganas y pusimos los cinco sentidos para que no se nos escapara nada de lo que decía.

Como resumen de su charla puedo deciros que Roger es una persona que se cuestiona contínuamente porqué hace fotos, qué tipo de fotografía hace, desmitifica la imagen del fotógrafo y se plantea también cual es su futuro en el mundo de la fotografía, incluso dejando caer la idea de abandonarla si no puede evolucionar en sus proyectos. Todo ello me parece que parte de una persona con una profunda honestidad, y no tanto una honestidad hacia el público que verá sus imágenes, sino una honestidad hacia sí mismo porque para él fotografiar es una necesidad vital y como tal quiere que esté de acuerdo a sus principios.

Roger Guaus, según sus palabras, fotografía por cuatro razones; por su necesidad de creación, ésta la comparto plenamente, por sus deseos de exhibicionismo, aunque también con muchas preguntas de por qué, como terapia, la fotografía le da sentido a su vida, por su capacidad generadora de una identidad, para canalizar sus fantasías e ilusiones, por ejemplo en sus fotografías están presentes el sexo y la muerte, y por el reconocimiento social, al ser fotógrafo entras en una red social en la que eres alguien. La cuarta razón es para documentarse a si mismo, pero no le interesa las imágenes que ve la gente de él, sino cómo se acerca a los motivos, en su opinión esto es lo que más habla de él.

La forma de trabajar de Guaus es pasiva, excepto en su proyecto de Residencia en Marsella, él se dedica a observar, a dejar que las cosas sucedan y un estado que a veces no es del todo lúcido tomar imágenes de aquello que está aconteciendo a su alrededor, un claro ejemplo es su proyecto de Arles, en el que aparece su colectivo Smoke.

Una de las características de sus proyectos es la masividad de imágenes que forman parte de sus proyectos, de hecho sus series al ser autobiográficas son series inacabadas, que se van alimentando contínuamente de imágenes nuevas. El mismo opina que la masividad de imágenes es algo que da más sentido a su obra. Curioso pero esto le acerca a la obra de autores donde el concepto es casi más importante que las imágenes, podemos tomar por ejemplo el matrimonio Becher y sus innumerables y repetitivas imágenes de depósitos que hacen que su proyecto de archivo cobre sentido. En este caso comprobamos incluso como los extremos de la fotografía coinciden en algún elemento.

Otro dato importante es que Roger Guaus plantea sus proyectos para que el objeto final de su creación sea un libro, que él mismo se edita. Sus libros son una maravilla, sobretodo uno en el que utiliza imágenes de su archivo familiar titulado Unreachable, a ver si lo podemos ver acabado en breve.

Con motivo de su exposición Arrelat, Tanit Plana escribió un texto sobre Roger Guaus que no tiene desperdicio, leedlo atentamente. Y si queréis saber más de la forma de trabajar de Roger Guaus podéis apuntaros a un taller que impartirá dentro de unas semanas, aquí tenéis la información del taller.

Los guardianes de nuestra memoria

2011-01-15T10:38:00.009+01:00

Ayer, dentro del programa "Divendres Actius" de la escuela GrisArt, visitamos la Exposición de Eugeni Forcano y aprovechamos para visitar también el Arxiu Fotogràfic de Barcelona (en adelante AFB) de la mano de Jordi Serchs, su director, quien nos explicó con abundantes detalles la finalidad del AFB, así como la tipología y procedencia de los fondos y colecciones que alberga, las tareas de mantenimiento y catalogación de las más de dos millones de fotografías que custodian.

Eugeni Forcano. Exposición La meva Barcelona.

Pero el cometido del AFB, según su director, no es sólamente la custodia y mantenimiento de estas fotografías sino darles vida, de proyectarlas sobre la ciudad en forma de exposiciones o de publicaciones. Añadiría incluso, iniciativas como After Foto BCN, la organización de un taller con el fotógrafo Mark Klett, el mayor exponente en refotografía, cuyo resultado será una serie de refotografías, utilizando fotografías del AFB, en las que se podrán apreciar los cambios que se han producido en el frente litoral de la ciudad de Barcelona de finales del siglo XIX hasta la actualidad.

Durante la charla con Jordi Serchs salieron diversos temas y uno de ellos fue el de la digitalización del fondo. Un tema que crea controversia acerca de la mejor manera de digitalizar el material. De momento y ante tales discrepancias, el AFB está escaneando y reprografiando el material. El proceso de digitalización y de incorporación a la base de datos con una serie de información obligatoria, entre ella el título, autor, firma topográfica, ... hace que el proceso de incorporación a la web de consulta que tiene el AFB sea lenta, es posible que actualmente sólo se pueda consultar en su web apenas un 1% de todo su fondo. Esto no es un inconveniente pues presencialmente y con una cita previa se puede acceder a todo el material restante.

Otro de los temas interesantes de los que se habló fue de los archivos de imágenes consultables, el del AFB es uno de ellos pera hay muchos otros. Sobre el aire quedó suspendida la idea de un registro global de todos los archivos, un punto de búsqueda común quizás, una especie de índice de todas las imágenes existentes en archvos, en este sentido parece ser que se está poniendo en marcha una iniciativa, la de Memoria Digital de Catalunya, sin embargo aglutina unos cuantos fondos, ojalá se vayan adheriendo al proyectos más instituciones.

Os adjunto una breve lista con algunos fondos consultables por internet que he ido utilizando en mis proyectos de refotografía, por si tenéis interés de ver imágenes de nuestro pasado o si queréis dar un paso adelante y trabajar con ellas, cada día son más los proyectos basados en archivo y los hay de muy interesantes como los de Arqueologia del punt de vista.

Aprovecho para comentaros, que aunque hoy, sábado 15 de enero de 2011, se clausuraba oficialmente la exposición de Eugeni Forcano, todavía se podrá visitar durante la semana que viene pues todavía no montan la siguiente exposición, que se dedicará a los fotógrafos retratistas por excelencia de Barcelona, Napoleón.

Si estáis interesados en el mundo de las fotografías antiguas y queréis saber un poco más de ellas, así como como mantenerlas, hay una guía muy interesante, escrita por Bertrand Lavédrine titulada (re)conocer y conservar las fotografías antiguas que os puede interesar, yo lo estoy leyendo ahora y me está gustando.

Y para acabar, una felicitación por el trabajo que están realizando desde este centro para mantener nuestra memoria, como he titulado esta entrada, son nuestros guardianes de la memoria, y en este archivo concreto para los que queremos mantener intacto el recuerdo de nuestra llena de historia ciudad de Barcelona.

La representación del paisaje

2011-01-10T20:13:00.009+01:00

Siempre me ha atraido el género del paisaje en la pintura y cuando empecé a utilizar una cámara fotográfica, consecuentemente, empecé a hacer en su mayor parte fotografía de paisaje. En mi opinión la representación del paisaje, aunque no aparezcan sujetos, habla del hombre, de como nos relacionamos con la naturaleza. Esa relación, en gran medida, nos define.

Tras repasar la historia de la representación del paisaje, es curioso comprobar como el género del paisaje ha tenido diferente evolución en la pintura respecto a la fotografía. Mientras en la pintura este género fue durante muchos años un género menor, sólamente superior al bodegón, incluso en algún momento malvisto pues no llevaba consigo ninguna reflexión y requería un menor intelecto, la aceptación de tal género como arte no llegó hasta el Trecento, la fotografía sin embargo y sobretodo en sus inicios, en un gran número de imágenes fotográficas el motivo principal era el paisaje, era uno de los pocos temas que se podían acometer con éxito dado la baja sensibilidad de los soportes utilizados, y la imposibilidad de congelar el movimiento, podemos recordar como ejemplo el daguerrotipo del Boulevard du Temple que hizo Daguerre en 1838.

De un tiempo aquí me he dedicado a observar detenidamente paisajes pictóricos y fotográficos e intentar buscar un denominador común entre ellos o dar con algunas tipologías en función de cual es la relación del hombre con el entorno natural. Tras leer algún libro y algunas otras publicaciones, finalmente he encontrado una caracterización que me ha convencido, precisamente en la sabia wikipedia. Dicha caracterización clasifica el paisaje en tres tipologías en función de nuestra relación con la naturaleza.

El primer tipo es el de los llamados paisajes sublimes, que aparecieron con el movimiento romántico durante el siglo XVIII. En ellos nos encontramos con imágenes de naturaleza en que de alguna manera se pone de manifiesto su superioridad respecto al hombre, que por su parte aparece frágil ante tal escenario.

Si en pintura podemos ver dichos paisajes en obras de Caspar David Friedrich, en fotografía los podemos ver en la obra de autores como Peter Bialobrzeski o Ruben Brulat por citar algunos. En las imágenes de estos dos fotógrafos encontramos a un personaje solitario o un reducido grupo en proporción muy inferior al paisaje en el que se encuentran. Estos paisajes además suelen tener un punto de vista muy elevado si no incluso un picado y no creo que sea algo casual elegir este punto de vista, como si una deidad nos estuviera observando.

Caspar David Friedrich. Monje cerca del mar.

Peter Bialobrzeski. Serie Heimat.

Ruben Brulat. Serie Primates.

Otros pintores y fotógrafos siguen incidiendo en la idea de la naturaleza dominante pero renuncian a la presencia del hombre en ese escenario, es lo que se puede llamar paisaje naturalista, estos autores enfrentan al hombre en la escena desde el punto de vista del espectador, es un punto de vista más subjetivo que el caso anterior. Suelen ser imágenes donde los protagonistas son fenómenos atmosféricos, por ejemplo tormentas, en los que no mantenemos firme el horizonte, en los que perdemos un poco la nitidez con que observamos la escena, son recursos para transmitirnos la sensación de que no controlamos la naturaleza. Para ilustrar este tipo de paisajes os muestro unas imágenes del pintor William Turner y del fotógrafo Tod Hiddo.

William Turner. Tormenta de nieve.

Tod Hiddo. Serie Landscapes.

Un segundo tipo de paisajismo pretende mostrar la naturaleza dominada, en la que el hombre ya no está en peligro ante la naturaleza salvaje, como en el caso anterior, sino que la ha conseguido domesticar. En estas imágenes la fotografía intenta representar en cierta manera la topografía teniendo en cuenta la presencia del hombre en el entorno. Son imágenes transparentes, como diría Stephen Shore, que permiten ser vistas deteniéndose en muchos detalles.

El pintor por excelencia en esta categoría de paisaje es el que se dice fue el primer paisajista "universal" de la historia, Joachim Patinir. Podéis observar la gran cantidad de detalles que incorpora la imagen, una perfecta topografía.

Joachim Patinir. Paisaje con San Jerónimo.

Ejemplos de esta relación de igualdad entre el hombre y el paisaje y de su integración en el mismo pueden ser las imágenes de los fotógrafos Xavier Ribas o Alexander Gronsky. Estas son imágenes en las que podemos ver como los sujetos se integran perfectamente en el paisaje sea cual sea su estado, incluso en la periferia de las ciudades, un paisaje para nada sublime.

Xavier Ribas. Serie Sundays.

Alexander Gronsky. Serie The Edge.

Un tercer tipo de paisaje es aquel en el que vemos como la naturaleza ha sido colonizada por el hombre. No existe ningún asomo de amenaza de la naturaleza hacia el hombre, en todo caso podría ser al revés. En este caso respecto al paisaje sublime la diferencia es muy clara, ahora la naturaleza puede ser la que está en peligro.

Si en pintura podemos hablar de Albrecht Altdorfer, en fotografía el autor que encaja perfectamente en esta categoría de paisajes es Edward Burtynsky. Sus imágenes suelen girar en torno a la dominación de la naturaleza por el hombre.

Albrecht Altdorfer. La batalla de Alejandro Magno.

Edward Burtynsky. Serie Oil.

Aunque también otros autores han realizado trabajos en esta línea como Mitch Epstein o Nadav Kander entre otros.

Mitch Epstein. Serie American Power.

Nadav Kander. Serie

A partir de otros criterios se podrían hacer otras tipologías de paisajes pero el criterio utilizado aquí me parece interesante por lo comentado al principio, porque este criterio habla de nuestra relación con la naturaleza, si ésta es de igual a igual o bien una de las partes está sometida. Por otra parte aclarar, aunque es obvio, que los autores elegidos aquí pueden tener imágenes a incluir en más de una categoría y que por supuesto existen muchos más autores que no han sido citados. Ahora, intentad vosotros mismos asignar una categoría a los que conocéis, a ver si funciona la categorización o si por el contrario deberíamos ampliarla. Espero comentarios...

"Early Color" de Saul Leiter

2010-12-12T00:00:00.002+01:00

Por fin he recibido en mi casa "Early Color", el libro que recopila imágenes en color del fotógrafo y pintor Saul Leiter. Es un libro extraordinario, creo que pasará a ser la pieza más valorada en mi biblioteca de fotografía. Se han publicado dos ediciones del mismo y las dos están agotadas, de todas formas se pueden conseguir en Amazon algunos volúmenes a un precio que multiplica por 3 ó 4 veces el que tenía originalmente.

Saul Leiter. Early Color. 2006

Es un libro pequeño, 20x20 cm, muy manejable, tapas duras, buen papel, buenas impresiones de las 100 imágenes que lleva. Una pequeña joya, en el video que adjunto podéis haceros una idea aproximada de lo que se siente cuando uno lo tiene entre sus manos.

Por si todavía no lo conocéis, os doy cuatro pinceladas de su biografía. Saul Leiter nació en Pittsbug, en 1923, en el seno de una familia judía. Ingresó pronto en la escuela de teología con la finalidad de ser rabino pero finalmente dejó los estudios de teología para trasladarse a Nueva York y formarse como pintor. Allí conoce al artista Richard Pousette-Dart y empieza a desarrollar una pintura expresionista-abstracta, aunque también empieza a fotografiar.

Pintura de Saul Leiter

El mismo Pousette-Dart y Eugene Smith le animaron a que siguiera fotografiando y comenzó a experimentar con una Leica. Se dedicó a la fotografía de moda, trabajando para revistas como Elle o Vogue pero siguió desarrollando su trabajo personal de fotografía de calle de manera discreta.

Me gusta de Leiter que en sus imágenes de fotografía de calle, en muchos momentos, tiende a la abstracción, jugando con la textura que proporciona mirar a través de cristales mojados, las cortinas de nieve, los múltiples reflejos en escaparates, las siluetas que intuyen personajes, con elementos que inesperadamente entran en escena aunque ocupen una porción pequeñísima de la imagen. También me gustan sus composiciones, utiliza pocos elementos y pocos tonos consiguiendo imágenes de lectura sencilla, su abundancia de imágenes verticales, los colores que conseguía que me recuerdan los que también conseguía Ernst Haas, se dice que debido al uso de carretes caducados y es que Leiter pasó ciertas penurias en algunos momentos y a veces no se podía permitir comprar película nueva.

Me parece fantástico ver este trabajo en el contexto en que se desarrolló, pues Leiter compartió escenario con otros fotógrafos como Robert Frank o William Klein en el Nueva York de los años 50 y sin embargo qué miradas tan diferentes, la de Leiter más introspectiva y serena, intentando buscar orden en el desorden de esas calles.

Clicando sobre la siguiente imagen podréis ver a Leiter explicando su trabajo en una charla que dió en el ICP (International Center of Photography) de Nueva York en enero de 2009.

Exposición "La heliografía contemporánea" de Atelieretaguardia

2010-12-11T10:31:00.009+01:00

En marzo de 2009 puse en marcha este blog sobre fotografía, era un reto ir publicando información periódicamente por varias razones, entre ellas porque uno está aprendiendo y a veces las opiniones son más preguntas que afirmaciones, de ahi lo interesante de los comentarios que habéis ido dejando en las entradas que he ido escribiendo.

Pero, a pesar del reto que suponía, lo que realmente me hizo decidir a ponerlo en marcha fue el poder compartir trabajos que me parecían interesantes. Y uno de ellos fue el que inauguró el blog, se trató de una sesión de colodión húmedo que hizo el colectivo Atelieretaguardia en los jardines de la librería Kowasa. En ese momento, estaba estudiando historia de la fotografía en la escuela GrisArt y justo habíamos visto los procedimientos iniciales de la fotografía; imágenes fotogénicas, calotipos, daguerrotipos y más adelante el procedimiento de colodión húmedo y fue una gran oportunidad asistir a esa sesión para verlo en vivo y así comprender mejor el procedimiento que utilizaron Eugene Atget o Alvin Langdon Coburn entre otros.

Es algo que todos aquellos a los que les gusta la fotografía, por la magia que desprende sobretodo en los procedimientos analógicos, no deberían dejar de ver.

Atelieretaguardia. Barcelona Expedición Heliográfica.

Bien, pues ahora, tras unos cuantos meses y otras tantas sesiones de trabajo por el camino, exponen sus proyectos en la Galería Tagomago. De esta manera, tenemos oportunidad de ver como trabaja este colectivo y de ver sus obras en vivo, todas copias únicas excepto la serie "Estudio sobre el arte de enmascarar", al tratarse de copias positivadas en papel.

Israel Ariño. Estudio sobre el arte de enmascarar

En la exposición podéis ver tanto trabajos individuales como de grupo, con diferentes técnicas, desde ambrotipos y ferrotipos hasta negativos en papel encerado pasando por positivos en papel, todos producto del uso de procedimientos fotográficos del siglo XIX.

Nada más entrar en la galería Tagomago os encontraréis la serie "Prosopografías", obra de Israel Ariño, una serie de ambrotipos cuyo motivo son unas esculturas de cabezas, en algunos casos rotas, o fragmentadas, de personas que se detienen ante la muerte, a mi me dio por pensar que quizás actúan como una metáfora de la fragilidad de la memoria y de la fotografía como medio para vencer esa fragilidad.

Israel Ariño. Prosopografías.

Comparten espacio con Prosopografías otras imágenes, entre ellas las de la serie "Apollo Epikouros", una serie que nos muestra el friso de un templo griego que se encuentra en el Bristish Museum de Londres. Asombra la definición de detalles que se pueden observar al ver los ambrotipos que forman esta serie, obra de todos los componentes del colectivo.

En la siguiente sala podemos ver otro trabajo de Israel Ariño del que ya he hablado un poco, me refiero a "Estudio sobre el arte de enmascarar", en esta serie de imágenes se combinan con una doble exposición rostros humanos con bustos de esculturas formando un único sujeto. Nos habla del deseo del hombre por confundirse, por enmascararse, pues esos fragmentos de bustos hacen las veces de antifaz. Los bustos utilizados en esta serie provienen de obras desechadas de una escuela de arte.

A continuación podemos ver un trabajo muy interesante, realizado por Arcangela Regis, al estilo de las imágenes fotogénicas de William Fox Talbot, estas imágenes han sido generadas por contacto de plantas con papel sensibilizado. En mi opinión el resultado es muy estético, con un virado rojizo.

Arcangela Regis. De rerum natura.

Si hasta ahora ya llevamos unos cuantos procedimientos fotográficos, a continuación sumamos uno más de la mano de Martí Llorens. En este caso el soporte es papel encerado y la imagen obtenida un negativo. Pero Martí en lugar de generar la imagen positiva lo que hace en esta serie es mostrar los negativos retroiluminados, como si los tuvieramos en una mesa de luz pero colgados en la pared como una obra definitiva, me parece esta una buena manera de mostrarlos, pues son obras definitivas. El proceso para conseguirlos, según explica Martí es largo, pero sin duda el resultado vale la pena.

Martí Llorens. Negativo en papel encerado.

En la siguiente serie, Xavier Mulet nos traslada al pasado para presentarnos a "Monsieur Ardan, un gran viajero del siglo XIX". A tal señor se le atribuyen retratos realizados a personas que iba conociendo en sus diferentes destinos; la India, la Capadocia, Estados Unidos, incluso hay algun autoretrato, que nos permite comprobar el gran parecido que tenía con Xavier Mulet.

Xavier Mulet. M. Ardan, gran viajero del siglo XIX.

Podemos también experimentar la sensación de movimiento con el praxinoscopio que hay en la sala y que muestra pequeñas imágenes de M. Ardan girando en torno a sí, debe evocar la sensación de mareo del viajero.

Xavier Mulet. M. Ardan, gran viajero del siglo XIX.

Y el último trabajo que os muestro aquí, aunque si visitáis la galería podréis ver más, es uno de Rebecca Mutell. Se titula Ambrosía y está formado por ambrotipos. Es muy curioso mirar la proyección de la sombra en la pared pues es como estar mirando el negativo de la imagen, que por otra parte no existe, pues estas imágenes son positivos directos.

Rebecca Mutell. Ambrosía.

Como véis merece la pena acercarse a la Galería Tagomago y mirar detenidamente estos trabajos, también podréis ver un video que muesra al colectivo trabajando en la calle, es un poco el making off de Barcelona Expedición Heliográfica.

También deciros que podréis disfrutar de los estupendos dibujos de los componentes de Atelieretaguardia que el ilustrador y fotógrafo Chamo San ha hecho. Si os dáis una vuelta por su página web disfrutaréis y veréis como sacarle partido a las tan actuales Moleskine.

Dibujos de Chamo San

Por último, deciros también que se ha editado un catálogo de la exposición con todas las obras que se pueden ver y textos que explican los proyectos, viene acompañado de un dvd con todas las imágenes y el video que se puede ver en la exposición. Está a la venta en la galería Tagomago.

Los fotógrafos de "Let us face the future"

2010-12-08T17:27:00.011+01:00

Ayer me pasé por la exposición "Let us face the future", que se puede visitar hasta el 20 de febrero de 2011 en la Fundació Joan Miró de Barcelona. Iba empujado por las ganas de ver en vivo obras de David Hockney o el atractivo retrato de Juan Gris que podemos ver en muchas banderolas publicitarias en las calles de Barcelona durante las últimas semanas, obra de Patrick Caulfield, sin embargo me encontré con más de ochenta obras interesantes, entre ellas obras de cuatro fotógrafos que os quiero comentar en esta entrada.

Patrick Caulfield. Retraro de Juan Gris. 1963

Como os decía, la muestra recoge más de ochenta obras. Dichas obras fueron realizadas por artistas británicos durante el período que va del año 1945 al 1968, es decir desde el final de la II Guerra Mundial hasta la revolución de 1968, año en el que se sucedieron diversos acontecimientos tales como el mayo francés, la primavera de Praga o los atentados a Martin Luther King y John F. Kennedy, entre otros. El título de la exposición viene del lema del partido laborista que venció en las elecciones de 1945 a Winston Churchill.

Antes de la visita, imaginaba encontrarme obras de todas las disciplinas, entre ellas la fotografía y dentro de ella pensaba encontrarme con las imágenes de postguerra de niños jugando en la calle típicas de Bill Brandt, cosa fácil de preveer por otra parte, sin embargo no fue así, pues las imágenes que de él me esperaba no las encontré. Al contrario me encontré unas imágenes de paisajes tremendamente pictóricas, incluso pictorialistas pues observando con detalle las copias, parece como si hubiera utilizado un pincel para dibujar los brillos en algunas de las piedras de su imagen de Stonehenge, que fue portada en su momento de la revista Picture Post. Viendo estas imágenes de paisajes de Brandt me he planteado la posibilidad de que haya sido una fuente de inspiración o un referente para Michael Kenna.

Bill Brandt. Stonehenge under snow. 1947

Bill Brandt. Barbary Castle. 1948

De quien sí he visto imágenes de niños jugando en la calle ha sido de Roger Mayne. Desconocía este fotógrafo y su obra. Por lo que he podido leer sobre él, documentó abundantemente la vida de los niños en las calles de Gran Bretaña durante la época de postguerra. Si revisamos su portfolio ese es un tema principal en su obra y todas las imágenes que se podían ver en la exposición en la Fundació Miró tenían como protagonistas a los niños.

Mayne es también famoso por haber realizado la imagen que fue portada de la novela "Absolute beginners" que más tarde se llevó al cine en forma de musical y que fue protagonizada por David Bowie y Patsy Kensit.

Roger Mayne. Girl jiving. 1957

Roger Mayne. Girl about to do a headstand. 1956

Dos fotógrafos más que se podían ver en esta exposición eran Tony Ray-Jones y Nigel Henderson, dos perfectos desconocidos para mí hasta ayer.

Tony Ray-Jones es otro de esos casos de carrera corta pero prometedora, como fue el caso de Francesca Woodman, apenas su obra cubre una década pues falleció a los 30 años. Pronto dejo Inglaterra para marchar a estudiar a la Universidad de Yale, allí conoció a Joel Meyerovitz, Henri Cartier-Bresson o Gary Winogrand entre otros fotógrafos. Vuelve a los cinco años a su país con la intención de documentar festivales y diversas actividades de ocio con ciertas dotes de surrealismo quizás influencia del fotógrafo francés. Su trabajo es muy interesante, podéis ver más de 300 imágenes suyas en Science and Society Picture Library haciendo una búsqueda por su nombre.

Tony Ray-Jones. The City, London. 1967

Tony Ray-Jones. Ballroom, Morecambe, 1968

Tony Ray-Jones. Glyndebourne, 1967

Buscando información sobre Ray-Jones me he topado con un parecido razonable curioso, en este caso se compara una imagen suya con la famosa pintura de Edward Hopper, Nighthawks.

Ray-Jones vs Hopper. Un parecido razonable.

Por su parte Nigel Henderson, al igual que Mayne documentó la vida de la gente en los barrios durante la postguerra, sobretodo en el barrio londinense de Bethnal Green. En su obra se ven influencias de autores franceses como Cartier-Bresson por las escenas cándidas de niños jugando en la calle o juegos visuales de rostros con dibujos en alguna pared próxima, o de autores americanos como Walker Evans, por sus fotografías de escaparates o rótulos.

Nigel Henderson. Peter Samuels. 1951

Nigel Henderson. Bag-wash 1949-53

Pero lo que realmente hizo destacar a Henderson entre otros autores de la época fue la creación de un estilo de fotografía que él denominó "estresada" (stressed photography). Henderson fue relegado del servicio durante la guerra por el estres que le ocasionaba el conflicto bélico. Por ello quiso trasladar ese sentimiento a sus imágenes y para ello realizó múltiples experimentos como la alteración de negativos o poniendo objetos directamente en el papel sensibilizado, muestra de ello es la siguiente imagen.

Nigel Henderson. Boy on a bike. 1952

Para acabar, deciros que en la exposición podemos ver diferentes obras de artistas que de alguna manera utilizan imágenes fotográficas en la producción de obras mixtas como collages. Es el caso de Richard Hamilton, todo un experto en versionear grandes obras pictóricas. Ya había visto su famoso collage "Just what is it that makes today's homes so different, so appealing?" de nombre tan largo, pero es una maravilla ver su collage $he en vivo, en el que hace una crítica a la publicidad dirigida a las amas de casa. Insisto, esta obra ha de verse en vivo, es dificil captar todos los detalles a partir de lo que vemos en la web.

Richard Hamilton. $he. 1958-1961

El otro artista al que quiero hacer referencia es Eduardo Paolozzi. Me sorprendió su serie "Wittgestein in New York", llena de detalles y en la que también incorpora imágenes fotográficas, en concreto en "The Spirit of the snake", retratos del filósofo Ludwig Wittgestein en la parte inferior del cuadro.

Eduardo Paolozzi. The Spirit of the Snake 1965

De Paolozzi se podía ver también alguna curiosa escultura de un robot, influencia de la película Planeta Prohibido del año 1956.

Y ya al margen de la fotografía, comentaros que sufrí en mis propias carnes el efecto moirée hasta el punto de tener que dejar de mirar un cuadro. Me refiero a las pinturas ópticas de Bridget Riley. A medida que te ibas acercando al lienzo, tus ojos iban acelerando sus movimientos y se agotaban, es dificil de explicarlo pero esos juegos ópticos creo que deben acelerar las fijaciones y los movimientos sacádicos de nuestros ojos.

Bridget Riley. Gala. 1974

"Working Across Time", un taller con Mark Klett

2010-11-17T18:10:00.011+01:00

El pasado fin de semana participé en el taller organizado por After Foto BCN y que impartió el fotógrafo Mark Klett en las instalaciones del Arxiu Fotogràfic de Barcelona (AFB).

Analizando las imágenes de Jean Laurent durante el taller en el AFB.

Para los que no conozcáis la obra de Mark Klett, en este blog anteriormente ya he escrito acerca de ella, deciros que gira en torno a los efectos del paso del tiempo y de como éstos se manifiestan en las alteraciones que se producen en el paisaje. Para ello se hace valer de la técnica de la refotografía, es decir de volver a fotografiar aquellos paisajes que en otro momento del tiempo anterior fueron ya fotografiados. La particularidad de estas refotografías es que se mantiene el punto de vista del fotografo que realizó la primera imagen de la serie temporal, es el llamado "vantage point".

Klett ha desarrollado una metodología muy concreta para dar con dicho "vantage point", ya que es el punto determinante para que la refotografía recoja con éxito las diferencias entre los diferentes momentos del tiempo. Dicha metodología nos la explicó durante el taller y la pudimos poner en práctica durante las largas sesiones de campo que hicimos en las localizaciones adyacentes al Arxiu Fotogràfic de Barcelona, como son el Parc de la Ciutadella, la estación de Francia y el Pla de Palau.

Trabajo de campo guiado por Klett en el Parc de la Ciutadella.

El taller se desarrolló a lo largo de tres días, en los que todos disfrutamos de las explicaciones de Mark y donde también hubo espacio para una visita guiada a las instalaciones del AFB de la mano de Jordi Calafell. En ella pudimos ver como son cuidadas con cariño las aproximadamente dos millones de imágenes que forman parte del fondo del archivo. Es una sensación muy especial cuando puedes tener entre tus manos (enguantadas por supuesto) obras históricas como son los libros realizados por Jean Laurent, Charles Clifford o Joan Martí.

Revisando los trabajos desarrollados durante el taller.

En estos días he podido constatar que el cruce entre fotografía e historia me provoca una sensación muy especial y más aun si dichas imágenes tienen como sujeto mi ciudad, Barcelona, entonces este efecto se potencia mucho más todavía, es algo dificil de explicar. En este sentido, la refotografía nos permite analizar el territorio a fondo y conocer o al menos potenciar el interés por resolver ciertas dudas que aparecen cuando observas los cambios producidos por efecto del paso del tiempo. A modo de ejemplo fue interesante observar que el suelo del Parc de la Ciutadella se ha elevado en algunas ubicaciones unos 50 centímetros o que la torre de la basílica de Santa María del Mar ha sufrido modificaciones en su estructura, desde finales del siglo XIX, cosa dificil de detectar a simple vista y que nos hace preguntarnos el porqué de ello.

Ahora nos quedan unas semanas de trabajo por delante para desarrollar las imágenes que empezamos a trabajar durante el taller, todo ello bajo la supervisión de Klett. Esperemos poder mostrar las imágenes en un futuro próximo.

Klett mostrando su cámara Silvestri junto a Manel Serra y John Frederick Anderson.

Por otra parte, fue un placer, gracias a este taller, conocer a todos sus participantes, entre ellos a reputados fotógrafos, como es el caso de Manel Serra y dar la enhorabuena por la iniciativa de este taller a Arqueologia del punt de vista y al Arxiu Fotogràfic de Barcelona que con After Foto Barcelona intentan dar una nueva proyección a las imágenes históricas que forman parte del AFB, que éste no represente un mero almacén de imágenes sino que a partir de él se generen nuevos documentos que recojan los cambios que se dan en Barcelona, dando así una nueva dimensión al archivo.

Participantes: Isidre Santacreu, Marta García, Alex Espinós, Laura Viñals, Jorge Galilea Nin, Pedro Arroyo, Patric Tato, Isabel Codina, Natasha Christia, Ricard Martínez, Mark Klett, John Frederick Anderson,Javier Sardá, en el suelo, Manel Serra. Foto: Jordi Calafell.

¿Te apuntas al "Proyecto Hopper" de Santi Gili?

2010-11-04T15:09:00.016+01:00

Conocí a Santi Gili hará poco más de dos años, cuando empezamos a estudiar el curso general de fotografía en la escuela GrisArt. Durante estos dos años sin duda hemos aumentado nuestros conocimientos pero quizás más aún nuestra pasión por la fotografía y es que como dice el que fuera uno de nuestros primeros profesores, y actualmente buen amigo, Piko Zulueta, esto de "la fotografía es una droga y engancha".

Santi Gili. Serie Bonjour tristesse

Además de todo esto, Santi es de aquellos que están en constante investigación, lo prueba todo, intentando encontrar la mejor herramienta que le proporcione las imágenes que él busca, todo tipo de cámaras, de aquellas de usar y tirar, reflex digital, analógicas de 35 mm y últimamente anda trasteando con una hasselblad con la que se hizo hace unos pocos meses y que por lo visto en sus últimas series el resultado empieza a ajustarse a lo que él quiere. Pero no me estoy refiriendo a que es una cámara que permite hacer mejores imágenes sino a que se ajusta mejor a su mirada y de esta manera se convierte en una extensión de él. Tampoco en la postproducción se queda corto y quizás es de los más hábiles con Adobe Photoshop de entre los que estudiamos durante dos años, sus imágenes con fotomontajes y sus texturas nos encantaban a todos. Todo esto lo podéis ver visitando su web, daros un paseo por su portfolio.

Edward Hopper. Morning sun

Ahora Santi nos propone ser modelo suyo para realizar una serie de retratos inspirados en las imágenes que realizó el pintor Edward Hopper. Os añado el texto literal de su propuesta.

"Estoy buscando gente que quiera colaborar en un pequeño proyecto fotográfico de retratos en interiores. Si te apetece participar en algo así, por favor, sigue leyendo. Es breve.

El proyecto

Es un proyecto que me sirve de aprendizaje (dominar la luz y dirigir modelos ocasionales o no) y, a cambio, os regalo una copia impresa en papel y otra en digital de vuestro retrato.

Para el proyecto, me quiero inspirar en los cuadros del famoso pintor Edward Hopper (más adelante os adjunto un enlace donde podréis ver algunas de sus obras), por el que me siento fascinado.

De su extensa obra y para esta serie en concreto, lo que busco son retratos en una habitación donde entre luz natural, ya sea desde una ventana o desde una puerta y recrear una escena.

El como

Si te da vergüenza mostrar la cara, pero te apetece mucho participar, también podemos encontrar la manera de disimular el rostro. Incluso aparecer de espaldas.

De igual modo, no es obligatorio que el retrato sea individual, también pueden entrar en escena más personas.

Las fotografías las tomaré usando una cámara de medio formato analógica, cuyos resultados hoy en día me sugieren mucho más que las digitales.

El lugar

El lugar será escogido por vosotros, pero debe cumplir con el requisito de ventana o puerta con luz natural. Pienso que lo más cómodo es que escojas una habitación de tu casa, pero si conoces algún sitio distinto, no hay problema.

Me desplazo donde sea (dentro de la provincia de Barcelona, claro).

En fin, de momento nada más. Para cualquier duda sobre el mismo, podéis mandarme un mail y os lo contestaré encantado. ¿Os puedo pedir que hagáis correr la voz? Busco chicos, chicas, mujeres, hombres... No hay preferencias, sólo ganas de participar."

Os animo a que os unáis al proyecto de Santi, por dos razones sobretodo, una egoista, vais a tener un buen retrato "gratis" y también porque tendréis la oportunidad de conocer a una persona de las que vale la pena, un tipo muy divertido y además una gran persona. Para ello podéis poneros en contacto con él en su dirección de correo.

Santi Gili. Autoretrato

El proyecto Hopper de Santi me parece además muy interesante porque quiere utilizar la luz natural en sus imágenes. Cuando vi su iniciativa sin haber leido todo su texto pensé que, en cierto modo, quería emular a Gregory Crewdson (os recomiendo la lectura de un texto de Arola Valls, docente en GrisArt, donde se explica la influencia de la obra de Hopper en Crewdson), sin embargo en las imágenes de Crewdson la iluminación es artificial. A ver qué nos depara este proyecto de Santi. Le deseo mucha suerte y esperamos los resultados.