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domingo 13 de febrero de 2011

Albert Gusi. El paisaje en la cabeza.

Albert Gusi es un artista que utiliza la fotografía como medio para explorar el territorio, para documentar nuestra relación con el paisaje, para que nos cuestionemos el uso que hacemos del mismo y en muchos de sus proyectos hay un componente participativo y de entretenimiento muy importante. Precísamente éste fue uno de los aspectos de su trabajo que más me sorprendió cuando lo conocí hace un par de años en la escuela superior de fotografía GrisArt, escuela en la que imparte clase y es coordinador de actividades y relaciones externas.

Albert Gusi se sirve de intervenciones o acciones, desde simular una fumarola en un volcán fuera de actividad hasta recrear el campo de juego del Camp Nou sobre un terreno sinuoso del municipio más pequeño de Catalunya, para conseguir representar el paisaje. De ahí el nombre de la exposición, el paisaje en la cabeza, pues siempre el mismo está presente y conforma el eje central de su obra.

Albert Gusi a la entrada de la exposición en el CDAN.

Desde hace unas semanas, el Centro de Arte y Naturaleza - Fundación Beulas (CDAN), le dedica una exposición retrospectiva con una selección de trabajos que ha realizado durante los últimos diez años. Además, en esta exposición se incluyen dos nuevos proyectos que han sido realizados para esta exposición y que tienen por escenario el paisaje oscense, provincia donde se encuentra ubicado este centro dedicado al arte y el paisaje.

Este fin de semana tuvimos la oportunidad de visitar la exposición acompañados por el mismo Albert Gusi y él nos fue explicando la exposición, intento transmitiros con algunos comentarios y unas imágenes que tomé lo que en el CDAN se puede ver hasta el 6 de marzo de 2011.

Unas gigantescas pelotas de playa nos reciben a la entrada, pertenecen a su proyecto "Por el glacial del Aneto bajan cuatro pelotas de playa gigantes", proyecto que está en curso pues la idea es dejar caer dichas pelotas a lo largo de la ladera helada de la montaña del Aneto a finales de abril o principios de mayo.

A continuación vemos imágenes de proyectos en los que el papel fotográfico entra en contacto con la naturaleza, sea la tierra o el viento, se trata de fotogramas, en dichas imágenes no se utiliza ningún tipo de cámara fotográfica. También se incluyen imágenes que tratan de documentar la acción fotográfica. Entre estos proyectos encontramos "planchando el viento", "rastreando el territorio con papel fotográfico", "aviones fotográficos de reconocimiento", "explosión fotográfica en la troposfera" y "Messor: las hormigas (re)coleccionistas". Otros proyectos que también se pueden ver los podéis encontrar en la web de Albert Gusi bien documentados.

Imágenes del proyecto "planchando el viento"

Proyecto "rastreando el territorio con papel fotográfico"

Proyecto "aviones fotográficos de reconocimiento"

Proyecto "explosión fotográfica en la troposfera"

Proyecto "Messor: las hormigas (re)coleccionistas"

Quizás por razones expositivas está separado físicamente de estos últimos proyectos que acabo de citar, otro de iguales características, que se puede ver en otra sala, se trata de "línea fotográfica atravesando los límites comarcales del Berguedà y el Ripollès", evidenciando que a menudo las divisiones territoriales responden a otras motivaciones diferentes a las paisajísticas.

Proyecto "línea fotografica atravesando los límites..."

A continuación la exposición sigue con otros proyectos en los que sí se emplea la cámara fotográfica y en los cuales el sujeto activo es el paisaje. Uno de ellos es el proyecto "objetivo Medacorba" cuya finalidad es obtener una fotografía en la que aparezcan tres países, para ello Albert Gusi sube a una cima y despliega las patas larguísimas de un artesanal trípode que sostiene una cámara disparada remotamente y que consigue así la imagen deseada. La acción fotográfica es también documentada, en definitiva la obra final no es únicamente la foto perseguida sino todo lo que rodea la acción de fotografiar.

Proyecto "objetivo Medacorba"

Un proyecto interesante que introducía al principio de la entrada y que podemos ver a continuación es el de la "simulación de una fumarola en el volcán Montsacopa de Olot". En este proyecto lo interesante es captar la atención del público que participa activamente en el registro de la intervención en el paisaje. El objeto final creado a partir de esta intervención es una cámara de juguete, de las que se venden como souvenir y cuyas postales son una selección de imágenes que los espectadores tomaron durante la intervención.

Proyecto "simulación de una fumarola en el volcán Montsacopa de Olot"

Seguimos con más volcanes, proyecto "de (+) volcanes", en este caso se trata de introducir el color en un paisaje volcánico, el resultado son unas imágenes coloristas muy atractivas, efecto que se potencia por el uso de unas cajas de luz utilizadas como soporte.

Proyecto "de (+) volcanes".

En otro proyecto, "aproximación a una geografía cultural catalana", que podemos ver en el CDAN, Albert Gusi juega con los nombres de personajes famosos de la cultura catalana y su correspondiente representación en el paisaje. En dicha serie podemos ver a personajes tales como Pau Riba (ribera en castellano), Pepa Plana (llano), Ferran Torrent (torrente) ....

Proyecto "aproximación a una geografía cultural catalana"

Uno de los proyectos más llamativos que podemos ver es el del trazado exacto al del Nou Camp en los terrenos sinuoso del municipio más pequeño de Catalunya. "Un Nou Camp a Sant Jaume de Frontanyà" es una acción sobre los terrenos de Sant Jaume de Frontanyà se hizo coincidiendo con un concierto de Bruce Springsteen en el campo del FC Barcelona, que hizo desaparecer el terreno de juego.

Para dejar registro en papel de esta intervención se ha editado un libro con cinco imágenes de gran tamaño que vienen en un estuche, obra de Tinta Invisible Edicions, una editora barcelonesa que hace verdaderas maravillas.

Proyecto "un Nou Camp en Sant Jaume de Frontanyà"

En "utensilios alzadores fotográficos" Albert Gusi idea un sistema para elevar el punto de vista y conseguir así imágenes no habituales dejando también al azar una parte importante de la creación de esas imágenes.

Proyecto "utensilios alzadores fotográficos"

Proyecto "utensilios alzadores fotográfico

Para acabar os muestro imágenes de los dos proyectos realizados exclusivamente para esta exposición. En uno de ellos una cámara de video registra el tránsito de turistas que visitan el Parque Natural de Ordesa y contabiliza el número de fotografías que estos realizan a la espectacular cola de caballo. Un registro de como la fotografía es utilizada para mantener la memoria del lugar visitado y como documento de la monumentalidad de lo allí visto.

Proyecto "objetivo la cola de caballo"

El otro proyecto documenta la vista de la Hoya de Huesca desde los dos puntos más altos, la torre del Castillo de Loarre y la torre de la Catedral. El proyecto consiste en una panorámica esférica en la que el observador puede controlar el punto de vista con ayuda del mando de una consola de videojuegos Wii.

Proyecto "el paisaje de la hoya de Huesca ..."

Deseamos mucha suerte a Albert Gusi en esta exposición que le dedica el CDAN y en sus próximos trabajos.

lunes 10 de enero de 2011

La representación del paisaje

Siempre me ha atraido el género del paisaje en la pintura y cuando empecé a utilizar una cámara fotográfica, consecuentemente, empecé a hacer en su mayor parte fotografía de paisaje. En mi opinión la representación del paisaje, aunque no aparezcan sujetos, habla del hombre, de como nos relacionamos con la naturaleza. Esa relación, en gran medida, nos define.

Tras repasar la historia de la representación del paisaje, es curioso comprobar como el género del paisaje ha tenido diferente evolución en la pintura respecto a la fotografía. Mientras en la pintura este género fue durante muchos años un género menor, sólamente superior al bodegón, incluso en algún momento malvisto pues no llevaba consigo ninguna reflexión y requería un menor intelecto, la aceptación de tal género como arte no llegó hasta el Trecento, la fotografía sin embargo y sobretodo en sus inicios, en un gran número de imágenes fotográficas el motivo principal era el paisaje, era uno de los pocos temas que se podían acometer con éxito dado la baja sensibilidad de los soportes utilizados, y la imposibilidad de congelar el movimiento, podemos recordar como ejemplo el daguerrotipo del Boulevard du Temple que hizo Daguerre en 1838.

De un tiempo aquí me he dedicado a observar detenidamente paisajes pictóricos y fotográficos e intentar buscar un denominador común entre ellos o dar con algunas tipologías en función de cual es la relación del hombre con el entorno natural. Tras leer algún libro y algunas otras publicaciones, finalmente he encontrado una caracterización que me ha convencido, precisamente en la sabia wikipedia. Dicha caracterización clasifica el paisaje en tres tipologías en función de nuestra relación con la naturaleza.

El primer tipo es el de los llamados paisajes sublimes, que aparecieron con el movimiento romántico durante el siglo XVIII. En ellos nos encontramos con imágenes de naturaleza en que de alguna manera se pone de manifiesto su superioridad respecto al hombre, que por su parte aparece frágil ante tal escenario.

Si en pintura podemos ver dichos paisajes en obras de Caspar David Friedrich, en fotografía los podemos ver en la obra de autores como Peter Bialobrzeski o Ruben Brulat por citar algunos. En las imágenes de estos dos fotógrafos encontramos a un personaje solitario o un reducido grupo en proporción muy inferior al paisaje en el que se encuentran. Estos paisajes además suelen tener un punto de vista muy elevado si no incluso un picado y no creo que sea algo casual elegir este punto de vista, como si una deidad nos estuviera observando.

Caspar David Friedrich. Monje cerca del mar.

Peter Bialobrzeski. Serie Heimat.

Ruben Brulat. Serie Primates.

Otros pintores y fotógrafos siguen incidiendo en la idea de la naturaleza dominante pero renuncian a la presencia del hombre en ese escenario, es lo que se puede llamar paisaje naturalista, estos autores enfrentan al hombre en la escena desde el punto de vista del espectador, es un punto de vista más subjetivo que el caso anterior. Suelen ser imágenes donde los protagonistas son fenómenos atmosféricos, por ejemplo tormentas, en los que no mantenemos firme el horizonte, en los que perdemos un poco la nitidez con que observamos la escena, son recursos para transmitirnos la sensación de que no controlamos la naturaleza. Para ilustrar este tipo de paisajes os muestro unas imágenes del pintor William Turner y del fotógrafo Tod Hiddo.

William Turner. Tormenta de nieve.

Tod Hiddo. Serie Landscapes.

Un segundo tipo de paisajismo pretende mostrar la naturaleza dominada, en la que el hombre ya no está en peligro ante la naturaleza salvaje, como en el caso anterior, sino que la ha conseguido domesticar. En estas imágenes la fotografía intenta representar en cierta manera la topografía teniendo en cuenta la presencia del hombre en el entorno. Son imágenes transparentes, como diría Stephen Shore, que permiten ser vistas deteniéndose en muchos detalles.

El pintor por excelencia en esta categoría de paisaje es el que se dice fue el primer paisajista "universal" de la historia, Joachim Patinir. Podéis observar la gran cantidad de detalles que incorpora la imagen, una perfecta topografía.

Joachim Patinir. Paisaje con San Jerónimo.

Ejemplos de esta relación de igualdad entre el hombre y el paisaje y de su integración en el mismo pueden ser las imágenes de los fotógrafos Xavier Ribas o Alexander Gronsky. Estas son imágenes en las que podemos ver como los sujetos se integran perfectamente en el paisaje sea cual sea su estado, incluso en la periferia de las ciudades, un paisaje para nada sublime.

Xavier Ribas. Serie Sundays.

Alexander Gronsky. Serie The Edge.

Un tercer tipo de paisaje es aquel en el que vemos como la naturaleza ha sido colonizada por el hombre. No existe ningún asomo de amenaza de la naturaleza hacia el hombre, en todo caso podría ser al revés. En este caso respecto al paisaje sublime la diferencia es muy clara, ahora la naturaleza puede ser la que está en peligro.

Si en pintura podemos hablar de Albrecht Altdorfer, en fotografía el autor que encaja perfectamente en esta categoría de paisajes es Edward Burtynsky. Sus imágenes suelen girar en torno a la dominación de la naturaleza por el hombre.

Albrecht Altdorfer. La batalla de Alejandro Magno.

Edward Burtynsky. Serie Oil.

Aunque también otros autores han realizado trabajos en esta línea como Mitch Epstein o Nadav Kander entre otros.

Mitch Epstein. Serie American Power.

Nadav Kander. Serie

A partir de otros criterios se podrían hacer otras tipologías de paisajes pero el criterio utilizado aquí me parece interesante por lo comentado al principio, porque este criterio habla de nuestra relación con la naturaleza, si ésta es de igual a igual o bien una de las partes está sometida. Por otra parte aclarar, aunque es obvio, que los autores elegidos aquí pueden tener imágenes a incluir en más de una categoría y que por supuesto existen muchos más autores que no han sido citados. Ahora, intentad vosotros mismos asignar una categoría a los que conocéis, a ver si funciona la categorización o si por el contrario deberíamos ampliarla. Espero comentarios...

domingo 29 de agosto de 2010

Un siglo de paisaje en Catalunya, nuevo proyecto de refotografía

Durante uno de estos calurosos días de verano, en los que se tiene más tiempo para ponerse al día de las noticias, descubro que el diario La Vanguardia está publicando imágenes de un nuevo proyecto de refotografía. En este caso se trata de documentar la alteración del paisaje catalán y lleva por nombre "Un siglo de paisaje en Catalunya".

Para ello se parte de las imágenes que se incluyeron en la "Geografía general de Catalunya" de Francesc Carreras Candi, publicada a principios del siglo XX y por otra parte esos mismos paisajes son fotografiados en la actualidad por Francesc Muntada.

Una muestra más de que la refotografía está de moda, sobretodo desde que el archivo ha cobrado mayor importancia.

Este proyecto está patrocinado por la Diputació de Lleida, la Fundació Agbar, la Vicepresidència de la Generalitat de Catalunya y la Obra social de Caixa de Catalunya.

Espero poder ver todas las imágenes del proyecto en un libro en lugar de tener que hacernos con los recortes del diario, cosa que seguramente debe estar haciendo el artista Ignasi Aballí para su proyecto "secuencias temporales".

jueves 19 de agosto de 2010

Niza y Saboya, refotografías de François Deladerrière

A raíz de la visita a Arles 2010 he conocido una obra del fotógrafo francés François Deladerrière en la que utiliza la refotografía.

Se trata de dípticos que confrontan imágenes de paisajes separados por casi unos 150 años. Las imágenes de partida son grabados incluidos en el libro "Nice et Savoie" publicado en 1864 bajo demanda de Napoleon III. El fin era mostrar a sus súbditos los últimos territorios que había anexionado a la República francesa.

Ahora, Deladerrière ha fotografiado aquellos escenarios que aparecían en los grabados del libro pero utilizando una visión contemporánea aunque ajustándose al punto de vista del grabado original. Extraña un poco el cambio de formato en el díptico pero debe ser que el autor lo entiende como más contemporáneo. También llama la atención en esa visión contemporánea la desaparición de cualquier rastro romántico que predomina en las imágenes de los grabados.

Se pueden ver las 100 refotografías en un libro editado por la omnipresente editorial francesa Actes Sud con todo el proyecto .

domingo 4 de julio de 2010

La Catalana de Xavier Ribas

Ayer me pasé por La Virreina para ver la exposición "LC, utopia ajornada" de Xavier Ribas. La exposición muestra imágenes del barrio de La Catalana durante los años 2002-2003. Si no lo conocéis La Catalana es un barrio que surgió en un territorio a medio camino entre los municipios de Barcelona y Sant Adrià de Besòs, forma, por tanto, parte de lo que llamamos periferia, un lugar en el que no ha habido unas normas claras como las hay en los centro urbanos claramente regulados e intervenidos. Dicho territorio, según el plan Cerdà, debía ser destinado a una gran zona verde, sin embargo ese proyecto se fue aplazando hasta el punto de convertirse en una utopía, quedando de esta manera sin una regulación definida.

Recuerdo que durante los años 1996-1999, cuando trabajé en la planta incineradora de basuras, de vez en cuando atravesaba las calles de La Catalana y tenía una sensación de recorrer un territorio en el que las administraciones públicas no habían intervenido, me parecía un barrio hecho por sus habitantes sobre la marcha y aprovechando un vacío de normas y una indefinición de competencias al estar en el límite de dos municipios. A mí este barrio me atraía, me llamaba mucho la atención como espacio olvidado, entre autopistas, plantas energéticas, el río, los grandes bloques del vecino barrio de La Mina, sin embargo mantenía cierta tranquilidad cuando pasabas por sus calles, de hecho en la actualidad, salvo deficiencias en los servicios, muchos de sus habitantes no quieren abandonarlo.

Pienso que Ribas capta a la perfección con sus imágenes la decadencia de este espacio abandonado por las administraciones pero al mismo tiempo capta esa tranquilidad de la que hablaba antes, de como se generan espacios de libertad en las zonas periféricas.

En la exposición, además de poder ver las 20 imágenes que forman el proyecto, podréis también echar una vistazo a un par de audiovisuales y consultar una recopilación de noticias publicadas en diarios desde los años 60 hasta la actualidad sobre este barrio y sobre el aplazamiento reiterado de lo que debía haber sido según el Plan Cerdà.

miércoles 26 de mayo de 2010

Caminando entre lo natural y lo construido

Hace pocos días dí por finalizado mi proyecto que trata de documentar ese territorio compartido por el medio natural y el construido, en concreto en el espacio ocupado por polígonos industriales en la comarca del Vallès Oriental.

Hace unos once años entré a trabajar en una empresa que está situada en uno de estos polígonos, una zona que era desconocida para mi hasta entonces. Lo que más me sorprendió era la combinación de la naturaleza tan exuberante que había en esa zona y la presencia de masías que compartían el espacio con grandes construcciones de hierro y cemento, y de redes de carreteras y autopistas, era una combinación que me llamaba tremendamente la atención. Desde entonces me gusta imaginar como debería ser ese entorno natural sin la presencia de ninguna construcción y es por ello que ahora en estas imagenes he intentado identificar aquellos elementos de lo construido que alteran el paisaje actual para así sustraerlos mentalmente y conseguir la imagen que desearía.

Como referentes he tomado las imágenes de los autores de la New Topographics así como de la escuela de Düsseldorf, dos corrientes que me atraen en la forma tan descriptiva que tienen de abordar los motivos.

Todas las imágenes que aparecen en este libro han sido tomadas en polígonos industrales localizados en Mollet del Vallès, Parets del Vallès, Montmeló, Montornès del Vallès, Lliçà de Vall y Lliçà de Munt durante los meses de octubre de 2009 y mayo de 2010.

Espero os guste y si es así, podéis conseguir una copia del libro en el previo que encabeza esta entrada.

Actualización 04/06/2010:

También podéis ver el libro en formato de publicación electrónica en issuu.com

sábado 27 de marzo de 2010

Cómo un proyecto documental con el tiempo puede devenir proyecto artístico

Hace unos días gracias a American Suburb X descubrí una serie de imágenes de Las Vegas realizadas en el año 1968, obra de Robert Venturi y Denise Scott Brown. Me pareció una serie fantástica, con esos tonos desaturados tan clásicos del color de los 60, esa luz del desierto americano, esos motivos surrealistas a más no poder como son todos los monolitos-anuncio de casinos, hoteles y un sinfín de negocios dedicados al ocio, en fin me pareció una serie muy estética, un viaje por las calles de Las Vegas de los 60. Hasta aquí todo bien, hasta que, como es habitual, me pongo a investigar quienes fueron esta pareja de autores y sorpresa, esta pareja no eran fotógrafos sino arquitectos.

Robert Venturi y Denise Scott Brown eran por entonces profesores de arquitectura en la Universidad de Yale y organizaron para sus alumnos un viaje de pocas semanas a Las Vegas, era un viaje que tenía por motivo reflexionar sobre la arquitectura que se hacía en la ciudad del ocio por excelencia. El fin era realizar un trabajo con las conclusiones a que llegaran durante el viaje, para ello tomaron abundante material gráfico, ya sean fotografías o filmaciones de video.

Finalmente en 1972 fue publicado el libro "Learning from las Vegas" (1) que recopilaba las conclusiones del estudio así como parte del material fotográfico para apoyar los textos. Es decir, esas fotografías no se hicieron más que con la voluntad de ilustrar unas ideas o descripciones de elementos arquitectónicos, en ningún caso tenían pretensiones artísticas. Este libro tuvo mucha repercusión en el mundo de la arquitectura y actualmente se realizan relecturas del mismo (2).

En el año 2008, Venturi y Scott Brown echaron un vistazo a su archivo fotográfico y rescataron estas imágenes y algunas más que ahora han sido publicadas en el libro "Las Vegas Studio: Images from the Archive of Robert Venturi and Denise Scott Brown". En él aparecen imágenes inéditas que no fueron publicadas en 1972, así como un interesante ensayo en el que se habla de los antecedentes de las imágenes que tomaron Venturi y Scott Brown del Strip de Las Vegas (el boulevard que recorre la ciudad y en el que se situan los casinos y otros negocios) que tuvo una inspiración en el "dead pan" de Sunset Strip que fotografió Edward Ruscha, de hecho de camino de Yale a Las Vegas hicieron una parada antes en el estudio de éste en Los Angeles. También se habla en este ensayo sobre las interelaciones en esa época con la fotografía del New Topographics y en concreto con Stephen Shore, quien en 1972, fecha en la que se publica "Learning from Las Vegas", inicia un viaje por la América rural que le llevará hasta Amarillo (Texas), fotografiando algunos de los motivos que eligieron la pareja de arquitectos y que después tomaría forma en el libro Uncommon Places.

El ensayo se completa con un interesante diálogo entre el artista suizo Peter Fischli y el arquitecto alemán Rem Koolhaas, en el que hablan sobre las influencias en las imágenes que tomaron Venturi y Scott Brown, que incluso llegan hasta el cine de Antonioni.

Entre ambas partes del ensayo hay 135 páginas que muestran las imágenes del viaje con una edición determinada, en la que algunas imágenes aparecen a doble página, otras pequeñas a una sola página, varias compartiendo una página, ... no se muestran de manera secuencial y lineal. Esto me hace pensar que los autores nos quieren explicar con esta secuencia de imágenes algo más que no nos contaron en el original "Learning from Las Vegas". Esto unido al atractivo de esa estética sesentera del color y a esos planos en algunos momentos descuidados que nos muestran tal cual era Las Vegas es lo que para mi hace que un proyecto que inicialmente era documental pueda pasarse a calificar de artístico, por lo estético y subjetivo que tiene.

Aqui tenéis unas cuantas imágenes de esas 135 paginas, una maravilla, en dos de ellas aparecen ambos autores, por cierto es a ella a quien se da la autoría de la mayoría de las imágenes. Miradlas y decidme si no podrían formar un proyecto fotográfico por sí solas, sin apoyar ningún texto.

(1) Extracto del libro "Aprendiendo de las Vegas"
(2) Versión en pdf de "I'm a monument, on learning from Las Vegas", Aaron Vinegar. MIT Press, 2008.