sábado, 15 de enero de 2011

Los guardianes de nuestra memoria

Ayer, dentro del programa "Divendres Actius" de la escuela GrisArt, visitamos la Exposición de Eugeni Forcano y aprovechamos para visitar también el Arxiu Fotogràfic de Barcelona (en adelante AFB) de la mano de Jordi Serchs, su director, quien nos explicó con abundantes detalles la finalidad del AFB, así como la tipología y procedencia de los fondos y colecciones que alberga, las tareas de mantenimiento y catalogación de las más de dos millones de fotografías que custodian.

Eugeni Forcano. Exposición La meva Barcelona.

Pero el cometido del AFB, según su director, no es sólamente la custodia y mantenimiento de estas fotografías sino darles vida, de proyectarlas sobre la ciudad en forma de exposiciones o de publicaciones. Añadiría incluso, iniciativas como After Foto BCN,  la organización de un taller con el fotógrafo Mark Klett, el mayor exponente en refotografía, cuyo resultado será una serie de refotografías, utilizando fotografías del AFB, en las que se podrán apreciar los cambios que se han producido en el frente litoral de la ciudad de Barcelona de finales del siglo XIX hasta la actualidad.



Durante la charla con Jordi Serchs salieron diversos temas y uno de ellos fue el de la digitalización del fondo. Un tema que crea controversia acerca de la mejor manera de digitalizar el material. De momento y ante tales discrepancias, el AFB está escaneando y reprografiando el material. El proceso de digitalización y de incorporación a la base de datos con una serie de información obligatoria, entre ella el título, autor, firma topográfica, ... hace que el proceso de incorporación a la web de consulta que tiene el AFB sea lenta, es posible que actualmente sólo se pueda consultar en su web apenas un 1% de todo su fondo. Esto no es un inconveniente pues presencialmente y con una cita previa se puede acceder a todo el material restante.

Otro de los temas interesantes de los que se habló fue de los archivos de imágenes consultables, el del AFB es uno de ellos pera hay muchos otros. Sobre el aire quedó suspendida la idea de un registro global de todos los archivos, un punto de búsqueda común quizás, una especie de índice de todas las imágenes existentes en archvos, en este sentido parece ser que se está poniendo en marcha una iniciativa, la de Memoria Digital de Catalunya, sin embargo aglutina unos cuantos fondos, ojalá se vayan adheriendo al proyectos más instituciones.

Os adjunto una breve lista con algunos fondos consultables por internet que he ido utilizando en mis proyectos de refotografía, por si tenéis interés de ver imágenes de nuestro pasado o si queréis dar un paso adelante y trabajar con ellas, cada día son más los proyectos basados en archivo y los hay de muy interesantes como los de Arqueologia del punt de vista.


Aprovecho para comentaros, que aunque hoy, sábado 15 de enero de 2011, se clausuraba oficialmente la exposición de Eugeni Forcano, todavía se podrá visitar durante la semana que viene pues todavía no montan la siguiente exposición, que se dedicará a los fotógrafos retratistas por excelencia de Barcelona, Napoleón.

Si estáis interesados en el mundo de las fotografías antiguas y queréis saber un poco más de ellas, así como como mantenerlas, hay una guía muy interesante, escrita por Bertrand Lavédrine titulada (re)conocer y conservar las fotografías antiguas que os puede interesar, yo lo estoy leyendo ahora y me está gustando.

Y para acabar, una felicitación por el trabajo que están realizando desde este centro para mantener nuestra memoria, como he titulado esta entrada, son nuestros guardianes de la memoria, y en este archivo concreto para los que queremos mantener intacto el recuerdo de nuestra llena de historia ciudad de Barcelona.

lunes, 10 de enero de 2011

La representación del paisaje

Siempre me ha atraido el género del paisaje en la pintura y cuando empecé a utilizar una cámara  fotográfica, consecuentemente, empecé a hacer en su mayor parte fotografía de paisaje.  En mi opinión la representación del paisaje, aunque no aparezcan sujetos, habla del hombre, de como nos relacionamos con la naturaleza. Esa relación, en gran medida, nos define.

Tras repasar la historia de la representación del paisaje, es curioso comprobar como el género del paisaje ha tenido diferente evolución en la pintura respecto a la fotografía. Mientras en la pintura este género fue durante muchos años un género menor, sólamente superior al bodegón, incluso en algún momento malvisto pues no llevaba consigo ninguna reflexión y requería un menor intelecto, la aceptación de tal género como arte no llegó hasta el Trecento, la fotografía sin embargo y sobretodo en sus inicios,  en un gran número de imágenes fotográficas el motivo principal era el paisaje, era uno de los pocos temas que se podían acometer  con éxito dado la baja sensibilidad de los soportes utilizados, y la imposibilidad de congelar el movimiento, podemos recordar como ejemplo el daguerrotipo del Boulevard du Temple que hizo Daguerre en 1838.

De un tiempo aquí me he dedicado a observar detenidamente paisajes pictóricos y fotográficos  e intentar buscar un denominador común entre ellos o dar con  algunas tipologías en función de cual es la relación del hombre con el entorno natural. Tras leer algún libro y algunas otras publicaciones,  finalmente he encontrado una caracterización que me ha convencido, precisamente en la sabia wikipedia. Dicha caracterización clasifica el paisaje en tres tipologías en función de nuestra relación con la naturaleza.

El primer tipo es el de los llamados paisajes sublimes, que aparecieron con el movimiento romántico durante el siglo XVIII.  En ellos nos encontramos con imágenes de naturaleza en que de alguna manera se pone de manifiesto su superioridad respecto al hombre, que por su parte aparece frágil ante tal escenario.

Si en pintura podemos ver dichos paisajes en obras de Caspar David Friedrich, en fotografía los podemos ver en la obra de autores como Peter Bialobrzeski o Ruben Brulat por citar algunos. En las imágenes de estos dos fotógrafos encontramos a un personaje solitario o un reducido grupo en proporción muy inferior al paisaje en el que se encuentran. Estos paisajes además suelen tener un punto de vista muy elevado si no incluso un picado y no creo que sea algo casual elegir este punto de vista, como si una deidad nos estuviera observando.

Caspar David Friedrich. Monje cerca del mar.
Peter Bialobrzeski. Serie Heimat.
Ruben Brulat. Serie Primates.

Otros pintores y fotógrafos siguen incidiendo en la idea de la naturaleza dominante pero renuncian a la presencia del hombre en ese escenario, es lo que se puede llamar paisaje naturalista, estos autores enfrentan al hombre en la escena desde el punto de vista del espectador, es un punto de vista más subjetivo que el caso anterior. Suelen ser imágenes donde los protagonistas son fenómenos atmosféricos, por ejemplo tormentas, en los que no mantenemos firme el horizonte, en los que perdemos un poco la nitidez con que observamos la escena, son recursos para transmitirnos la sensación de que no controlamos la naturaleza. Para ilustrar este tipo de paisajes os muestro unas imágenes del pintor William Turner y del fotógrafo Tod Hiddo.

William Turner. Tormenta de nieve.
Tod Hiddo. Serie Landscapes.

Un segundo tipo de paisajismo pretende mostrar la naturaleza dominada, en la que el hombre ya no está en peligro ante la naturaleza salvaje, como en el caso anterior, sino que la ha conseguido domesticar. En estas imágenes la fotografía intenta representar en cierta manera la topografía teniendo en cuenta la presencia del hombre en el entorno. Son imágenes transparentes, como diría Stephen Shore, que permiten ser vistas deteniéndose en muchos detalles.

El pintor por excelencia en esta categoría de paisaje es el que se dice fue el primer paisajista  "universal" de la historia, Joachim Patinir. Podéis observar la gran cantidad de detalles que incorpora la imagen, una perfecta topografía. 

Joachim Patinir. Paisaje con San Jerónimo.

Ejemplos de esta relación de igualdad entre el hombre y el paisaje y de su integración en el mismo pueden ser las imágenes de los fotógrafos Xavier Ribas o Alexander Gronsky. Estas son imágenes en las que podemos ver como los sujetos se integran perfectamente en el paisaje sea cual sea su estado, incluso en la periferia de las ciudades, un paisaje para nada sublime.

Xavier Ribas. Serie Sundays.
Alexander Gronsky. Serie The Edge.

Un tercer tipo de paisaje  es aquel en el que vemos como la naturaleza ha sido colonizada por el hombre. No existe ningún asomo de amenaza de la naturaleza hacia el hombre, en todo caso podría ser al revés. En este caso respecto al paisaje sublime la diferencia es muy clara, ahora la naturaleza puede ser la que está en peligro.

Si en pintura podemos hablar de Albrecht Altdorfer, en fotografía el autor que encaja perfectamente en esta categoría de paisajes es Edward Burtynsky. Sus imágenes suelen girar en torno a la dominación de la naturaleza por el hombre.

Albrecht Altdorfer. La batalla de Alejandro Magno.
Edward Burtynsky. Serie Oil.

Aunque también otros autores han realizado trabajos en esta línea como Mitch Epstein o Nadav Kander entre otros.

Mitch Epstein. Serie American Power.
Nadav Kander. Serie

A partir de otros criterios se podrían hacer otras tipologías de paisajes pero el criterio utilizado aquí me parece interesante por lo comentado al principio, porque este criterio habla de nuestra relación con la naturaleza, si ésta es de igual a igual o bien una de las partes está sometida. Por otra parte aclarar, aunque es obvio, que los autores elegidos aquí pueden tener imágenes a incluir en más de una categoría y que por supuesto existen muchos más autores que no han sido citados. Ahora, intentad vosotros mismos asignar una categoría a los que conocéis, a ver si funciona la categorización o si por el contrario deberíamos ampliarla. Espero comentarios...

domingo, 12 de diciembre de 2010

"Early Color" de Saul Leiter

Por fin he recibido en mi casa "Early Color", el libro que recopila imágenes en color del fotógrafo y pintor Saul Leiter. Es un libro extraordinario, creo que pasará a ser la pieza más valorada en mi biblioteca de fotografía. Se han publicado dos ediciones del mismo y las dos están agotadas, de todas formas se pueden conseguir en Amazon algunos volúmenes a un precio que multiplica por 3 ó 4 veces el que tenía originalmente.

Saul Leiter. Early Color. 2006

Es un libro pequeño,  20x20 cm, muy manejable, tapas duras, buen papel, buenas impresiones de las 100 imágenes que lleva. Una pequeña joya, en el video que adjunto podéis haceros una idea aproximada de lo que se siente cuando uno lo tiene entre sus manos.


Por si todavía no lo conocéis, os doy cuatro pinceladas de su biografía. Saul Leiter nació en Pittsbug, en 1923, en el seno de una familia judía. Ingresó pronto en la escuela de teología con la finalidad de ser rabino pero finalmente dejó los estudios de teología para trasladarse a Nueva York y formarse como pintor. Allí conoce al artista Richard Pousette-Dart y empieza a desarrollar una pintura expresionista-abstracta, aunque también empieza a fotografiar.

Pintura de Saul Leiter

El mismo Pousette-Dart y Eugene Smith le animaron a que siguiera fotografiando y comenzó a experimentar con una Leica. Se dedicó a la fotografía de moda, trabajando para revistas como Elle o Vogue pero siguió desarrollando su trabajo personal de fotografía de calle de manera discreta.

Me gusta de Leiter que en sus imágenes de fotografía de calle, en muchos momentos, tiende a la abstracción, jugando con la textura que proporciona mirar a través de cristales mojados, las cortinas de nieve, los múltiples reflejos en escaparates, las siluetas que intuyen personajes, con elementos que inesperadamente entran en escena aunque ocupen una porción pequeñísima de la imagen. También me gustan sus composiciones, utiliza pocos elementos y pocos tonos consiguiendo imágenes de lectura sencilla, su abundancia de imágenes verticales, los colores que conseguía que me recuerdan los que también conseguía Ernst Haas, se dice que debido al uso de carretes caducados y es que Leiter pasó ciertas penurias en algunos momentos y a veces no se podía permitir comprar película nueva.

Me parece fantástico ver este trabajo en el contexto en que se desarrolló, pues Leiter compartió escenario con otros fotógrafos como Robert Frank o William Klein en el Nueva York de los años 50 y sin embargo qué miradas tan diferentes, la de Leiter más introspectiva y serena, intentando buscar orden en el desorden de esas calles.

Clicando sobre la siguiente imagen podréis ver a Leiter explicando su trabajo en una charla que dió en el ICP (International Center of Photography) de Nueva York en enero de 2009.

sábado, 11 de diciembre de 2010

Exposición "La heliografía contemporánea" de Atelieretaguardia

En marzo de 2009 puse en marcha este blog sobre fotografía, era un reto ir publicando información periódicamente por varias razones, entre ellas porque uno está aprendiendo y a veces las opiniones son más preguntas que afirmaciones, de ahi lo interesante de los comentarios que habéis ido dejando en las entradas que he ido escribiendo.

Pero, a pesar del reto que suponía, lo que realmente me hizo decidir a ponerlo en marcha fue el poder compartir trabajos que me parecían interesantes. Y uno de ellos fue el que inauguró el blog, se trató de una sesión de colodión húmedo que hizo el colectivo Atelieretaguardia en los jardines de la librería Kowasa. En ese momento, estaba estudiando historia de la fotografía en la escuela GrisArt y justo habíamos visto los procedimientos iniciales de la fotografía; imágenes fotogénicas, calotipos, daguerrotipos y más adelante el procedimiento de colodión húmedo y fue una gran oportunidad asistir a esa sesión para verlo en vivo y así comprender mejor el procedimiento que utilizaron Eugene Atget o Alvin Langdon Coburn entre otros.

Es algo que todos aquellos a los que les gusta la fotografía, por la magia que desprende sobretodo en los procedimientos analógicos, no deberían dejar de ver.


Atelieretaguardia. Barcelona Expedición Heliográfica.

Bien, pues ahora, tras unos cuantos meses y otras tantas sesiones de trabajo por el camino, exponen sus proyectos  en la  Galería Tagomago. De esta manera, tenemos oportunidad de ver como trabaja este colectivo y de ver sus obras en vivo, todas copias únicas excepto la serie "Estudio sobre el arte de enmascarar", al tratarse de copias  positivadas en papel.

Israel Ariño. Estudio sobre el arte de enmascarar

En la exposición podéis ver tanto trabajos individuales como de grupo, con diferentes técnicas, desde ambrotipos y ferrotipos hasta negativos en papel encerado pasando por positivos en papel, todos producto del uso de procedimientos fotográficos del siglo XIX.

Nada más entrar en la galería Tagomago os encontraréis la serie "Prosopografías", obra de Israel Ariño, una serie de ambrotipos cuyo motivo son unas esculturas de cabezas, en algunos casos rotas, o fragmentadas, de personas que se detienen ante la muerte, a mi me dio por pensar que quizás actúan como una metáfora de la fragilidad de la memoria y de la fotografía como medio para vencer esa fragilidad.

Israel Ariño. Prosopografías.

Comparten espacio con Prosopografías otras imágenes, entre ellas las de la serie "Apollo Epikouros",  una serie que nos muestra el friso de un templo griego que se encuentra en el Bristish Museum de Londres. Asombra la definición de detalles que se pueden observar al ver los ambrotipos que forman esta serie, obra de todos los componentes del colectivo.

En la siguiente sala podemos ver otro trabajo de Israel Ariño del que ya he hablado un poco, me refiero a "Estudio sobre el arte de enmascarar", en esta serie de imágenes se combinan con una doble exposición rostros humanos con bustos de esculturas formando un único sujeto. Nos habla del deseo del hombre por confundirse, por enmascararse, pues esos fragmentos de bustos hacen las veces de antifaz. Los bustos utilizados en esta serie provienen de obras desechadas de una escuela de arte.


A continuación podemos ver un trabajo muy interesante, realizado por Arcangela Regis, al estilo de las imágenes fotogénicas de William Fox Talbot, estas imágenes han sido generadas por contacto de plantas con papel sensibilizado. En mi opinión el resultado es muy estético, con un virado rojizo.

Arcangela Regis. De rerum natura.

Si hasta ahora ya llevamos unos cuantos procedimientos fotográficos,  a continuación sumamos uno más de la mano de Martí Llorens. En este caso el soporte es papel encerado y la imagen obtenida un negativo. Pero Martí en lugar de generar la imagen positiva lo que hace en esta serie es mostrar los negativos retroiluminados, como si los tuvieramos en una mesa de luz pero colgados en la pared como una obra definitiva, me parece esta una buena manera de mostrarlos, pues son obras definitivas. El proceso para conseguirlos, según explica Martí es largo, pero sin duda el resultado vale la pena.


Martí Llorens. Negativo en papel encerado.

En la siguiente serie, Xavier Mulet nos traslada al pasado para presentarnos a "Monsieur Ardan, un gran viajero del siglo XIX". A tal señor se le atribuyen retratos realizados a personas que iba conociendo en sus diferentes destinos; la India, la Capadocia, Estados Unidos, incluso hay algun autoretrato, que nos permite comprobar el gran parecido que tenía con Xavier Mulet.

Xavier Mulet. M. Ardan, gran viajero del siglo XIX.

Podemos también experimentar la sensación de movimiento con el praxinoscopio que hay en la sala y que muestra pequeñas imágenes de M. Ardan girando en torno a sí, debe evocar la sensación de mareo del viajero.

Xavier Mulet. M. Ardan, gran viajero del siglo XIX.

Y el último trabajo que os muestro aquí, aunque si visitáis la galería podréis ver más, es uno de Rebecca Mutell. Se titula Ambrosía y está formado por ambrotipos. Es muy curioso mirar la proyección de la sombra en la pared pues es como estar mirando el negativo de la imagen, que por otra parte no existe, pues estas imágenes son positivos directos.

Rebecca Mutell. Ambrosía.

Como véis merece la pena acercarse a la Galería Tagomago y mirar detenidamente estos trabajos, también podréis ver un video que muesra al colectivo trabajando en la calle, es un poco el making off de Barcelona Expedición Heliográfica.

También deciros que podréis disfrutar de los estupendos dibujos de los componentes de Atelieretaguardia que el ilustrador y fotógrafo Chamo San ha hecho. Si os dáis una vuelta por su página web disfrutaréis y veréis como sacarle partido a las tan actuales Moleskine.

Dibujos de Chamo San

Dibujos de Chamo San

Por último, deciros también que se ha editado un catálogo de la exposición con todas las obras que se pueden ver y textos que explican los proyectos, viene acompañado de un dvd con todas las imágenes y el video que se puede ver en la exposición. Está a la venta en la galería Tagomago.

miércoles, 8 de diciembre de 2010

Los fotógrafos de "Let us face the future"

Ayer me pasé por la exposición "Let us face the future", que se puede visitar hasta el 20 de febrero de 2011 en la Fundació Joan Miró de Barcelona. Iba empujado por las ganas de ver en vivo obras de David Hockney o el atractivo retrato de Juan Gris que podemos ver en muchas banderolas publicitarias en las calles de Barcelona durante las últimas semanas, obra de Patrick Caulfield, sin embargo me encontré con más de ochenta obras interesantes, entre ellas obras de cuatro fotógrafos que os quiero comentar en esta entrada.

Patrick Caulfield. Retraro de Juan Gris. 1963

Como os decía, la muestra recoge más de ochenta obras. Dichas obras fueron realizadas por artistas británicos durante el período que va  del año 1945 al 1968, es decir desde el final de la II Guerra Mundial hasta la revolución de 1968, año en el que se sucedieron diversos acontecimientos tales como el mayo francés, la primavera de Praga o los atentados a Martin Luther King y John F. Kennedy, entre otros. El título de la exposición viene del lema del partido laborista que venció en las elecciones de 1945 a Winston Churchill.

Antes de la visita, imaginaba encontrarme obras de todas las disciplinas, entre ellas la fotografía y dentro de ella pensaba encontrarme con las imágenes de postguerra de niños jugando en la calle típicas de Bill Brandt, cosa fácil de preveer por otra parte, sin embargo no fue así, pues las imágenes que de él me esperaba no las encontré. Al contrario me encontré unas imágenes de paisajes tremendamente pictóricas, incluso pictorialistas pues observando con detalle las copias, parece como si hubiera utilizado un pincel para dibujar los brillos en algunas de las piedras de su imagen de Stonehenge, que fue portada en su momento de la revista Picture Post. Viendo estas imágenes de paisajes de Brandt me he planteado la posibilidad de que haya sido una fuente de inspiración o un referente para Michael Kenna.


Bill Brandt. Stonehenge under snow. 1947
Bill Brandt. Barbary Castle. 1948

De quien sí he visto imágenes de niños jugando en la calle ha sido de Roger Mayne. Desconocía este fotógrafo y su obra. Por lo que he podido leer sobre él, documentó abundantemente la vida de los niños en las calles de Gran Bretaña durante la época de postguerra. Si revisamos su portfolio ese es un tema principal en su obra y todas las imágenes que se podían ver en la exposición en la Fundació Miró tenían como protagonistas a los niños.

Mayne es también famoso por haber realizado la imagen que fue portada de la novela "Absolute beginners" que más tarde se llevó al cine en forma de musical y que fue protagonizada por David Bowie y Patsy Kensit.

Roger Mayne. Girl jiving. 1957
Roger Mayne. Girl about to do a headstand. 1956

Dos fotógrafos más que se podían ver en esta exposición eran Tony Ray-Jones y Nigel Henderson, dos perfectos desconocidos para mí hasta ayer.

Tony Ray-Jones es otro de esos casos de carrera corta pero prometedora, como fue el caso de Francesca Woodman, apenas su obra cubre una década pues falleció a los 30 años. Pronto dejo Inglaterra para marchar a estudiar a la Universidad de Yale, allí conoció a Joel Meyerovitz, Henri Cartier-Bresson o Gary Winogrand entre otros fotógrafos. Vuelve a los cinco años a su país con la intención de documentar festivales y diversas actividades de ocio con ciertas dotes de surrealismo quizás influencia del fotógrafo francés. Su trabajo es muy interesante, podéis ver más de 300 imágenes suyas en Science and Society Picture Library haciendo una búsqueda por su nombre.

Tony Ray-Jones. The City, London. 1967
Tony Ray-Jones. Ballroom, Morecambe, 1968

Tony Ray-Jones. Glyndebourne, 1967

Buscando información sobre Ray-Jones me he topado con un parecido razonable curioso, en este caso se compara una imagen suya con la famosa pintura de Edward Hopper, Nighthawks.

Ray-Jones vs Hopper. Un parecido razonable.

Por su parte Nigel Henderson, al igual que Mayne documentó la vida de la gente en los barrios durante la postguerra, sobretodo en el barrio londinense de Bethnal Green. En su obra se ven influencias de autores franceses como Cartier-Bresson por las escenas cándidas de niños jugando en la calle o juegos visuales de rostros con dibujos en alguna pared próxima, o de autores americanos como Walker Evans, por sus fotografías de escaparates o rótulos.

Nigel Henderson. Peter Samuels. 1951
Nigel Henderson. Bag-wash  1949-53

Pero lo que realmente hizo destacar a Henderson entre otros autores de la época fue la creación de un estilo de fotografía que él denominó "estresada" (stressed photography). Henderson fue relegado del servicio durante la guerra por el estres que le ocasionaba el conflicto bélico. Por ello quiso trasladar ese sentimiento a sus imágenes y para ello realizó múltiples experimentos como la alteración de negativos o poniendo objetos directamente en el papel sensibilizado, muestra de ello es la siguiente imagen.

Nigel Henderson. Boy on a bike. 1952

Para acabar, deciros que en la exposición podemos ver diferentes obras de artistas que de alguna manera utilizan imágenes fotográficas en la producción de obras mixtas como collages. Es el caso de Richard Hamilton, todo un experto en versionear grandes obras pictóricas. Ya había visto su famoso collage "Just what is it that makes today's homes so different, so appealing?" de nombre tan largo, pero es una maravilla ver su collage $he en vivo, en el que hace una crítica a la publicidad dirigida a las amas de casa. Insisto, esta obra ha de verse en vivo, es dificil captar todos los detalles a partir de lo que vemos en la web.

Richard Hamilton. $he. 1958-1961

El otro artista al que quiero hacer referencia es Eduardo Paolozzi. Me sorprendió su serie "Wittgestein in New York", llena de detalles y en la que también incorpora imágenes fotográficas, en concreto en "The Spirit of the snake", retratos del filósofo Ludwig Wittgestein en la parte inferior del cuadro. 

Eduardo Paolozzi. The Spirit of the Snake  1965

De Paolozzi se podía ver también alguna curiosa escultura de un robot, influencia de la película Planeta Prohibido del año 1956.

Y ya al margen de la fotografía, comentaros que sufrí en mis propias carnes el efecto moirée hasta el punto de tener que dejar de mirar un cuadro. Me refiero a las pinturas ópticas de Bridget Riley. A medida que te ibas acercando al lienzo, tus ojos iban acelerando sus movimientos y se agotaban, es dificil de explicarlo pero esos juegos ópticos creo que deben acelerar las fijaciones y los movimientos sacádicos de nuestros ojos.

Bridget Riley. Gala. 1974
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