martes, 9 de marzo de 2010

"Fotógr@fs al descubierto" de Joan Marc Carbó

 © Joan Marc Carbó. Fotógr@fos al descubierto.

El sábado pasado participé en el proyecto fotográfico de Joan Marc Carbó titulado "Fotógrafos al descubierto". Este proyecto lo ha desarrollado durante el curso de fotografía de autor en que ha participado y que ha sido impartido por el fotógrafo Juan de Dios Pérez en el centre cívic Pati Llimona. Aunque el proyecto finalizó en enero pasado con una exposición colectiva de los proyectos de todos los alumnos del curso, Joan Marc está continuando este proyecto y por ello he colaborado con él.

Con este proyecto, Joan Marc quiere dar a conocer la obra de fotógrafos anónimos que como yo  dedicamos mucho tiempo a nuestra pasión que es la fotografia.

Para realizar estos retratos, Joan Marc utiliza su cámara de formato medio Mamiya AFDII con respaldo PhaseOne P25+, mezclando iluminación natural y artificial, al estilo de Anne Leibovitz. En la foto del making-off podemos ver a Joan Marc junto a Oscar Ciutat, que actuó como asistente en la sesión y en la imagen aguanta el foco que  habitualmente utiliza Joan Marc en sus retratos.

© Pedro Arroyo. Making off Fotógrafos al descubierto.

A nivel compositivo la serie esta formada por dípticos en los que por un lado aparece una imagen realizada por el fotógrafo retratado y por otra el propio retrato realizado en un lugar que guarda relación con la imagen anterior y que ha sido elegido por el fotógrafo retratado. A estas dos imágenes añade un texto explicativo.

Para dar a conocer mi trabajo, he elegido una de las imágenes que he realizado recientemente para mi proyecto "cerrado por vacaciones". Dicha imagen la tomé en la playa de la Mar Bella de Barcelona, que es el lugar elegido como escenario para el retrato. Sin duda es un lugar especial pues recuerdo el día que fotografié el tobogán que aparece en la imagen, era un día de diciembre, frio y lluvioso, apenas hice la foto acompañado por unas cuantas gaviotas pues el lugar no era apetecible visitar, sin embargo las luces eran muy especiales y ello unido a la ausencia de personas le dio un aire inquietante a la escena.

© Pedro Arroyo. "cerrado por vacaciones".

A continuación el retrato que fue descartado, en mi opinión el que abre esta entrada juega mejor con mi imagen. El punto de vista de este segundo retrato es muy parecido a mi imagen de la playa y en el díptico sería muy lineal.
 © Joan Marc Carbó. Fotógr@fos al descubierto.

Nueva topografía y refotografía, dos formas de captar la alteración del entorno y el paso del tiempo.


De un tiempo para aquí ando muy interesado en un tipo de fotografía que trata de poner de manifiesto la alteración del paisaje, ya sea urbano o rural.

Es el caso de dos proyectos que desde hace unos meses estoy realizando, mientras uno trata de documentar la alteración del paisaje rural donde se encuentran las masías, el otro proyecto trata de documentar los cambios en el paisaje urbano a través del viaje de unos monumentos en la ciudad de Barcelona.

 
© Pedro Arroyo. Masia de Can Cot. Parets del Vallès

© Pedro Arroyo. Fuente de Hércules, Barcelona
 
En ambos proyectos es importante tener en cuenta que lo que estamos también registrando es el paso del tiempo, pues bien de una manera explícita o supuesta tenemos un referente del lugar en otro momento del tiempo. Bien, pues estos proyectos se engloban en un  tipo de fotografía denominada "New Topographics" y en el caso de los monumentos viajeros, en su evolución, la "refotografía".

Si bien en una primera lectura con este tipo de fotografía se pretende captar los cambios en el entorno y el paso del tiempo., segundas lecturas pueden superar lo estrictamente fotográfico, que no voy a desarrollar en esta entrada.

La New Topographics intenta mostrar el paisaje tal como es sin buscar un paisaje idílico como el que mostraban fotógrafos como Ansel Adams, sino mostrar la alteración del espacio natural por el hombre de una manera descriptiva.

 
 Video con imágenes de autores de la New Topographics

Por su parte, la refotografía consiste en realizar una toma actual a partir de una anterior en un momento del tiempo diferente para mostrar ambas juntas y así poder captar las diferencias que se han producido en el paisaje. En estas parejas de imágenes es importante mantener el punto de vista del autor de la primera toma para así ver los cambios de manera más evidente. Algo así como hacer arqueología del punto de vista, expresión que leí por primera vez de la mano de Ricard Martínez en su extraordinario blog, uno de los fotógrafos de nuestro país que más utiliza este tipo de fotografía.

© Mark Klett. Second View: The Rephotographic Survey Project

Si en el caso de la new topographics uno de los autores más destacados es Robert Adams, en el caso de la refotografia podemos mencionar a Mark Klett. El primero es uno de los autores que aparecen en el libro New Topographics de Britt Salvesen, donde se recogen los trabajos de autores que documentaron paisajes alterados por el hombre en la década de los '70, entre ellos se encuentran también el matrimonio Becher o Stephen Shore.

El trabajo que abrió la categoría de refotografía fue "The Rephotographic Survey Project" que dirigió Mark Klett en 1977. Este trabajo consistía en refotografiar unas 120 localizaciones inicialmente fotografiadas por fotógrafos del siglo XIX como Ansel Adams o Alvin Langdon Coburn, entre otros.

Existen en la actualidad multitud de trabajos que utilizan la refotografía, entre ellos destacaría dos trabajos que recientemente he descubierto gracias a Oscar Ciutat en su blog, Douglas Levere que utiliza  como imágenes de partida el New York de Berenice Abbot y Christopher Rauschenberg que utiliza en su caso las imágenes del París de Eugene Atget.

domingo, 28 de febrero de 2010

La belleza siniestra de Gino Rubert

 
© Gino Rubert

Desde el año 2006 no veía una exposición con imágenes de Gino Rubert y no será porque no se prodiga porque está teniendo un éxito tremendo, prueba de ello son las portadas para la trilogía de best-sellers de Stieg Larsson.

Gino Rubert realiza obras de gran tamaño que están a medio camino entre la pintura y el collage, utilizando fragmentos de imágenes fotográficas u otras texturas que va añadiendo al lienzo inicial, son obras de gran belleza pero que sin embargo crean mucha inquietud, en algunos casos humorísticas acaban teniendo un tinte siniestro, sobretodo en las que predominan las amputaciones.

Salvando las distancias encuentro cierta semejanza con algunas imágenes surrealistas de pintores españoles de principios de siglo XX como Angeles Santos o Alfonso Ponce de León, aunque por lo que he leido en alguna entrevista a Gino Rubert no están entre sus influencias.

En mi opinión es de lo más destacable de la exposición que he visitado esta mañana en el CCCB bajo el título "Atopia, arte y ciudad en el siglo XXI".

Me han gustado también las imágenes de Erwin Olaf, Philip Lorca de Corcia, Andreas Gursky o de Oleg Dou, pero esto entraba dentro de lo previsible. El trabajo fotográfico que más me ha llamado la atención ha sido el de Carey Young.  

 
© Body Techniques (after A Line in Ireland, Richard Long, 1974) 
Carey Young. 2007

(*) Actualización 24-junio-2010. Añado un documental que incluye entrevista a Gino Rubert en su taller de Barcelona.

sábado, 27 de febrero de 2010

La "obra" según Jorge Rodríguez Gerada

Jorge Rodríguez Gerada junto a uno de sus dibujos

Supongo que muchos de los que seguís mi blog sabéis que estoy estudiando fotografía, pues bien sirva esto para introducir el tema de esta entrada que trata acerca de la definición de obra artística. 

En varias asignaturas que hemos tenido este curso, como "Lectura y construcción de la imagen II", impartida por Arola Valls, o "Procedimientos alternativos", impartida por Albert Gusi, hemos visto la obra de multitud de artistas y en muchas ocasiones ha surgido en clase el debate de qué definimos como obra. En el caso de aquellos fotógrafos que utilizan el entorno para hacer su obra se complica la cosa aún más. Son los típicos casos de "street art" o de "land art".

Este tipo de intervenciones suelen ser en la gran mayoría muy efímeras y al guardar un documento fotográfico de la intervención podemos llegar a confundir la obra con dicho registro. En el caso de Jorge Rodríguez Gerada, es el propio artista quien define qué engloba el concepto de obra y a mi me parece una definición muy acertada.

En este video que corresponde a una intervención que hizo en Barcelona explica muy bien el significado de obra, además podéis escucharlo explicando cuales son sus motivaciones y el modo como trabaja. Esta intevención corresponde a su proyecto "Identidades", que consiste en aprovechar los muros que quedan al descubierto tras derribar un edificio y pintar en el mismo retratos de una de la personas que se identifican con el barrio.



Otro video más de otro de sus proyectos en Barcelona, éste titulado "Expectation". Consiste en un dibujo de grandes dimensiones de Obama hecho con arena coloreada en la playa.

La sombra como recurso narrativo en fotografía

Durante el taller con David Jiménez visionamos muchas imágenes y una de ellas era la que muestro aquí, de Lee Friedlander tomada en las calles de Nueva York en 1966. Lo que David quería explicarnos es la importancia de la utilización del punto de vista a la hora de construir una imagen y de sus implicaciones en su lectura posterior.

En ámbas imágenes, la de Friedlander y la de Navia, la sombra tiene un protagonismo tan evidente que nos desvela el punto de vista del autor y hace ponernos en el lugar de la persona que proyecta la sombra. Digamos que no nos deja al margen de la escena sino que más bien nos hace protagonistas. Es un recurso que funciona muy bien cuando el autor quiere explicar una historia en primera persona.

Tanto en el caso de Friedlander como el de Navia,  ámbas imágenes pertenecen a proyectos muy personales, ambos viajando con su cámara y mostrandonos los escenarios que visitan, Friedlander escoge las calles de New York mientras Navia países de habla portuguesa, en su libro "Pisadas sonámbulas"

Es curioso como cambia la percepción de las cosas según la época en que nos encontramos, mientras en los inicios de la fotografía, la autosombra se consideraba un error fotográfico ahora es un recurso que tenemos y que es utilizado con un objetivo determinado. Para saber un poco más sobre este tema os recomiendo leer "Fautographie, petite histoire de l'erreur photographique" (1) de Clément Chéroux. En este libro podemos observar el uso que muchos autores han hecho de la sombra en autoretratos de manera que aparecieran fotógrafo y máquina en la sombra, algo así como dejar patente que la cámara es parte de su ser, un ejemplo es el de André Kertész, uno de los autores que más han utilizado el recurso de la sombra.

© André Kertész, autoretrato. 1921

Como el libro que cito es el que estoy leyendo ahora mismo me ha llamado mucho la atención durante la visita de ayer a la exposición "Inédita" de Ouka Leele en la Tecla Sala, ver este autoretrato de Ouka Leele, en este caso la sombra de la cámara se proyecta sobre su cara, ¿qué nos quiere transmitir?

© Ouka Leele, autoretrato. 

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(1) Existe una versión en español de este libro, publicado por la editorial mexicana Almadia. Más información en http://www.sobrelafotografia.com/2009/11/26/breve-historia-del-error-fotografico-de-clement-cheroux/
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