domingo, 26 de mayo de 2013

Artistas del desenfoque

Como todos sabemos, a la fotografía siempre se le ha querido asignar un objetivo muy concreto, el de mostrar la realidad tal como se nos manifiesta, sin trampa ni cartón. Es decir, con los sujetos o motivos con una iluminación adecuada, para poder tener conciencia de los volumenes y con una precisa profundidad de campo que nos dé la nitidez necesaria para hacernos idea de cómo es lo fotografiado en la realidad.

Resumiendo, nitidez y enfoque serían cualidades que nos acercan a la realidad. En el otro extremo encontramos el desenfoque, que nos permite alejarnos de la realidad, precísamente de centrar nuestra atención en algo concreto o de crear una narrativa especial que nos permita transmitir sensaciones, recuerdos u olvidos, ensoñaciones y un largo etcétera.

Una de mis alumnas del Curso de Creación de Proyectos en GrisArt, Sandra Zapata, ha hecho un uso muy interesante del recurso del desenfoque en el proyecto que ha desarrollado durante el curso. El proyecto, que lleva por título Catarsis, es el resultado de un ejercicio de "foto-terapia", de reconocerse y descubrirse a través de la fotografía. De hecho, la definición de la identidad de Sandra se consigue a partir de esas imágenes que muestran su entorno más próximo, o mejor dicho que muestran sus sensaciones alrededor de dicho entorno. En su caso, por tanto, el desenfoque que está presente en un gran número de las imágenes que forman parte del libro, responde a un proceso de descubrimiento, de descubrimiento partiendo de la indefinición de las formas.

Sandra Zapata. Catarsis (2013)
Sandra Zapata. Catarsis (2013)
Sandra Zapata. Catarsis (2013)
Sandra Zapata. Catarsis (2013)
Sandra Zapata. Catarsis (2013)
Sandra Zapata. Catarsis (2013)
Sandra Zapata. Catarsis (2013)
Sandra Zapata. Catarsis (2013)
Sandra Zapata. Catarsis (2013)

Como podéis observar a partir de estas imágenes de su maqueta, se trata de un libro que juega muy bien con el tema que ocupa la serie, con un formato similar a un libro-diario, que permite una aproximación muy íntima.

Como es habitual, una parte importante en el desarrollo de un proyecto es la búsqueda de referentes, de trabajos anteriormente realizados que nos puedan aportar algo. De ese proceso de busqueda salió una lista de autores interesantes. Entre los que han utilizado el recurso del desenfoque de forma más intensiva podemos citar a Vari Caramés y a Uta Barth, que finalmente representaron sin duda una inspiración para Sandra.

Vari Caramés. Serie Tránsitos.
Uta Barth.
Uta Barth nos habla de su proceso de trabajo en una entrevista con motivo de su exposición el año pasado en la Galería Elvira González de Madrid. (Me he tomado la libertad de publicarla en mi espacio en issuu.com dado que la web de la galería no permite llegar con un enlace directamente a la entrevista y se os haría complicado llegar a ella).


En una línea muy similar a la de Uta Barth, podemos encontrar también el trabajo de la finlandesa Ea Vasko, quien juega con la percepción de los espacios cuando no se tienen referentes, dado que con el desenfoque ningún elemento es claramente identificable y por tanto se pierde la referencia de la escala.

Ea Vasko. City / Disorder VII. series Defining Darkness, 2008
Ea Vasko. Serie Translucents, 2004
Además de estos primeros autores vimos la serie "Camera Buff" de Mark Power, en la que este autor utilizaba en algunas de sus imágenes este recurso. En esta serie el desenfoque está emparejado con situaciones en las que entra en juego la memoria y el recuerdo, haciendo el desenfoque las veces de olvido o falta de memoria en los detalles de un hecho que vivimos. En el caso concreto de su proyecto, Power recuerda a su madre a través de las fotografías que toma revisitando su entorno familiar.

Mark Power. Camera Buff (2007)
Mark Power. Camera Buff (2007)
Mark Power. Camera Buff (2007)
El desenfoque permite también una modificación de imágenes existentes a modo de apropiación. Hay dos autores que se apropian de imágenes de terceros y aprovechan la técnica del desenfoque, uno lo hace con imágenes provenientes de la publicidad o de stocks de fotografía y el otro tomando fotogramas del cine. El primero de ellos es François Fontaine, el segundo Bill Armstrong.

François Fontaine.
Silenzio ! Mémoires de cinéma. 2012
François Fontaine.
Silenzio ! Mémoires de cinéma. 2012
Bill Armstrong. Film noir (2011)
Bill Armstrong. Film noir (2011)
Mientras Fontaine utiliza fotogramas, los recorta y los desenfoca digitalmente, Armstrong crea collages con las imágenes apropiadas y los fotografía desenfocándolos en el momento de la nueva toma.

Y para acabar un par de proyectos que utilizan la ausencia de foco en imágenes tomadas de internet y que documentan la gran presencia que tiene el sexo en la red. Hablo de "Primer encuentro" de Iñaki Domingo y de "Nudes" de Thomas Struth, que incorpora también cierta trepidación en sus imágenes.

Iñaki Domingo. Primer encuentro
Thomas Ruff. Nudes
Quizás en estos dos últimos ejemplos el desenfoque es utilizado para generar imágenes impersonales, dado que lo que se intenta mostrar es el uso de la sexualidad en la red de manera colectiva.

lunes, 20 de mayo de 2013

Cuando la publicidad mira al arte

Hace unas semanas ví el último anuncio de una importante marca de coches, se trataba de una continuación de uno de sus más exitosos anuncios que muestra la mano de un conductor fuera del coche en marcha cortando el aire, algo que todos hemos hecho alguna vez, de fondo el slogan "¿Te gusta conducir?". Pero en esta ocasión esa mano va cambiando de escenario y ese escenario nos situa en diferentes países, identificables por unos monumentos que los delatan, siempre en primer plano el gesto de la mano cortando el aire. 

Enseguida me viene a la cabeza la famosa serie de Ai Weiwei, "A study of perspective", en la que el artista chino muestra su desacuerdo con los Estados que dominan a sus ciudadanos, que les limitan su libertad, tanto si son dictaduras oficialmente establecidas como si lo son a través de los grupos de poder que los controlan.

A mi me parece un claro caso de "vampirismo publicitario". Es de todos sabidos que la publicidad busca sorprender cada vez más, de dar una vuelta de tuerca a la creatividad y porqué no mirar hacia el Arte, una de las actividades que más dependen de la creación.

Ai Weiwei. Study of perspective.
Ai Weiwei. Study of perspective.
Fotograma anuncio BMW 2013
Fotograma anuncio BMW 2013
Fotograma anuncio BMW 2013
Fotograma anuncio BMW 2013
Fotograma anuncio BMW 2013
Fotograma anuncio BMW 2013
Fotograma anuncio BMW 2013
Fotograma anuncio BMW 2013
Recuerdo también otros casos recientes, como por ejemplo la campaña que realizó Iberdrola en la que patrocinaba a la selección española de futbol. En su anuncio los jugadores de la selección descomponían el movimiento de un hipotético jugador que saltaba y chutaba suspendido en el aire. Algo que recuerda las descomposiciones del movimiento que realizaba Jules Étienne Marey.

Étienne Jules Marey.
Anuncio de Iberdrola patrocinador Mundial de fútbol 2012.
El tema de la descomposición del movimiento se puede ver otros muchos anuncios, como el de Nike realizado por Jean Yves Lemoigne, basado en las secuencias famosas de Eadweard Muybridge.


O la campaña "UNHATE" de la casa Benetton, en la que se replicaba el gesto del famoso beso de Breznev y Honecker (Brotherhood Kiss), fotografiado por un fotógrafo que desconozco y que fue inmortalizado por el artista Dimitri Vrubel en el muro de Berlin. Para la campaña de Benetton, los protagonistas son otras actuales "parejas" de líderes munciales.

El beso de Breznev y Honecker. 1979
Dimitri Vrubel. East Side Gallery, Berlin
Campaña UNHATE de Benetton.
Campaña UNHATE de Benetton.
Y un útlimo caso reciente que recuerdo, el de una campaña de una compañía de seguros en las que aparece Marc Gasol y en el que aparece un personaje confundiendose con la pared, con un sofá ... y recuerda mucho a la serie de Liu Bolin o de otros tantos artistas del camuflaje.

Liu Bolin.
Fotograma anuncio Seguros Caser
Fotograma anuncio Seguros Caser
Estos son cuatro ejemplos que recuerdo a bote pronto, sobretodo de casos recientes, si recordáis más no dudéis en comentar.

Actualizaciones.

A esta primera lista podemos añadir el caso de un spot publicitario de la marca Honda que replicaba una instalación obra de la pareja de artistas Peter Fischli y David Weiss en la que se producía una reacción en cadena.



Otra inspiración es la que nos comenta una lectora del blog, Lara Abeledo; "Había hace años un anuncio de Ligeresa en el que, en un momento determinado, aparecía un plano en el que una mujer era seguida por un hombre con una sombrilla, de la misma manera que en el retrato de Picasso que realiza Robert Cappa".

Recuperamos esas imágenes que comenta Lara. Unos fotogramas del anuncio que podéis ver completo aquí.

Fotograma del anuncio de Ligeresa

Fotograma del anuncio de Ligeresa
Y el retrato a Picasso realizado por Capa en el que se inspiraron.

Robert Capa (1913-1954) Françoise Gilot, Pablo Picasso y su sobrino Javier Vilató en la playa Golfe Juan, agosto 1948.
Otro caso de apropiación del arte por parte del marketing es de Volkswagen en su campaña de coches con bajo consumo de gasolina. En esta ocasión utilizando la iconografía de dos genios del surrealismo, Dalí y Magritte.



Otro caso de parecido más que razonable entre un proyecto artístico y uno publicitario sería el caso de una campaña publicitaria realizada por una importante agencia brasileña para una casa de cosméticos. Dicha agencia de publicidad ha realizado una campaña publicitaria en la que presenta una serie de retratos de mujeres dispuestos en retícula. Cada uno de estos retratos tiene un color de fondo que viene dado por el color de la piel del retratado.

Curiosamente coincide en lo formal y lo conceptual con el proyecto en curso de la artista brasileña Angelica Dass que lleva por nombre Humanae y en el que el fondo del retratado es un color Pantone conseguido a partir de la piel del retratado.

Campaña Quem disse, berenice?
Angelica Dass. Humanae
Angelica Dass. Humanae
Un nuevo caso de inspiración sería el de la última campaña de Yves Saint Laurent para su perfume Manifesto. Una mujer mancha su cuerpo con pintura y con su propio cuerpo pinta sobre un lienzo en blanco, algo que inventó otro Yves de apellido Klein, body painting. A continuación podéis ver el anuncio y una de las acciones que dirigía Yves Klein.



Fotograma del anuncio de Yves Saint Laurent
Imágenes de la acción de body painting y la obra de Yves Klein
Otro nuevo caso de vampirismo publicitario, en esta ocasión la apropiación de la obra de George Rousse que hace el artista Zoer para el anuncio de Lacoste Live.



 Georges Rousse. Casablanca (2003)
Para saber más sobre la obra de George Rousse, aqui tenéis un capítulo de la serie Contactos dedicado a su obra.

domingo, 14 de abril de 2013

Cuestiones tras visitar la exposición "Seducidos por el arte: pasado y presente de la fotografía"

Hace unas semanas escribía una entrada acerca de la exposición "Seducidos por el arte: pasado y presente de la fotografia" desde en un punto de vista inverso al que proponía la muestra. Ahora me gustaría añadir algunos aspectos interesantes que se pueden ver en dicha exposición. Como comentaba en su momento, el leit-motiv que defiende la muestra es la influencia que ha ejercido la pintura y la escultura sobre la fotografía, una disciplina más joven que las dos primeras en la función de representar la realidad. Esta influencia se puede ver a varios niveles, desde la elección de los mismos temas clásicos de la historia, la religión y la guerra hasta el uso de formatos que los equiparan en tamaño las fotografías a las pinturas commemorativas o a las miniaturas, según el caso, o por su aspecto (p.e.: pictorialismo), pasando por el uso de los clásicos géneros pictóricos; retrato, desnudo, paisaje y bodegón.

La exposición es muy extensa y plantea muchos temas adicionales al principal como son las influencias entre diferentes disciplinas artísticas, éstas no son compartimentos estanco, la reproductibilidad del arte y el aura de la obra única, el consumo de arte pictórico por el gran público, el efecto de la memoria en la percepción visual de las grandes obras pictóricas, el uso de belleza y violencia en el arte (precísamente las obras que abren y cierran la exposición tienen estas características) o el propio proceso creativo en fotografía.

Desarrollando el primer aspecto referido a la influencia entre diferentes disciplinas artísticas, la primera obra de la exposición ya nos introduce este concepto. La impresionante caja de luz "The destroyed room", obra de Jeff Wall es una reinterpretación de la obra "La muerte de Sardanápalo" de Eugène Delacroix, que a su vez se basa en un escrito homónimo de Lord Byron. Por otro lado, la fotografía de Wall inspiró el movimiento contracultural y fué utilizada por la banda Sonic Youth para uno de sus discos. Este es un buen ejemplo de las inluencias entre las diferentes disciplinas artísticas.

Dominó de influencias. Lord Byron, Eugène Delacroix, Jeff Wall, Sonic Youth
Walter Benjamin ya nos habló de la desaparición del aura de la obra de arte debido a la reproductibilidad que nos dan las nuevas tecnologías, la fotografía lo permite cláramente. Muchos fotógrafos, para conseguir que sus obras fotográficas no pierdan ese aura que da mayor valor a la obra en el mercado, han optado por realizar copias únicas de su trabajo, sería el caso de artistas como Richard Learoyd que realiza positivos directos con camera obscura. Él mismo revela sus imágenes de gran tamaño, algunas a escala real, en su propio laboratorio, uno de los siete que hay en el mundo con capacidad para revelar ilfochrome de 50 pulgadas de ancho. Se dice que Jeff Wall tiene otro de esos exclusivos laboratorios.

Richard Learoyd. Man with Octopus Tattoo II, 2011. Obra única. 148.6 x 125.7 cm
Os invito a ver una conferencia que dió hace dos años en el ICP de Nueva York, en ella explica su proceso creativo y nos muestra su técnica en detalle.

Exterior de la cámara obscura de Richard Learoyd. Fotograma extraido del vídeo de su conferencia en el ICP.
Inerior de la cámara obscura de Richard Learoyd. Fotograma extraido del vídeo de su conferencia en el ICP.
Laboratorio de Richard Learoyd. Fotograma extraido del vídeo de su conferencia en el ICP.
La exposición también muestra obras que nos acercan a la dimensión física de la obra, de la que también habla Stephen Shore, y de cómo es nuestra aproximación a la obra de arte, de cómo las consumimos. Todo el mundo conoce la Gioconda pero ¿cuantos la han visto en vivo y en directo?, no es lo mismo ver una reproducción de una obra pictórica o un daguerrotipo en un libro a verlo en una sala expositiva, de ello nos habla la obra de Jorma Puranen que se puede ver en Caixaforum, una fotografía que deja al descubierto las diferentes capas de pintura que conforman la obra.

Jorma Puranen. Shadows, Reflections (after Goya). 2011
En Caixaforum se puede ver también una obra de José Manuel Ballester que ilustra la influencia de la memoria en la percepción de las obras. Ballester hace desaparecer el rastro humano de una serie de obras pictóricas famosas, de manera que al ver las imágenes manipuladas, intentamos recrearlas a partir del recuerdo que guardamos de la pintura original. El concepto de esta obra está en línea con las teorías de la percepción desarrolladas por Rudolf Arnheim sobre la percepción visual o de un más cercano Arnau Puig.

José Manuel Ballester. 3 de Mayo. 2008. Edición de 2 + 1 PA
Un tema que introducía y que desarrollé en una entrada anterior es la combinación de belleza y violencia, algo que surge por la coincidencia de obras al inicio y al final de la exposición. Por una lado "The destroyed room" de Jeff Wall y por otro Ori Gersht y su "Big Bang", que consigue arrancar una pequeña sonrisa a quienes ven el vídeo.


Y para finalizar, el último tema sería el referente al proceso creativo en fotografía, algo que los fotógrafos sufrimos respecto a los pintores. Existe, entre el público general, una opinión de que la fotografía se resume en un clic y eso, claro está, anula cualquier posibilidad creativa. Por otro lado los fotógrafos tratamos de concienciar que el acto fotográfico no es un acto mecánico sino un acto intelectual y que en muchos casos la fotografía tiene un proceso de creación en el que el autor "construye" la obra, asimilándose la fotografía a un sistema aditivo de representación como es la pintura. Sería el caso de autores como Beate Gutschow o Jeff Wall, ya desarrollé este aspecto en una entrada anterior.

En la exposición, Maisie Broadhead muestra un audiovisual utilizando la técnica del time-lapse para mostrarnos el proceso creativo para llegar a una obra de los fotógrafos Hill y Adamson, un buen ejemplo de todo lo que rodea a un clic.


Resumiendo, una exposición que muestra obras de arte magníficas y que introduce muchos temas sobre la fotografía y su incursión en el circuito del arte, muy recomendable visitarla, tenéis hasta el 19 de mayo de 2013 en Barcelona, más adelante se podrá ver en Madrid.
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