domingo, 28 de febrero de 2010

La belleza siniestra de Gino Rubert

 
© Gino Rubert

Desde el año 2006 no veía una exposición con imágenes de Gino Rubert y no será porque no se prodiga porque está teniendo un éxito tremendo, prueba de ello son las portadas para la trilogía de best-sellers de Stieg Larsson.

Gino Rubert realiza obras de gran tamaño que están a medio camino entre la pintura y el collage, utilizando fragmentos de imágenes fotográficas u otras texturas que va añadiendo al lienzo inicial, son obras de gran belleza pero que sin embargo crean mucha inquietud, en algunos casos humorísticas acaban teniendo un tinte siniestro, sobretodo en las que predominan las amputaciones.

Salvando las distancias encuentro cierta semejanza con algunas imágenes surrealistas de pintores españoles de principios de siglo XX como Angeles Santos o Alfonso Ponce de León, aunque por lo que he leido en alguna entrevista a Gino Rubert no están entre sus influencias.

En mi opinión es de lo más destacable de la exposición que he visitado esta mañana en el CCCB bajo el título "Atopia, arte y ciudad en el siglo XXI".

Me han gustado también las imágenes de Erwin Olaf, Philip Lorca de Corcia, Andreas Gursky o de Oleg Dou, pero esto entraba dentro de lo previsible. El trabajo fotográfico que más me ha llamado la atención ha sido el de Carey Young.  

 
© Body Techniques (after A Line in Ireland, Richard Long, 1974) 
Carey Young. 2007

(*) Actualización 24-junio-2010. Añado un documental que incluye entrevista a Gino Rubert en su taller de Barcelona.

sábado, 27 de febrero de 2010

La "obra" según Jorge Rodríguez Gerada

Jorge Rodríguez Gerada junto a uno de sus dibujos

Supongo que muchos de los que seguís mi blog sabéis que estoy estudiando fotografía, pues bien sirva esto para introducir el tema de esta entrada que trata acerca de la definición de obra artística. 

En varias asignaturas que hemos tenido este curso, como "Lectura y construcción de la imagen II", impartida por Arola Valls, o "Procedimientos alternativos", impartida por Albert Gusi, hemos visto la obra de multitud de artistas y en muchas ocasiones ha surgido en clase el debate de qué definimos como obra. En el caso de aquellos fotógrafos que utilizan el entorno para hacer su obra se complica la cosa aún más. Son los típicos casos de "street art" o de "land art".

Este tipo de intervenciones suelen ser en la gran mayoría muy efímeras y al guardar un documento fotográfico de la intervención podemos llegar a confundir la obra con dicho registro. En el caso de Jorge Rodríguez Gerada, es el propio artista quien define qué engloba el concepto de obra y a mi me parece una definición muy acertada.

En este video que corresponde a una intervención que hizo en Barcelona explica muy bien el significado de obra, además podéis escucharlo explicando cuales son sus motivaciones y el modo como trabaja. Esta intevención corresponde a su proyecto "Identidades", que consiste en aprovechar los muros que quedan al descubierto tras derribar un edificio y pintar en el mismo retratos de una de la personas que se identifican con el barrio.



Otro video más de otro de sus proyectos en Barcelona, éste titulado "Expectation". Consiste en un dibujo de grandes dimensiones de Obama hecho con arena coloreada en la playa.

La sombra como recurso narrativo en fotografía

Durante el taller con David Jiménez visionamos muchas imágenes y una de ellas era la que muestro aquí, de Lee Friedlander tomada en las calles de Nueva York en 1966. Lo que David quería explicarnos es la importancia de la utilización del punto de vista a la hora de construir una imagen y de sus implicaciones en su lectura posterior.

En ámbas imágenes, la de Friedlander y la de Navia, la sombra tiene un protagonismo tan evidente que nos desvela el punto de vista del autor y hace ponernos en el lugar de la persona que proyecta la sombra. Digamos que no nos deja al margen de la escena sino que más bien nos hace protagonistas. Es un recurso que funciona muy bien cuando el autor quiere explicar una historia en primera persona.

Tanto en el caso de Friedlander como el de Navia,  ámbas imágenes pertenecen a proyectos muy personales, ambos viajando con su cámara y mostrandonos los escenarios que visitan, Friedlander escoge las calles de New York mientras Navia países de habla portuguesa, en su libro "Pisadas sonámbulas"

Es curioso como cambia la percepción de las cosas según la época en que nos encontramos, mientras en los inicios de la fotografía, la autosombra se consideraba un error fotográfico ahora es un recurso que tenemos y que es utilizado con un objetivo determinado. Para saber un poco más sobre este tema os recomiendo leer "Fautographie, petite histoire de l'erreur photographique" (1) de Clément Chéroux. En este libro podemos observar el uso que muchos autores han hecho de la sombra en autoretratos de manera que aparecieran fotógrafo y máquina en la sombra, algo así como dejar patente que la cámara es parte de su ser, un ejemplo es el de André Kertész, uno de los autores que más han utilizado el recurso de la sombra.

© André Kertész, autoretrato. 1921

Como el libro que cito es el que estoy leyendo ahora mismo me ha llamado mucho la atención durante la visita de ayer a la exposición "Inédita" de Ouka Leele en la Tecla Sala, ver este autoretrato de Ouka Leele, en este caso la sombra de la cámara se proyecta sobre su cara, ¿qué nos quiere transmitir?

© Ouka Leele, autoretrato. 

_______________________________
(1) Existe una versión en español de este libro, publicado por la editorial mexicana Almadia. Más información en http://www.sobrelafotografia.com/2009/11/26/breve-historia-del-error-fotografico-de-clement-cheroux/

martes, 23 de febrero de 2010

Pedigree Social Club de Zigor Azkargorta

Hace un par de semanas, en la escuela GrisArt, presentamos nuestros trabajos para la asignatura  postproducción digital II y quiero mostraros el que más me gustó de todos ellos. Se trata de un trabajo titulado Pedigree Social Club y ha sido realizado por Zigor Azkargorta

Se trata de una serie de retratos en los que Zigor nos quiere mostrar a una familia perteneciente a una clase social que permanece aislada, sin tener ningún contacto con otras para no perder su pureza de "raza". En este afán por no perder su "pedigrí" permanecen anclados en el pasado.

© Zigor Azkargorta.

Zigor consigue en estas imágenes trasladarnos a la casa de esta peculiar familia. El escenario en que nos sitúa es el ideal para mostrar a estos individuos que miran desafiantes a la cámara, manteniendo la distancia apropiada, sin establecer ningún vínculo con el fotógrafo y en consecuencia con nosotros. Un buen trabajo de iluminación y de atrezzo ayudan mucho a que estos retratos funcionen. El uso del collar isabelino es el elemento definitivo para ridiculizar esta singular familia.

Se trata de un proyecto en curso así que todavía no hay muchas imágenes disponibles. Ánimos a Zigor para acabar esta estupenda serie.

© Zigor Azkargorta.

 
© Zigor Azkargorta.
 

domingo, 21 de febrero de 2010

La observación en la creación artística

Ayer hojeando en una librería me topé con un catálogo de una exposición del pintor vasco Jesús Mari Lazkano. Se trataba de imágenes de paisajes vascos, de construcciones industriales en desuso en medio de campos vacíos. Las imágenes eran de por sí muy atractivas; su luz, su color, eran evocadoras siendo también muy realistas. El tema es que viéndolas detenidamente llegué a la conclusión de  que lo que me llamaba la atención en ellas era en gran medida la particular mirada del autor y el uso magistral de la perspectiva que le acercaba mucho a la imagen fotográfica.

© Jesús Mari Lazkano.

Esto último me hizo volver a pensar en la relación entre pintura y fotografía en la creación artística. Existe la idea de que la fotografía tomó como referente para la composición de imágenes a la pintura y de hecho durante la época del pictorialismo, la fotografía adoptó técnicas que la igualaran a la pintura, sin embargo también es sabido que pintores renacentistas como Leonardo da Vinci y Alberto Durero utilizaron la cámara oscura (precedente de la cámara fotográfica) para sus perspectivas. 

© Jesús Mari Lazkano.

Por ello podríamos decir que ámbas disciplinas se han influido sin prevalecer la una sobre la otra y lo que une a ambas es la observación del autor, ya sea pintor o fotógrafo. Cada vez estoy más convencido de que la clave de la creación es la observación. Cuando nuestra mirada observa detenidamente nuestro entorno, lo investiga, lo analiza, es cuando más cerca vamos a estar de conseguir imágenes que nos digan algo porque esa mirada detenida es capaz de captar algo más que un paisaje, entonces será capaz de transmitir un estado de ánimo o de evocar alguna historia.

© Pedro Arroyo. Playa de Vilassar de Mar

Recuerdo que en un taller que dió José Manuel Navia, nos insistió en que cuando visitaramos un lugar lo observaramos detenidamente en lugar de empezar a tomar imágenes, él mismo nos contó una anécdota sobre esta forma de trabajar que tiene. Estuvo prácticamente una tarde sentado en un banco de una plaza observando hasta el punto que una señora de un comercio próximo salió a preguntarle si le sucedía algo. El pasado viernes Aleix Plademunt dió una conferencia en la escuela GrisArt y coincidió en la idea de la observación, su manera de trabajar es documentarse al máximo antes de llegar al lugar para una vez allí observar muy bien todo y tomar una única imagen. También debe contribuir a este hecho el tipo de cámara que utiliza que invita en mayor manera a la observación.

Esta idea puede parecer poco original o muy previsible sin embargo nada más hace falta salir a la calle y darse cuenta del uso tan trivial y poco reflexivo de la fotografía. En la época actual en la que existe una proliferación de imágenes tan masiva es cuando se percibe mejor en las imágenes la dedicación del autor a la observación.

Un ejemplo de esa observación profunda e insistente del entorno podría ser la que tenía el estanquero que aparecía en la película Smoke (1995) basada en un relato de Paul Auster, que fotografió durante 14 años la misma esquina de Brooklyn a las 8 de la mañana de cada día.


Más imágenes de Jesús Mari Lazkano aquí.

miércoles, 17 de febrero de 2010

Reflexiones tras el taller con David Jiménez


Este pasado fin de semana participé en el taller "Construir un mundo" que impartió David Jiménez y que fue organizado por el colectivo Atelieretaguardia. Fue un buen fin de semana, en ocasiones duro por lo intensivo en ideas y extensivo en tiempo, sin embargo muy interesante pues nos ha hecho reflexionar profundamente sobre muchos temas que giran alrededor de la construcción de imágenes.

El taller trató acerca de la representación de "la realidad" y de como podemos utilizar el medio fotográfico para conseguir una subjetiva representación. Todo ello utilizando diferentes elementos como son el punto de vista, el espacio, el tiempo o la luz.

A fin de explicarnos estos conceptos, David se apoyó en varios textos como por ejemplo "El arte del cambio" de Paul Watzlawick, la "Teoría de la inteligencia creadora" de José Antonio Marina o "La naturaleza de las fotografías" de Stephen Shore, entre otros. También hubo tiempo de distensión para la lectura de fragmentos de "Historias de Cronopios y de Famas" de Julio Cortázar.

Visionamos un gran número de imágenes que ayudaban a comprender los argumentos que David nos exponía. Entre los trabajos que visionamos estaba el fabuloso "Uncommon places" de Stephen Shore y el también excelente "The New West" de Robert Adams, uno de los autores de la New Topography que capta la alteración del paisaje americano. Ambos ejemplos sirvieron para ilustrar el uso del punto de vista y una especial composición para conseguir imágenes atractivas.

 © Robert Adams. The new west.

Vimos también interesantes trabajos, como los de la pareja Robert and Shana ParkeHarrison que recrean escenas un tanto intrigantes en su Counterpoint (New York) o "The Other Place" de Jeff Burton, realizado durante rodajes de películas X haciendo un buen uso del punto de vista poco explícito y original dado el motivo a fotografiar.

 © Roberrt and Shana ParkeHarrison. Counterpoint (New York)

 © Jeff Burton. The Other Place.

También hubo tiempo para el análisis de tres autores que trataron profundamente una misma temática, la de la España profunda, pero desde diferentes puntos de vista, y con diferentes resultados como son Cristina García Rodero, Cristóbal Hara y  el recientemente desaparecido Koldo Chamorro, al que David dedicó un pequeño homenaje, no en vano su primer taller lo hizo con el fotógrafo navarro.

El último día hubo visionado de trabajos de participantes al taller y personalmente fue una ocasión extraordinaria de ver como David tiene un sexto sentido para las imágenes, es capaz de seleccionar una imagen de entre una serie y reconocer que tu mirada en esa imagen era especial respecto al resto. Me ha hecho pensar mucho acerca del tema central de mis últimas series e incluso me ha hecho pensar acerca de mí mismo.




Para finalizar quisiera felicitar al colectivo Atelieretaguardia que nos abrió las puertas de su local y organizó de manera ejemplar este taller, nos hizo sentir como en casa. Otro agradecimiento para Camino Laguillo por permitirme publicar sus imágenes en mi blog.

miércoles, 10 de febrero de 2010

Dos miradas separadas por 140 años

© Pedro Arroyo. Carrer de la Pietat, Barcelona.

No deja de sorprenderme que un lugar y un momento determinados capten tu atención, los fotografies para retenerlos en la memoria y más tarde descubras que 140 años antes alguien sintiera esa misma atracción e hiciera lo mismo que tú.

Se trata de Jean Laurent, un fotógrafo francés del siglo XIX que trabajó durante mucho tiempo en España. He superpuesto la imagen que hizo Jean Laurent, extraida de archivo que me  ha proporcionado Ricard Martínez, a la que yo hice el pasado fin de semana y que aparece actualmente como cabecera de este blog.

Es interesante hacer el ejercicio de escuchar las imágenes. Cuando confrontas imágenes de un mismo lugar en momentos diferentes del tiempo se empieza a generar un diálogo entre ambas y empiezas a hacerte preguntas acerca de elementos que diferencian una de otra y que de alguna manera esconden una historia. La puerta está ya abierta a investigar estos cambios si la curiosidad es suficiente.

Añado un enlace al archivo digital del Institut National d'Histoire de l'Art donde se pueden ver 235 imágenes de este autor.

domingo, 7 de febrero de 2010

Monumentos viajeros de Barcelona


Actualmente, aprovechando la presentación de una serie de imágenes para una asignatura de la escuela GrisArt,  estoy finalizando la primera etapa de uno de los proyectos a los que más tiempo estoy dedicando. En esta ocasión se trata de un proyecto documental, en él trato de recoger, por una parte el paso del tiempo confrontando imágenes de un mismo espacio en diferentes momentos del tiempo y por otra la alteración del entorno ya que muestro imágenes de diferentes lugares en los que aparece y desaparece un mismo elemento.

Como en todos los proyectos fotograficos hay un trabajo previo de documentación acerca del tema a tratar, sin embargo en éste el peso que está teniendo esta fase es considerablemente superior al resto que había hecho hasta ahora. Dado que necesito imágenes de archivo he tenido que buscarlas en las casas de coleccionistas que venden postales de época y en los archivos fotográficos existentes. La totalidad de imágenes de archivo datan de finales del siglo XIX y de principios del XX con lo cual os podéis hacer una idea de lo complicado que ha sido encontrar estas imágenes. Quiero mencionar que ha sido un lujo haber visitado el Institut Amatller d'Art Hispànic para la consulta de sus imágenes en la biblioteca de la Casa Amatller, toda una experiencia porque me apasiona el Modernisme. Uno de los temas que me ha llamado la atención es que falta mucho trabajo todavía en los archivos de imágenes, existe poco material digitalizado y en el caso del Arxiu Fotogràfic de Barcelona es una parte accesible en su página web pero sin embargo para conseguir las imagenes tienes que acudir a su edificio en la plaza Pons i Clerch previa cita. Me parece un sistema poco ágil para los que no disponemos de mucho tiempo. Esto en cambio no sucede con el fondo fotográfico Cuyás del Institut Català de Cartografia del que puedes descargar las imágenes en alta resolución.

En cuanto al tema, como podéis ver en el título de la entrada, trata el viaje que han emprendido una serie de monumentos dentro de nuestra ciudad. Hasta hace un tiempo no tenía conocimiento de que los monumentos se movían pero lo cierto es que en el caso de Barcelona abundan los ejemplos, como mínimo hay una decena de casos, sin contar edificios que incluso además de ser movidos han sido sintetizados en otros. 

 
Detalle del interior de La Granja, en la calle Banys Nous 4, un local que nunca dejo de visitar si paso por su puerta. En su pared podemos ver un ejemplar de La Vanguardia donde aparece uno de los monumentos viajeros. © Pedro Arroyo

El interés por estos monumentos y edificios viajeros surgió cuando descubrí el claustro gótico de la iglesia de la Concepción al cual se accede desde la calle Bruc a la altura de la calle Aragón. Como siempre que visito algun edificio suelo investigar acerca de su origen, con este lo hice también  aunque sospechando alguna cosa rara pues un poco de historia conozco y es sabido que los monasterios o estaban dentro de las murallas o bien en la ladera de la montaña pero no en la calle Aragón en medio de la nada. Investigando sobre el tema dí con el estupendo libro de Jordi Peñarroja titulado "Els edificis viatgers de Barcelona" que ha sido el que ha motivado iniciar todo este proyecto.

He tomado como referencia trabajos muy interesantes de lo que se viene en llamar arqueología del punto de vista como los proyectos Runa o Passejant Centelles, ambos de Ricard Martínez. No por la disposición de las imágenes sino por la idea de confrontar imágenes temporalmente distantes de un mismo espacio y tratando de buscar el punto de vista del fotógrafo que hizo la primera imagen.

A la hora de recopilar información, internet ha sido una buena herramientas, existen una serie de blogs interesantísimos que reunen información sobre la historia de Barcelona, destacaría Altres Barcelones de Dani Cortijo o Fotos de Barcelona de Ugo Manzoni, al que he de agradecer la obtención de una de las imágenes para el proyecto. Asismismo he utilizado también el archivo de ediciones antiguas que tiene el diario ABC. Podría citar otras muchas webs a partir de las cuales he conseguido información.

A continuación os muestro la primera serie de imágenes. Como podréis ver son trípticos de manera que la primera imagen es la que he obtenido de archivo, la segunda el emplazamiento que se muestra en la primera imagen pero en la actualidad y la tercera muestra el monumento en su actual emplazamiento. 

Espero que os guste la serie y os haga reflexionar un poco sobre los cambios que se producen en nuestra ciudad. Añado un poco de historia al pie de la foto para poneros en contexto.

La columna de Hércules.
© Pedro Arroyo
 
La mal llamada columna de Hércules proviene del originario templo romano de Augusto y es una de las cuatro columnas que han sobrevivido hasta nuestros días de aquel edificio. En 1840 tras derruir una casa en la calle Llibreteria se descubren dos columnas pero ámbas en muy mal estado de manera que al final se reconstruye una a partir de aquellas dos. Su destino inicial era el Museu d'Història emplazado en la Capella de Santa Àgueda, sin embargo sus dimensiones obligaron a emplazarla fuera del recinto, en la Plaça del Rei muy próxima a la fachada de la Capella.
En 1956 fue trasladada a su actual emplazamiento, uniéndose a las otras tres columnas en lo que queda de lo que fue el Templo de Augusto en la calle Paradís número 10.

Monumento a Joan Guell i Ferrer.
© Pedro Arroyo

Joan Guell i Ferrer, era economista y fue uno de los comerciantes que hizo más fortuna en Cuba. Su monumento fue erigido en el año 1888 por suscripción propia, siendo la escultura obra de Manel Foxà.
Muy afectado en 1936 durante la guerra civil, en 1941 fue restaurado pero ubicado en el paseo central de la Gran Via en lugar de su ubicación original en el cruce de la Rambla Catalunya y la Gran Via.

Monumento a Josep Anselm Clavé.
© Pedro Arroyo

Josep Anselm Clavé fue poeta, político, compositor y director de música. Este monumento lo erigió el escultor Manel Foxà en la confluencia de la Rambla Catalunya con la calle València. Fue trasladado en 1955 al nuevo emplazamiento en el Passeig Sant Joan a la altura de la calle Pare Claret. El motivo argumentado para el traslado fue favorecer el tráfico en el cruce donde anteriormente se encontraba ubicado.

Monumento al Doctor Robert.
© Pedro Arroyo

El Doctor Robert fue Alcalde de Barcelona al final del siglo XIX. Este monumento lo erigió el escultor Josep Llimona en la Plaza Universidad de Barcelona, desmontado en 1940 durante la dictadura de Franco, se levantó nuevamente en la Plaza Tetuán en 1988. El motivo argumentado para el traslado fue el excesivo peso del monumento que podía hacer peligrar la seguridad de los usuarios del metro ya que bajo la plaza se encuentra una estación de la primera línea de metro que fue inaugurada en 1926.

Fuente de Hércules.
© Pedro Arroyo
 
En 1797 se creó el Passeig Nou, llamado también Passeig de Sant Joan dado que se inauguró durante esa festividad. Este paseo se extendía a lo largo de la actual calle Comerç desde el cruce con el inexistente Passeig Lluís Companys hasta más allá del Born. Esta fue una de las cuatro fuentes que se instalaron en dicho paseo. Es obra del escultor Salvador Gurri.
En 1929 fue trasladado a su actual ubicación, Passeig Sant Joan/Calle Còrsega debido a la ampliación de las dependencias de los Juzgados que requerían más terrenos.

Para los que quieran saber más sobre este tema de los monumentos y edificios viajeros, Biblioteques de Barcelona organiza unas visitas guiadas recorriendo varios de estos edificios, más información en la web de Biblioteques de Barcelona.
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