"Exit through the gift shop" de Banksy

Ayer fui al cine a ver "Exit through the gift shop", la película de Banksy, el artista urbano que sigue en el anonimato porque según él sus trabajos rozan lo ilegal. El título de la película ya nos da una idea de por donde van los tiros, una crítica hacia el convencional continente del arte, los museos, cuyas visitas suelen acabar en las tiendas de recuerdos, una forma más de comercialización del arte.

Banksy. Grafiti de Mickey mouse, Ronald McDonalds y Pham Thi Kim Phuc

En la película, o más bien documental, nos convertimos en espectadores del making off de las obras que ha ido realizando el artista inglés aunque también se puede ver trabajando a otros artistas, como "Space Invader", del cual ya comenté en una entrada de este blog o de Shepard Fairey, famoso por su creación del dibujo HOPE, un retrato de Barack Obama. El nexo de unión entre todos estos artistas es Mr. Brainwash, pseudónimo de Thierry Guetta, un francés afincado en Los Ángeles, primo de Space Invader y con una obsesión por grabar todas las intervenciones de arte urbano, al parecer guarda cientos de cintas con la edición de las cuales se ha montado este documental.

El documental me ha vuelto a hacer reflexionar, ya me dió qué pensar el trabajo  Jorge Rodríguez Gerada, acerca del arte urbano o más bien del arte que se realiza fuera del llamado "cubo blanco", del espacio creado para exponer el arte que nace para perdurar en el tiempo, en este caso el objeto de la creación toma el protagonismo de la obra, sin embargo en los proyectos de arte urbano predomina lo efímero sobre la permanencia de la obra en el tiempo, algunas de estas obras desaparecen al amanecer, por ello cobra mayor importancia documentar estas acciones de arte en la calle, pues el registro es una parte muy importante de la obra y así lo entienden estos artistas urbanos que han sido filmados por Thierry Guetta, ya que el anonimato de algunos, como el de Bansky, se podía poner en peligro.

No deja de ser curioso como esta forma de arte urbano que se hace para mostrarse en la calle luego consigue entrar en las galerías de arte o museos cuando otros autores los reproducen en sus imágenes y éstas son expuestas en dichas salas. Un par de ejemplos pueden ser una imagen que realizó en Cuenca José Manuel Navia a tal vez una réplica del famoso grafiti de Banksy "Girl with teddy bear" o  Salvatore M. Elefante que en su trabajo "Iconografía napolitana", que actualmente se puede ver expuesto en Lleida tras ser becado gracias a un premido en el Festival Emergent Lleida, fotografía otro grafiti de Banksy". De esta manera, al final, el arte urbano efímero acaba en ocasiones deveniendo arte permanente.

José Manuel Navia. Cuenca

Salvatore M. Elefante. Iconografía napolitana

Un momento interesante del documental es cuando Banksy realiza una acción en el parque de atracciones de Disneyland bajo la atenta mirada de Thierry Guetta actuando como cámara, que más adelante es sometido a un interrogatorio por los miembros de seguridad del parque. Al parecer viendo esto y la negativa del parque de atracciones para que la famosa artista americana Taryn Simon fotografiara estas instalaciones para su interesante trabajo "An American Index of the Hidden and Unfamiliar" nos da una medida de lo "peligrosa" que es esta instalación.

Os recomiendo que veáis esta película, os divertiréis mucho ya que además  de la calidad de sus obras, Banksy tiene cierto aire irónico con el trabajo de Guetta en la narración de la película. 

En algún lugar de internet se duda incluso de si muchas de las imágenes o algunas historias son reales pero nos hemos de quedar con la película como objeto de reflexión sobre el arte urbano, sobre su proximidad a la gente de la calle y como herramienta de protesta ante situaciones con las que no estamos de acuerdo y que no pueden encontrar un foro en los convencionales lugares expositivos ya que muchos de estos están supeditados a organismos oficiales que a veces son los que generan algunas situaciones con las que son críticos los mismos artistas urbanos.

Thierry Guetta. Portada disco de Madonna. 2009

Paco Gómez, el fotógrafo del silencio

El viernes pasado, la escuela superior de fotografía GrisArt organizaba una visita guiada a la exposición retrospectiva del fotógrafo Paco Gómez en la Fundación Foto Colectania, entidad encargada de la custodia, mantenimiento y difusión de su archivo, con la presencia de la comisaria de la exposición Laura Terré. Era obvio que no me la podía perder por un par de razones de peso.

Paco Gómez. Tranvía en el Paseo de Extremadura. 1959

En primer lugar porque Paco Gómez es uno de los autores que ultimamente me atraen más, con el que quizás se podría decir me encuentro más identificado, y los que me conocen mejor ya deben saber por qué lo digo. 

Y en segundo lugar porque lo he ido conociendo más profundamente gracias a la "Historia del grupo fotográfico  AFAL 1956/1963", un libro de lectura obligada para conocer en detalle la evolución de nuestra fotografía durante la dictadura franquista y que fue escrito precisamente por Laura Terré, una habitual en los textos sobre la historia de la fotografía española y que tenía muchas ganas de conocer en persona y resolver alguna que otra duda respecto a la obra de Paco Gómez.

Fue una visita muy interesante, además de por la calidad de las imágenes, la buena selección y mejor disposición de las mismas en la sala, por las amplias explicaciones que nos dió Laura Terré que no dejó ninguna duda a los que nos encontrábamos allí.

La exposición, cuyo título es "Orden y desorden" se compone de 73 imágenes, de las cuales 8 son en color y pertenecen a su etapa de los años 80, el resto de imágenes en blanco y negro.

La selección de imágenes, como nos comentaba Laura Terré, nos muestra como Paco Gómez no realizó la fotografía pictorialista que en aquella época era la que se debía realizar para ser mostrada en las revistas de fotografía de la época, como Arte Fotográfico, o la que se debía hacer para poder ganar un concurso y poder ser seleccionada para alguna exposición, lo que Oriol Maspons llamaba "salonismo", sino una fotografía al margen de estos convencionalismos, muy sincera, sin intención de gustar a nadie, simplemente buscando la belleza en lo banal o en lo decadente, tarea nada facil.

Y ello se ve claramente en todas las imágenes que componen esta exposición, en ella podéis ver espacios atemporales, para el silencio, imágenes fruto de una observación y una mirada muy particular que es al final lo que hace destacar al fotógrafo. 

También se ve en las imágenes de Paco Gómez el gran bagaje visual que tenía y que de alguna manera debió influenciarle.  Entre las influencias que se pueden deducir de sus imágenes podemos encontrar la fotografía subjetiva que practicaban Aaron Siskind o Harry Callahan, la fotografía directa de Paul Strand o de Edward Weston, sobretodo en su fotografía de arquitectura o incluso Brassaï y su trabajo sobre los graffitis parisinos. Os dejo un "parecido razonable" a modo de ejemplo.

Parecido razonable. Pedro Arroyo

Tras ver las imágenes que forman esta exposición de Paco Gómez podemos decir que la suya es una obra muy consecuente, todos sus trabajos giran en torno a un mismo tema. A pesar de que los motivos que fotografió en gran medida eran lugares decadentes, incluso lúgubres y misteriosos, Paco Gómez se empeña en extraer belleza de esos lugares y poner orden y lo consigue, por ello me atrevería a decir que practicaba un positivismo fotográfico, intentando buscar en todo momento y lugar el orden oculto a primera vista. Por ello sus imágenes son perfectas composiciones que provienen de la insistente observación.

A continuación podéis ver un video que realizó la editorial La Fabrica con motivo de la edición de un Photobolsillo dedicado a la obra de Paco Gómez. En él aparecen algunas de las imágenes que podéis ver en la exposición que le dedica la Fundación Foto Colectania.

En resumen, una exposición que no os podéis perder, os recomiendo una visita tranquila, sin prisas,  para ver las imágenes tal como Paco Gómez las captó. En caso de que no os podáis acercar a la Fundación Foto Colectania para verla, podéis consultar una parte del archivo en la página web de la Fundación o bien haceros con una de las dos versiones del catálogo que se han editado, una de ellas lleva una copia de la imagen que abre esta entrada del blog. Las dos versiones del catálogo comparten un estupendo texto escrito por Laura Terré, comisaria de la exposición.

Para acabar os dejo una imagen con un texto sobreimpreso de Paco Gómez que para mi es definitorio de su obra y de su manera de trabajar. A mí me gusta también.

Extraido del catálogo de la exposición. Fundación Foto Colectania.

¿10 parecidos razonables ó 10 ejemplos de obra derivativa?

Hace ya un tiempo que me propuse ir mostrando en este blog parejas de imágenes pertenecientes a diferentes autores que en mi opinión guardan cierto parecido.  

Dichos parecidos "razonables" los voy publicando en mi perfil de facebook sin una periodicidad determinada, aprovecho ahora para publicar diez de aquellos que hasta el momento sólo se han podido ver en facebook.

Estos parecidos razonables son una muestra más de lo que comentaba en una entrada anterior sobre la obra derivativa, en ¿qué medida somos originales?, pues unos autores de manera inconsciente llegan a crear imágenes muy similares, incluso en diferentes disciplinas y eso es debido a que tenemos una herencia visual y unas temáticas que se repiten e ineludiblemente dan lugar a estos parecidos.

Empiezo con el primero de ellos,  Aaron Siskind fotografió una serie donde unos bailarines saltaban tomando como fondo un cielo sin nubes, Darzacq hace lo mismo pero como fondo elige el paisaje urbano, la imagen de Siskind tiende más a captar las formas, a abstraer los bailarines del entorno, sin embargo en el caso de  Denis Darzacq se crea un efecto de ingravidez al congelar el movimiento en ese escenario urbano. En cierta manera es un ejemplo de como el punto de vista puede conseguir uno u otro efecto.

Conocí la obra de Laurent La Gamba gracias a Vicenç Boned de la Galería Tagomago cuando me hice con un estupendo catálogo de la obra de Liu Bolin. Como podéis comprobar el parecido es obvio.

Por cierto, este mes de octubre llega a Barcelona la exposición itinerante "Camuflajes" en la que se podrán ver estas imágenes entre otras muchas, como las de Joan Fontcuberta o de Francesca Woodman. Se podrá visitar en el Espacio Cultural Caja Madrid.

Descubierto gracias al propio Marcelo Isarrualde, aunque propuesto por Alejandro Castellote, el bon vivant a veces un tanto hortera, bien representado en las dos imágenes, la de Isarrualde y la de Marcos López, que se puede ver en su último libro.

Y sigo con otra imagen de Marcelo Isarrualde, sin embargo esta vez el parecido me lo envió mi amigo Víctor Calero. Robert Frank fue una influencia de Marcelo Isarrualde, aunque fuera inconsciente en su momento pues desconocía de la existencia de esa imagen.

El parecido que muestro a continuación es un ejemplo del "fuera de campo temporal" del que habla José Gómez Isla en el tiempo expandido, imágenes que aluden a un tiempo diferente al que han sido realizadas. Pocos fotógrafos lo logran tan bien como Xavier Ribas o la pareja Bleda y Rosa.

Ahora un par de imágenes de autores que utilizan miniaturas. Li Jiejun ganó un premio en World Press Photo con esta serie. La imagen de David Levinthal la pude ver en la galería Raiña Lupa, unas copias de gran tamaño como la cámara que utiliza.

Hay parecidos incluso entre imágenes que difieren mucho en su creación como las de Joel Sternfeld y la pareja Onorato y Krebs, ya que estos últimos realizan montajes digitales para conseguir sus imágenes.

Y ya que la fundación Foto Colectania está ofreciendo actualmente una retrospectiva de la obra del fotógrafo Paco Gómez, ahi van un par de parecidos razonables, uno con su contemporáneo Francesc Català-Roca y otro con una fotógrafa contemporánea que tiene un portfolio de lo más interesantes, Anna Malagrida.

En el primer parecido de Paco Gómez, podemos ver como todos los retratados posan sentados a la mesa, nada naturales, con el punto de vista a la altura de la mesa, un elemento en primer plano llama la atención, las paredes blancas sólamente adornados por elemento sencillos y esas boinas protagonistas...

En el segundo parecido vemos la abstracción que provoca pintar en blanco sobre un cristal.

Siguiendo con Francesc Català-Roca, también comparte un parecido con una imagen de la fotógrafa Colita, que por cierto tiene actualmente una exposición en la galería Valid Foto.

¿Existe el original?

Si bien el último proyecto de Joan Fontcuberta ha dado que hablar, como se demuestra por las opiniones volcadas en algunos blogs, ha servido entre otras cosas para recuperar el concepto de la "originalidad" en la creación artística.

Según Fontcuberta ya no es posible crear una imagen que no haya sido vista anteriormente. Se refiere a su "originalidad, es decir a que dicha imagen no se pueda considerar como derivada de otra imagen existente o bien que el fotógrafo que la haya creado se haya abstraido de cualquier influencia en su formación y educación para conseguir dicha imagen.

En definitiva, podemos resumir el anterior párrafo con el concepto de "obra derivativa". Es decir que cualquier obra actual tiene en mayor o menor medida un referente anterior. Esta idea de Fontcuberta encuentra eco en profesionales de otros ámbitos, aunque muy relacionados también con la imagen, como es el caso de la psicóloga experta en redes sociales Dolors Reig.

Dolors Reig se dedica a la educación y a la asesoría en cuestiones referentes  a "social media", es una de las personas que más sabe sobre redes sociales en nuestro país y en una de sus charlas que dio en el CCCB sobre "El futuro de los archivos" insistió en que cualquier obra creativa es derivativa. Dedicad un tiempo a ver este estupendo webcast donde os quedará claro este concepto.

Precisamente es lo mismo de lo que nos está hablando Fontcuberta y de hecho la propuesta que nos hace es una propuesta de trabajo derivativo. Como el que están haciendo muchos autores, incluso reconocidos fotoreporteros como Susan Meiselas, que en lugar de realizar más imágenes del pueblo kurdo sufriendo su rechazo ha recopilado imágenes pertenecientes a diferentes épocas de este pueblo para de esta manera construir una memoria histórica que nos dé una idea del colectivo, de su identidad. Por ello podemos calificar el trabajo de Meiselas sobre Kurdistan como derivativo  pero en cambio nos aporta algo novedoso que no hubieran aportado otras fotos actuales realizadas siguiendo los cánones del fotoperiodismo.

Y hablando de originalidad, si leemos las primeras líneas del ensayo escrito por Mariano Zuzunaga, profesor de fotografía en la escuela de Bellas Artes de Barcelona, titulado "El territorio fotográfico, la fotografía revisitada", nos daremos cuenta de que el concepto de original quizás sea algo étereo, tanto que quizás se pueda definir lo "original" como aquello a lo que aspiran las copias.