martes, 9 de marzo de 2010

"Fotógr@fs al descubierto" de Joan Marc Carbó

 © Joan Marc Carbó. Fotógr@fos al descubierto.

El sábado pasado participé en el proyecto fotográfico de Joan Marc Carbó titulado "Fotógrafos al descubierto". Este proyecto lo ha desarrollado durante el curso de fotografía de autor en que ha participado y que ha sido impartido por el fotógrafo Juan de Dios Pérez en el centre cívic Pati Llimona. Aunque el proyecto finalizó en enero pasado con una exposición colectiva de los proyectos de todos los alumnos del curso, Joan Marc está continuando este proyecto y por ello he colaborado con él.

Con este proyecto, Joan Marc quiere dar a conocer la obra de fotógrafos anónimos que como yo  dedicamos mucho tiempo a nuestra pasión que es la fotografia.

Para realizar estos retratos, Joan Marc utiliza su cámara de formato medio Mamiya AFDII con respaldo PhaseOne P25+, mezclando iluminación natural y artificial, al estilo de Anne Leibovitz. En la foto del making-off podemos ver a Joan Marc junto a Oscar Ciutat, que actuó como asistente en la sesión y en la imagen aguanta el foco que  habitualmente utiliza Joan Marc en sus retratos.

© Pedro Arroyo. Making off Fotógrafos al descubierto.

A nivel compositivo la serie esta formada por dípticos en los que por un lado aparece una imagen realizada por el fotógrafo retratado y por otra el propio retrato realizado en un lugar que guarda relación con la imagen anterior y que ha sido elegido por el fotógrafo retratado. A estas dos imágenes añade un texto explicativo.

Para dar a conocer mi trabajo, he elegido una de las imágenes que he realizado recientemente para mi proyecto "cerrado por vacaciones". Dicha imagen la tomé en la playa de la Mar Bella de Barcelona, que es el lugar elegido como escenario para el retrato. Sin duda es un lugar especial pues recuerdo el día que fotografié el tobogán que aparece en la imagen, era un día de diciembre, frio y lluvioso, apenas hice la foto acompañado por unas cuantas gaviotas pues el lugar no era apetecible visitar, sin embargo las luces eran muy especiales y ello unido a la ausencia de personas le dio un aire inquietante a la escena.

© Pedro Arroyo. "cerrado por vacaciones".

A continuación el retrato que fue descartado, en mi opinión el que abre esta entrada juega mejor con mi imagen. El punto de vista de este segundo retrato es muy parecido a mi imagen de la playa y en el díptico sería muy lineal.
 © Joan Marc Carbó. Fotógr@fos al descubierto.

Nueva topografía y refotografía, dos formas de captar la alteración del entorno y el paso del tiempo.


De un tiempo para aquí ando muy interesado en un tipo de fotografía que trata de poner de manifiesto la alteración del paisaje, ya sea urbano o rural.

Es el caso de dos proyectos que desde hace unos meses estoy realizando, mientras uno trata de documentar la alteración del paisaje rural donde se encuentran las masías, el otro proyecto trata de documentar los cambios en el paisaje urbano a través del viaje de unos monumentos en la ciudad de Barcelona.

 
© Pedro Arroyo. Masia de Can Cot. Parets del Vallès

© Pedro Arroyo. Fuente de Hércules, Barcelona
 
En ambos proyectos es importante tener en cuenta que lo que estamos también registrando es el paso del tiempo, pues bien de una manera explícita o supuesta tenemos un referente del lugar en otro momento del tiempo. Bien, pues estos proyectos se engloban en un  tipo de fotografía denominada "New Topographics" y en el caso de los monumentos viajeros, en su evolución, la "refotografía".

Si bien en una primera lectura con este tipo de fotografía se pretende captar los cambios en el entorno y el paso del tiempo., segundas lecturas pueden superar lo estrictamente fotográfico, que no voy a desarrollar en esta entrada.

La New Topographics intenta mostrar el paisaje tal como es sin buscar un paisaje idílico como el que mostraban fotógrafos como Ansel Adams, sino mostrar la alteración del espacio natural por el hombre de una manera descriptiva.

 
 Video con imágenes de autores de la New Topographics

Por su parte, la refotografía consiste en realizar una toma actual a partir de una anterior en un momento del tiempo diferente para mostrar ambas juntas y así poder captar las diferencias que se han producido en el paisaje. En estas parejas de imágenes es importante mantener el punto de vista del autor de la primera toma para así ver los cambios de manera más evidente. Algo así como hacer arqueología del punto de vista, expresión que leí por primera vez de la mano de Ricard Martínez en su extraordinario blog, uno de los fotógrafos de nuestro país que más utiliza este tipo de fotografía.

© Mark Klett. Second View: The Rephotographic Survey Project

Si en el caso de la new topographics uno de los autores más destacados es Robert Adams, en el caso de la refotografia podemos mencionar a Mark Klett. El primero es uno de los autores que aparecen en el libro New Topographics de Britt Salvesen, donde se recogen los trabajos de autores que documentaron paisajes alterados por el hombre en la década de los '70, entre ellos se encuentran también el matrimonio Becher o Stephen Shore.

El trabajo que abrió la categoría de refotografía fue "The Rephotographic Survey Project" que dirigió Mark Klett en 1977. Este trabajo consistía en refotografiar unas 120 localizaciones inicialmente fotografiadas por fotógrafos del siglo XIX como Ansel Adams o Alvin Langdon Coburn, entre otros.

Existen en la actualidad multitud de trabajos que utilizan la refotografía, entre ellos destacaría dos trabajos que recientemente he descubierto gracias a Oscar Ciutat en su blog, Douglas Levere que utiliza  como imágenes de partida el New York de Berenice Abbot y Christopher Rauschenberg que utiliza en su caso las imágenes del París de Eugene Atget.

domingo, 28 de febrero de 2010

La belleza siniestra de Gino Rubert

 
© Gino Rubert

Desde el año 2006 no veía una exposición con imágenes de Gino Rubert y no será porque no se prodiga porque está teniendo un éxito tremendo, prueba de ello son las portadas para la trilogía de best-sellers de Stieg Larsson.

Gino Rubert realiza obras de gran tamaño que están a medio camino entre la pintura y el collage, utilizando fragmentos de imágenes fotográficas u otras texturas que va añadiendo al lienzo inicial, son obras de gran belleza pero que sin embargo crean mucha inquietud, en algunos casos humorísticas acaban teniendo un tinte siniestro, sobretodo en las que predominan las amputaciones.

Salvando las distancias encuentro cierta semejanza con algunas imágenes surrealistas de pintores españoles de principios de siglo XX como Angeles Santos o Alfonso Ponce de León, aunque por lo que he leido en alguna entrevista a Gino Rubert no están entre sus influencias.

En mi opinión es de lo más destacable de la exposición que he visitado esta mañana en el CCCB bajo el título "Atopia, arte y ciudad en el siglo XXI".

Me han gustado también las imágenes de Erwin Olaf, Philip Lorca de Corcia, Andreas Gursky o de Oleg Dou, pero esto entraba dentro de lo previsible. El trabajo fotográfico que más me ha llamado la atención ha sido el de Carey Young.  

 
© Body Techniques (after A Line in Ireland, Richard Long, 1974) 
Carey Young. 2007

(*) Actualización 24-junio-2010. Añado un documental que incluye entrevista a Gino Rubert en su taller de Barcelona.

sábado, 27 de febrero de 2010

La "obra" según Jorge Rodríguez Gerada

Jorge Rodríguez Gerada junto a uno de sus dibujos

Supongo que muchos de los que seguís mi blog sabéis que estoy estudiando fotografía, pues bien sirva esto para introducir el tema de esta entrada que trata acerca de la definición de obra artística. 

En varias asignaturas que hemos tenido este curso, como "Lectura y construcción de la imagen II", impartida por Arola Valls, o "Procedimientos alternativos", impartida por Albert Gusi, hemos visto la obra de multitud de artistas y en muchas ocasiones ha surgido en clase el debate de qué definimos como obra. En el caso de aquellos fotógrafos que utilizan el entorno para hacer su obra se complica la cosa aún más. Son los típicos casos de "street art" o de "land art".

Este tipo de intervenciones suelen ser en la gran mayoría muy efímeras y al guardar un documento fotográfico de la intervención podemos llegar a confundir la obra con dicho registro. En el caso de Jorge Rodríguez Gerada, es el propio artista quien define qué engloba el concepto de obra y a mi me parece una definición muy acertada.

En este video que corresponde a una intervención que hizo en Barcelona explica muy bien el significado de obra, además podéis escucharlo explicando cuales son sus motivaciones y el modo como trabaja. Esta intevención corresponde a su proyecto "Identidades", que consiste en aprovechar los muros que quedan al descubierto tras derribar un edificio y pintar en el mismo retratos de una de la personas que se identifican con el barrio.



Otro video más de otro de sus proyectos en Barcelona, éste titulado "Expectation". Consiste en un dibujo de grandes dimensiones de Obama hecho con arena coloreada en la playa.

La sombra como recurso narrativo en fotografía

Durante el taller con David Jiménez visionamos muchas imágenes y una de ellas era la que muestro aquí, de Lee Friedlander tomada en las calles de Nueva York en 1966. Lo que David quería explicarnos es la importancia de la utilización del punto de vista a la hora de construir una imagen y de sus implicaciones en su lectura posterior.

En ámbas imágenes, la de Friedlander y la de Navia, la sombra tiene un protagonismo tan evidente que nos desvela el punto de vista del autor y hace ponernos en el lugar de la persona que proyecta la sombra. Digamos que no nos deja al margen de la escena sino que más bien nos hace protagonistas. Es un recurso que funciona muy bien cuando el autor quiere explicar una historia en primera persona.

Tanto en el caso de Friedlander como el de Navia,  ámbas imágenes pertenecen a proyectos muy personales, ambos viajando con su cámara y mostrandonos los escenarios que visitan, Friedlander escoge las calles de New York mientras Navia países de habla portuguesa, en su libro "Pisadas sonámbulas"

Es curioso como cambia la percepción de las cosas según la época en que nos encontramos, mientras en los inicios de la fotografía, la autosombra se consideraba un error fotográfico ahora es un recurso que tenemos y que es utilizado con un objetivo determinado. Para saber un poco más sobre este tema os recomiendo leer "Fautographie, petite histoire de l'erreur photographique" (1) de Clément Chéroux. En este libro podemos observar el uso que muchos autores han hecho de la sombra en autoretratos de manera que aparecieran fotógrafo y máquina en la sombra, algo así como dejar patente que la cámara es parte de su ser, un ejemplo es el de André Kertész, uno de los autores que más han utilizado el recurso de la sombra.

© André Kertész, autoretrato. 1921

Como el libro que cito es el que estoy leyendo ahora mismo me ha llamado mucho la atención durante la visita de ayer a la exposición "Inédita" de Ouka Leele en la Tecla Sala, ver este autoretrato de Ouka Leele, en este caso la sombra de la cámara se proyecta sobre su cara, ¿qué nos quiere transmitir?

© Ouka Leele, autoretrato. 

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(1) Existe una versión en español de este libro, publicado por la editorial mexicana Almadia. Más información en http://www.sobrelafotografia.com/2009/11/26/breve-historia-del-error-fotografico-de-clement-cheroux/

martes, 23 de febrero de 2010

Pedigree Social Club de Zigor Azkargorta

Hace un par de semanas, en la escuela GrisArt, presentamos nuestros trabajos para la asignatura  postproducción digital II y quiero mostraros el que más me gustó de todos ellos. Se trata de un trabajo titulado Pedigree Social Club y ha sido realizado por Zigor Azkargorta

Se trata de una serie de retratos en los que Zigor nos quiere mostrar a una familia perteneciente a una clase social que permanece aislada, sin tener ningún contacto con otras para no perder su pureza de "raza". En este afán por no perder su "pedigrí" permanecen anclados en el pasado.

© Zigor Azkargorta.

Zigor consigue en estas imágenes trasladarnos a la casa de esta peculiar familia. El escenario en que nos sitúa es el ideal para mostrar a estos individuos que miran desafiantes a la cámara, manteniendo la distancia apropiada, sin establecer ningún vínculo con el fotógrafo y en consecuencia con nosotros. Un buen trabajo de iluminación y de atrezzo ayudan mucho a que estos retratos funcionen. El uso del collar isabelino es el elemento definitivo para ridiculizar esta singular familia.

Se trata de un proyecto en curso así que todavía no hay muchas imágenes disponibles. Ánimos a Zigor para acabar esta estupenda serie.

© Zigor Azkargorta.

 
© Zigor Azkargorta.
 

domingo, 21 de febrero de 2010

La observación en la creación artística

Ayer hojeando en una librería me topé con un catálogo de una exposición del pintor vasco Jesús Mari Lazkano. Se trataba de imágenes de paisajes vascos, de construcciones industriales en desuso en medio de campos vacíos. Las imágenes eran de por sí muy atractivas; su luz, su color, eran evocadoras siendo también muy realistas. El tema es que viéndolas detenidamente llegué a la conclusión de  que lo que me llamaba la atención en ellas era en gran medida la particular mirada del autor y el uso magistral de la perspectiva que le acercaba mucho a la imagen fotográfica.

© Jesús Mari Lazkano.

Esto último me hizo volver a pensar en la relación entre pintura y fotografía en la creación artística. Existe la idea de que la fotografía tomó como referente para la composición de imágenes a la pintura y de hecho durante la época del pictorialismo, la fotografía adoptó técnicas que la igualaran a la pintura, sin embargo también es sabido que pintores renacentistas como Leonardo da Vinci y Alberto Durero utilizaron la cámara oscura (precedente de la cámara fotográfica) para sus perspectivas. 

© Jesús Mari Lazkano.

Por ello podríamos decir que ámbas disciplinas se han influido sin prevalecer la una sobre la otra y lo que une a ambas es la observación del autor, ya sea pintor o fotógrafo. Cada vez estoy más convencido de que la clave de la creación es la observación. Cuando nuestra mirada observa detenidamente nuestro entorno, lo investiga, lo analiza, es cuando más cerca vamos a estar de conseguir imágenes que nos digan algo porque esa mirada detenida es capaz de captar algo más que un paisaje, entonces será capaz de transmitir un estado de ánimo o de evocar alguna historia.

© Pedro Arroyo. Playa de Vilassar de Mar

Recuerdo que en un taller que dió José Manuel Navia, nos insistió en que cuando visitaramos un lugar lo observaramos detenidamente en lugar de empezar a tomar imágenes, él mismo nos contó una anécdota sobre esta forma de trabajar que tiene. Estuvo prácticamente una tarde sentado en un banco de una plaza observando hasta el punto que una señora de un comercio próximo salió a preguntarle si le sucedía algo. El pasado viernes Aleix Plademunt dió una conferencia en la escuela GrisArt y coincidió en la idea de la observación, su manera de trabajar es documentarse al máximo antes de llegar al lugar para una vez allí observar muy bien todo y tomar una única imagen. También debe contribuir a este hecho el tipo de cámara que utiliza que invita en mayor manera a la observación.

Esta idea puede parecer poco original o muy previsible sin embargo nada más hace falta salir a la calle y darse cuenta del uso tan trivial y poco reflexivo de la fotografía. En la época actual en la que existe una proliferación de imágenes tan masiva es cuando se percibe mejor en las imágenes la dedicación del autor a la observación.

Un ejemplo de esa observación profunda e insistente del entorno podría ser la que tenía el estanquero que aparecía en la película Smoke (1995) basada en un relato de Paul Auster, que fotografió durante 14 años la misma esquina de Brooklyn a las 8 de la mañana de cada día.


Más imágenes de Jesús Mari Lazkano aquí.

miércoles, 17 de febrero de 2010

Reflexiones tras el taller con David Jiménez


Este pasado fin de semana participé en el taller "Construir un mundo" que impartió David Jiménez y que fue organizado por el colectivo Atelieretaguardia. Fue un buen fin de semana, en ocasiones duro por lo intensivo en ideas y extensivo en tiempo, sin embargo muy interesante pues nos ha hecho reflexionar profundamente sobre muchos temas que giran alrededor de la construcción de imágenes.

El taller trató acerca de la representación de "la realidad" y de como podemos utilizar el medio fotográfico para conseguir una subjetiva representación. Todo ello utilizando diferentes elementos como son el punto de vista, el espacio, el tiempo o la luz.

A fin de explicarnos estos conceptos, David se apoyó en varios textos como por ejemplo "El arte del cambio" de Paul Watzlawick, la "Teoría de la inteligencia creadora" de José Antonio Marina o "La naturaleza de las fotografías" de Stephen Shore, entre otros. También hubo tiempo de distensión para la lectura de fragmentos de "Historias de Cronopios y de Famas" de Julio Cortázar.

Visionamos un gran número de imágenes que ayudaban a comprender los argumentos que David nos exponía. Entre los trabajos que visionamos estaba el fabuloso "Uncommon places" de Stephen Shore y el también excelente "The New West" de Robert Adams, uno de los autores de la New Topography que capta la alteración del paisaje americano. Ambos ejemplos sirvieron para ilustrar el uso del punto de vista y una especial composición para conseguir imágenes atractivas.

 © Robert Adams. The new west.

Vimos también interesantes trabajos, como los de la pareja Robert and Shana ParkeHarrison que recrean escenas un tanto intrigantes en su Counterpoint (New York) o "The Other Place" de Jeff Burton, realizado durante rodajes de películas X haciendo un buen uso del punto de vista poco explícito y original dado el motivo a fotografiar.

 © Roberrt and Shana ParkeHarrison. Counterpoint (New York)

 © Jeff Burton. The Other Place.

También hubo tiempo para el análisis de tres autores que trataron profundamente una misma temática, la de la España profunda, pero desde diferentes puntos de vista, y con diferentes resultados como son Cristina García Rodero, Cristóbal Hara y  el recientemente desaparecido Koldo Chamorro, al que David dedicó un pequeño homenaje, no en vano su primer taller lo hizo con el fotógrafo navarro.

El último día hubo visionado de trabajos de participantes al taller y personalmente fue una ocasión extraordinaria de ver como David tiene un sexto sentido para las imágenes, es capaz de seleccionar una imagen de entre una serie y reconocer que tu mirada en esa imagen era especial respecto al resto. Me ha hecho pensar mucho acerca del tema central de mis últimas series e incluso me ha hecho pensar acerca de mí mismo.




Para finalizar quisiera felicitar al colectivo Atelieretaguardia que nos abrió las puertas de su local y organizó de manera ejemplar este taller, nos hizo sentir como en casa. Otro agradecimiento para Camino Laguillo por permitirme publicar sus imágenes en mi blog.

miércoles, 10 de febrero de 2010

Dos miradas separadas por 140 años

© Pedro Arroyo. Carrer de la Pietat, Barcelona.

No deja de sorprenderme que un lugar y un momento determinados capten tu atención, los fotografies para retenerlos en la memoria y más tarde descubras que 140 años antes alguien sintiera esa misma atracción e hiciera lo mismo que tú.

Se trata de Jean Laurent, un fotógrafo francés del siglo XIX que trabajó durante mucho tiempo en España. He superpuesto la imagen que hizo Jean Laurent, extraida de archivo que me  ha proporcionado Ricard Martínez, a la que yo hice el pasado fin de semana y que aparece actualmente como cabecera de este blog.

Es interesante hacer el ejercicio de escuchar las imágenes. Cuando confrontas imágenes de un mismo lugar en momentos diferentes del tiempo se empieza a generar un diálogo entre ambas y empiezas a hacerte preguntas acerca de elementos que diferencian una de otra y que de alguna manera esconden una historia. La puerta está ya abierta a investigar estos cambios si la curiosidad es suficiente.

Añado un enlace al archivo digital del Institut National d'Histoire de l'Art donde se pueden ver 235 imágenes de este autor.

domingo, 7 de febrero de 2010

Monumentos viajeros de Barcelona


Actualmente, aprovechando la presentación de una serie de imágenes para una asignatura de la escuela GrisArt,  estoy finalizando la primera etapa de uno de los proyectos a los que más tiempo estoy dedicando. En esta ocasión se trata de un proyecto documental, en él trato de recoger, por una parte el paso del tiempo confrontando imágenes de un mismo espacio en diferentes momentos del tiempo y por otra la alteración del entorno ya que muestro imágenes de diferentes lugares en los que aparece y desaparece un mismo elemento.

Como en todos los proyectos fotograficos hay un trabajo previo de documentación acerca del tema a tratar, sin embargo en éste el peso que está teniendo esta fase es considerablemente superior al resto que había hecho hasta ahora. Dado que necesito imágenes de archivo he tenido que buscarlas en las casas de coleccionistas que venden postales de época y en los archivos fotográficos existentes. La totalidad de imágenes de archivo datan de finales del siglo XIX y de principios del XX con lo cual os podéis hacer una idea de lo complicado que ha sido encontrar estas imágenes. Quiero mencionar que ha sido un lujo haber visitado el Institut Amatller d'Art Hispànic para la consulta de sus imágenes en la biblioteca de la Casa Amatller, toda una experiencia porque me apasiona el Modernisme. Uno de los temas que me ha llamado la atención es que falta mucho trabajo todavía en los archivos de imágenes, existe poco material digitalizado y en el caso del Arxiu Fotogràfic de Barcelona es una parte accesible en su página web pero sin embargo para conseguir las imagenes tienes que acudir a su edificio en la plaza Pons i Clerch previa cita. Me parece un sistema poco ágil para los que no disponemos de mucho tiempo. Esto en cambio no sucede con el fondo fotográfico Cuyás del Institut Català de Cartografia del que puedes descargar las imágenes en alta resolución.

En cuanto al tema, como podéis ver en el título de la entrada, trata el viaje que han emprendido una serie de monumentos dentro de nuestra ciudad. Hasta hace un tiempo no tenía conocimiento de que los monumentos se movían pero lo cierto es que en el caso de Barcelona abundan los ejemplos, como mínimo hay una decena de casos, sin contar edificios que incluso además de ser movidos han sido sintetizados en otros. 

 
Detalle del interior de La Granja, en la calle Banys Nous 4, un local que nunca dejo de visitar si paso por su puerta. En su pared podemos ver un ejemplar de La Vanguardia donde aparece uno de los monumentos viajeros. © Pedro Arroyo

El interés por estos monumentos y edificios viajeros surgió cuando descubrí el claustro gótico de la iglesia de la Concepción al cual se accede desde la calle Bruc a la altura de la calle Aragón. Como siempre que visito algun edificio suelo investigar acerca de su origen, con este lo hice también  aunque sospechando alguna cosa rara pues un poco de historia conozco y es sabido que los monasterios o estaban dentro de las murallas o bien en la ladera de la montaña pero no en la calle Aragón en medio de la nada. Investigando sobre el tema dí con el estupendo libro de Jordi Peñarroja titulado "Els edificis viatgers de Barcelona" que ha sido el que ha motivado iniciar todo este proyecto.

He tomado como referencia trabajos muy interesantes de lo que se viene en llamar arqueología del punto de vista como los proyectos Runa o Passejant Centelles, ambos de Ricard Martínez. No por la disposición de las imágenes sino por la idea de confrontar imágenes temporalmente distantes de un mismo espacio y tratando de buscar el punto de vista del fotógrafo que hizo la primera imagen.

A la hora de recopilar información, internet ha sido una buena herramientas, existen una serie de blogs interesantísimos que reunen información sobre la historia de Barcelona, destacaría Altres Barcelones de Dani Cortijo o Fotos de Barcelona de Ugo Manzoni, al que he de agradecer la obtención de una de las imágenes para el proyecto. Asismismo he utilizado también el archivo de ediciones antiguas que tiene el diario ABC. Podría citar otras muchas webs a partir de las cuales he conseguido información.

A continuación os muestro la primera serie de imágenes. Como podréis ver son trípticos de manera que la primera imagen es la que he obtenido de archivo, la segunda el emplazamiento que se muestra en la primera imagen pero en la actualidad y la tercera muestra el monumento en su actual emplazamiento. 

Espero que os guste la serie y os haga reflexionar un poco sobre los cambios que se producen en nuestra ciudad. Añado un poco de historia al pie de la foto para poneros en contexto.

La columna de Hércules.
© Pedro Arroyo
 
La mal llamada columna de Hércules proviene del originario templo romano de Augusto y es una de las cuatro columnas que han sobrevivido hasta nuestros días de aquel edificio. En 1840 tras derruir una casa en la calle Llibreteria se descubren dos columnas pero ámbas en muy mal estado de manera que al final se reconstruye una a partir de aquellas dos. Su destino inicial era el Museu d'Història emplazado en la Capella de Santa Àgueda, sin embargo sus dimensiones obligaron a emplazarla fuera del recinto, en la Plaça del Rei muy próxima a la fachada de la Capella.
En 1956 fue trasladada a su actual emplazamiento, uniéndose a las otras tres columnas en lo que queda de lo que fue el Templo de Augusto en la calle Paradís número 10.

Monumento a Joan Guell i Ferrer.
© Pedro Arroyo

Joan Guell i Ferrer, era economista y fue uno de los comerciantes que hizo más fortuna en Cuba. Su monumento fue erigido en el año 1888 por suscripción propia, siendo la escultura obra de Manel Foxà.
Muy afectado en 1936 durante la guerra civil, en 1941 fue restaurado pero ubicado en el paseo central de la Gran Via en lugar de su ubicación original en el cruce de la Rambla Catalunya y la Gran Via.

Monumento a Josep Anselm Clavé.
© Pedro Arroyo

Josep Anselm Clavé fue poeta, político, compositor y director de música. Este monumento lo erigió el escultor Manel Foxà en la confluencia de la Rambla Catalunya con la calle València. Fue trasladado en 1955 al nuevo emplazamiento en el Passeig Sant Joan a la altura de la calle Pare Claret. El motivo argumentado para el traslado fue favorecer el tráfico en el cruce donde anteriormente se encontraba ubicado.

Monumento al Doctor Robert.
© Pedro Arroyo

El Doctor Robert fue Alcalde de Barcelona al final del siglo XIX. Este monumento lo erigió el escultor Josep Llimona en la Plaza Universidad de Barcelona, desmontado en 1940 durante la dictadura de Franco, se levantó nuevamente en la Plaza Tetuán en 1988. El motivo argumentado para el traslado fue el excesivo peso del monumento que podía hacer peligrar la seguridad de los usuarios del metro ya que bajo la plaza se encuentra una estación de la primera línea de metro que fue inaugurada en 1926.

Fuente de Hércules.
© Pedro Arroyo
 
En 1797 se creó el Passeig Nou, llamado también Passeig de Sant Joan dado que se inauguró durante esa festividad. Este paseo se extendía a lo largo de la actual calle Comerç desde el cruce con el inexistente Passeig Lluís Companys hasta más allá del Born. Esta fue una de las cuatro fuentes que se instalaron en dicho paseo. Es obra del escultor Salvador Gurri.
En 1929 fue trasladado a su actual ubicación, Passeig Sant Joan/Calle Còrsega debido a la ampliación de las dependencias de los Juzgados que requerían más terrenos.

Para los que quieran saber más sobre este tema de los monumentos y edificios viajeros, Biblioteques de Barcelona organiza unas visitas guiadas recorriendo varios de estos edificios, más información en la web de Biblioteques de Barcelona.

domingo, 31 de enero de 2010

El efecto Kuleshov y la puerta abierta de Eduardo Momeñe

Repasando los apuntes del taller de Eduardo Momeñe al que asistí el año pasado he recordado el efecto Kuleshov. Dicho efecto consiste en poder cambiar la interpretación de una misma imagen en función del resto de imágenes que la acompañan. Os añado un video del experimento.


Ni que decir tiene que este efecto ha sido muy utilizado en el cine y también en alguna campaña electoral.

Ya que hablamos de Eduardo Momeñe, recomendaros ver su serie "La puerta abierta", una serie de trece episodios de 26 minutos de duración cada uno, dedicada a la historia de la fotografía. Se emitió en Euskal TeleBista hace unos años y no se ha vuelto a emitir más. Alguno de los compañeros con los que compartí el taller de Momeñe como José Ronco daba por perdida esta serie pero sin embargo mi amigo Oscar Ciutat me informó hace unos días que está disponible en la Mediateca del Caixaforum de Barcelona. Aprovechad la ocasión para echarle un vistazo.

miércoles, 27 de enero de 2010

Santa Inocencia de Joan Fontcuberta

©  Santa Inocencia, Joan Fontcuberta

Esta tarde me he pasado por la librería Kowasa y por sorpresa me he topado con lo último de Joan Fontcuberta. Como en todos sus proyectos se vuelve a mover por terrenos que están entre la realidad y la ficción, tomando en esta ocasión como referente un tema que está muy de moda, el correo no deseado o spam y en concreto en el scam o timo electrónico.

Recuerdo que hace unos años recibí en tres cuentas de correo electrónico que llevaban mi apellido un mensaje de un señor nigeriano que decía ser la persona que administraba el patrimonio de un hombre llamado Arroyo. Precisamente dicho señor había fallecido y su administrador iba en busca de sus herederos por todo el mundo. Por entonces, y estoy hablando de hace más de diez años ya me llamó la atención este timo en versión electrónica. He de reconocer que más de una vez estuve tentado de responder para saber cómo operaban este tipo de timadores pero al final nunca lo hice.

Recientemente estoy recibiendo muchos mensajes de "supuestas" chicas de Europa oriental que quieren conocerme y digo supuestas porque tengo la profunda seguridad de que no se trata de chicas sino más bien de tipos perfectamente organizados para sacarte la pasta con la excusa de que la chica quiere conocerte y para ello le has de pagar el billete hasta tu ciudad.

Estos dos tipos de mensajes no deseados que he estado recibiendo desde hace unos años no creo que sean casos aislados sino más bien habituales en nuestros buzones de correo electrónico. Pues bien es este tipo de mensajes el que Fontcuberta nos descubre en su último libro,  Santa Inocencia.

Con él podemos tener una aproximación de como funcionan este tipo de timos electrónicos, en este caso de manera divertida pues el desenlace no tiene pérdida, evidentemente no lo voy a desvelar,  pero sí deciros que en el libro aparecen las transcripciones de los mensajes de correo electrónico que se estuvieron enviando un cura de la Sagrada Família (personalidad bajo la que se escondió Fontcuberta) y el Capitán Hook (el timador) durante unas semanas, con copias de los documentos que se fueron solicitando.

Como en otras obras de Fontcuberta, la presentación de la obra es  original, como el sistema ideado para seguir el libro en los dos idiomas en que está escrito, dos transparencias de color rojo y verde.

© Santa Inocencia, Joan Fontcuberta

martes, 19 de enero de 2010

El surrealismo en la obra de André Kertész y Henri Cartier-Bresson

El año pasado tuve que preparar para la asignatura de historia de la fotografía un estudio comparativo de la obra de André Kertész y Henri Cartier-Bresson, sin duda dos de los autores más destacados de la llamada  fotografía de calle. Después de estudiar detenidamente sus imágenes, llegué a la conclusión de que existe una gran influencia surrealista en las imágenes de ambos.

No se puede dejar de lado la coincidencia en la residencia de los dos fotógrafos en París durante los años del desarrollo de las corrientes del surrealismo y del dadaismo.

Sin embargo no todo son parecidos porque finalmente Kertész se decantó más hacia el ensayo, en buena medida debido a su prohibición de publicar en medios gráficos estadounidenses a causa de su origen húngaro, mientras Cartier-Bresson se dedicó de lleno al fotoreportaje encabezando la creación de la Agencia Magnum.

Como comentaba, la obra de ambos fotógrafos tiene un gran parecido y no sólo por compartir técnica, ambos adoptaron la ligera Leica ideal para la fotografia de calle, y estética, el blanco y negro, sino porque en una parte importante de sus imágenes la influencia surrealista está presente, en gran parte debido al contacto con esta corriente en el París de entonces y como no también por la influencia del propio Kertész sobre Cartier Bresson, recordemos la célebre frase de este último; "Cada vez que André Kertész oprime el obturador, siento el latido de su corazón".

A continuación os muestro una serie de imágenes que corroboran esta influencia surrealista. En la primera de ellas se muestran objetos fuera de contexto, en ambos casos se trata de terrazas parisinas, sin embargo aparecen desiertas de personas, pasan a ser unas cuantas sillas y mesas en medio de la nada.

Ambos fotografiaron a personas mirando a través de un agujero. Los surrealistas tenían atracción por el voyeurismo, por ver qué hace el individuo en la intimidad.
También fotografiaron enamorados besándose en publico, a los surrealistas les gustaban estos momentos en que el individuo dejaba de lado la razón  más aun cuando se daba en un lugar publico.
Y el desnudo ...
O el juego dadaista del cadaver exquisito, elaborando imágenes en las que objetos como barcos o cuadros tienen piernas. En esta pareja de imágenes, la de Kertész parece tener una lectura adicional.
Fotografiaron personas durmiendo, el sueño para los surrealistas era muy importante, era un medio para liberar los pensamientos de la razón.
A continuación os muestro otras imágenes de parecidos entre ambas obras aunque en ellas el componente surrealista no aparece. Una de ellas esta primera en la que ambos autores juegan con las personas y su eco en las caricaturas o anuncios que se muestran en segundo plano.
Otro par de imágenes donde se percibe parecido es cuando ambos congelaban el instante. Es curioso como en ambas imágenes, los personajes están en el aire, un segundo antes o después la imagen no sería la misma. El juego de las sombras de dichos personajes, unos terceros personajes observando la escena, existen muchos paralelismos en este par de imágenes.
En ocasiones juegan con los formas con tonos inversos, como por ejemplo el saltimbanqui de blanco  sobre fondo negro y  el espectador en negro sobre fondo blanco o las mujeres de negro sobre fondo blanco y las cariátides blancas sobre fondo negro. En cierta manera este recurso nos puede recordar a  surrealistas como el belga René Magritte o al canario Oscar Domínguez por la utilización de sus decalcomanías.
En otros casos la influencia pictórica se puede ver como en este caso, más razonable en el caso de Cartier-Bresson pues tenía formación artística previa. Ambas imágenes nos pueden recordar pinturas de Pieter Brueghel.
Para acabar, una influencia vanguardista más, la rusa, en este caso estos planos picados pueden recordar a imágenes de Aleksandr Rodchenko.

sábado, 16 de enero de 2010

Plunged de Ester Villaescusa

Ayer asistí a la primera de las tres sesiones de proyecciones de trabajos de alumnos de mi escuela en el espacio que tiene la editorial La Fabrica en Barcelona. Durante los dos siguientes viernes habrá más proyecciones.

Me gustó especialmente el trabajo que presentaba Ester Villaescusa y que se titula Plunged. Tal como ella misma nos explicó antes de la proyección es un proyecto muy personal, muy introspectivo, que representa una época determinada de su vida en la que tendió a mirar hacia dentro. Las imágenes transmiten relajación e inquietud a la vez y la música acompaña muy bien estas imágenes, apenas podemos llamarla música, quizás sonidos, voces, ecos ... las imágenes no necesitan más.


© Ester Villaescusa

En palabras suyas, "A menudo, el interés constante de mirarme hacia dentro me lleva a hacer trabajos como Plunged, de total introspección. Intento aprovechar esa capacidad reflexiva, ese conocimiento que me permite reconocerme a mí misma, mi entorno. Aquello que me hace ser consciente de forma inmediata de mis propios estados. Hablo de la consciencia, del saber de sí mismo, ese conocimiento que el espíritu humano tiene de su propia existencia, estados o actos."

Ester Villaescusa expondrá este trabajo en la sala de exposiciones de la escuela GrisArt a partir del próximo jueves 21 de enero. Si os perdisteis su proyección todavía podéis ver sus imágenes en esta exposición.

martes, 12 de enero de 2010

La playa como motivo fotográfico

© Pedro Arroyo
Durante los últimos meses estoy realizando un buen número de imágenes que toman como escenario o motivo las playas. Siempre me han gustado estos lugares, o no-lugares según se mire, aunque no soy de aquellos a los que les gusta tostarse al sol, sin embargo para mí siempre han tenido gran atracción aquellos días en los que las playas quedan desiertas, son lugares que dan una calma extraordinaria y visitarlas es una de las mejores maneras de relajarse. Precisamente uno de esos momentos es el invierno y es por ello que durante el último mes me he acercado más que nunca a ellas.


Actualmente estoy realizando imágenes que toman la playa como escenario para dos proyectos, uno titulado "cerrado por vacaciones" que pretende mostrar las playas desnudas de visitantes, en las que aparecen  instalaciones u objetos utilizados durante los meses estivales  tales como chiringuitos, porterías de fútbol, duchas sin ninguna presencia humana, en las que a menudo dichas instalaciones u objetos están descontextualizados dado que nadie los utiliza. El otro proyecto en curso consiste en una serie que estoy realizando y en la que al contrario de la anterior sí aparecen personas, incluso siendo en este caso las protagonistas. En este proyecto intento captar el paseo de aquellos visitantes invernales de las playas . Este segundo proyecto lleva por título "walkers on the beach".

© Pedro Arroyo
 
Ha habido un par de motivos que últimamente han hecho que cobrara mayor interés para mi la playa. Por una parte ha sido haberla visitado un día nublado del pasado mes de agosto, fue entonces cuando me dí cuenta de las posibilidades que ofrecía el tipo de luz suave y difusa que proporciona un cielo perfectamente cubierto. Entonces ya hice una pequeña serie con mi Canon G10 y de la cual podéis ver una imagen más arriba. Fue cuando pensé en hacer algun proyecto relacionado con ella cuando llegara la época en que tenemos más días de cielo cubierto.

© Richard Misrach 

Por otra parte hay un trabajo que me interesó mucho cuando lo ví hace unos meses, se trata de "On the beach" del fotógrafo Richard Misrach, donde se percibe muy bien la pequeñez de los seres humanos en estos escenarios. No es de estrañar que me interese este autor, Misrach es otro de los fotógrafos encuadrados en lo que se llama la escuela de Düsseldorf.


Más adelante he echado un vistazo a otros trabajos que toman como motivo la playa y entre ellos destacaría uno de Massimo Vitali que está en curso u otro de Luca Tronci , que me descubrió Eugeni Gay, uno de mis profesores de postproducción digital, y que lleva por nombre No season y en el que aparece la playa abandonada tras la temporada estival. Sin olvidar el interesante proyecto de  Oscar Ciutat, "Shelter", donde  muestra en tomas verticales como va cambiando el paisaje marítimo de Barcelona.

lunes, 4 de enero de 2010

Explicar una historia a partir de retratos.


Esta serie que abro ahora en mi blog trata de mostrar similitudes en parejas de imágenes como forma de entender el lenguaje fotográfico y no tanto como parecido en la imagen en sí. Lo publico ahora en este blog tras el éxito que ha tenido la serie cuando la empecé a publicar en facebook hace unos meses.

Ahí va el primer parecido razonable, en este caso se trata de poner de manifiesto como se puede explicar una historia a partir de retratos.

En el reportaje de Piko Zulueta sobre el Carnaval de Ivrea, una fiesta que puede tener su equivalente en la "tomatina" pero en la que la protagonista es la naranja, no aparece nadie lanzándose naranjas sino que se muestran los rostros de los participantes con los rastros de naranja y de la sangre de las heridas del combate. En el caso de Rineke Dijkstra tampoco se muestran las imágenes de los toreros luchando con el toro sino se muestran las manchas de sangre de los toros en sus caras y en sus trajes desgarrados.

Es una manera de explicar un evento mostrando los efectos que se producen durante el mismo en sus protagonistas.


Sin embargo para el Festival Trafic '09, Piko Zulueta hizo un montaje de un video que incluía otras imágenes pero éstas tan sólo nos situaban en contexto y seguían sin mostrarnos el combate de naranjas objeto del Carnaval. Lo podéis ver a continuación.


A continuación un video que he encontrado acerca de los retratos de Rineke Dijkstra, en un fragmento explica los que hizo a los toreros portugueses que podéis ver en la imagen comparativa.

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