domingo, 13 de junio de 2010

Canino

Os preguntaréis si éste es un blog de fotografía ¿qué hago escribiendo una entrada sobre cine? Bien, la razón es porque en el caso de "Canino" encuentro que la fotografía ayuda en gran medida a que la historia que se explica fluya a lo largo de la hora y media que dura la película.

Me ha gustado la fotografía por sus tonos, poco saturados en la mayoría de ocasiones acorde con lo anodino de la vida en cautividad, su punto de vista bajo, igualandonos a quizás un niño o algún animal doméstico, en muchas ocasiones no podemos ver los rostros de los protagonistas, y los planos compuestos por pocos elementos que nos describen fácilmente la escena.

Mientras la veía, hice un ejercicio que consistía en ir extrayendo fotogramas de la película para conseguir una serie de imágenes que por sí pudieran explicar la historia y aunque esa edición no la he hecho en la práctica, me hubiera encantado ver el resultado.

Tras realizar este experimento de manera figurada, me han entrado ganas de realizar alguna serie de fotografía escenificada, habrá que buscar algún texto e intentar ponerlo en imágenes, puede ser un ejercicio interesante.

Por el momento aquí podéis ver una serie de imágenes que he conseguido recopilar por internet. Se pueden encontrar, entre otros, ecos en imágenes de Edward Hopper, de Stephen Shore, de William Eggleston y como no de los surrealistas.

 
 

sábado, 5 de junio de 2010

Barrios de Víctor Calero

© Víctor Calero. Autoretrato

Aprovechando este blog me gustaría iros presentando trabajos de los que han sido mis compañeros de curso durante los dos años en que he estado estudiando en la escuela de fotografía GrisArt. Si en febrero le tocó el turno a Zigor Azkargorta con su excelente trabajo de retratos titulado "Pedigree Social Club" ahora le toca el turno a Víctor Calero, aprovechando que tengo por primera vez en mis manos, recien llegado de blurb.com, su nuevo libro titulado "Barrios".



Es un ejercicio muy interesante ver "Barrios". En él, Víctor nos invita a seguir sus pasos a través de las calles de la Barcelona nocturna, calles solitarias, llenas de abundantes rastros de la existencia de sus habitantes pero sin embargo sin presencia alguna, se podria decir que fotografía la presencia de la ausencia. La ausencia es un tema que Víctor ya ha tocado en otros trabajos anteriores, sobretodo en "Ausencias", un trabajo formado por retratos nocturnos, en el que se puede evidenciar la imprenta del extraordinario fotógrafo Philip-Lorca di Corcia, uno de los referentes de Víctor.

© Víctor Calero. Serie Ausencias

Siguiendo con Barrios, destacar que el paseo que nos propone Víctor está repleto de juegos visuales, de ecos que se generan entre los elementos que uno encuentra a su paso por las calles de Barcelona. El trabajo está localizado en los barrios del Raval, Born y Gràcia y quizás no reconozcáis algunos edificios emblemáticos de la Barcelona icónica debido a la mirada tan personal que ha utilizado Víctor, en este aspecto destacar que Víctor no reside en Barcelona y esto encuentro que es un punto positivo ya que nos puede dar una idea de como somos vistos los Barceloneses por nuestros "visitantes".

Esa particular visión de Barcelona también se aprecia en "Reflejos", un trabajo que realizó el año pasado y que también podéis ver en su página web. En algún momento me recuerda un trabajo que realizó Manel Esclusa sobre sombras de árboles en espejos.

© Víctor Calero. Serie Reflejos

Os invito a hacer una visita a su página web donde podéis encontrar todos estos proyectos de una de las personas que he conocido en los últimos años más comprometidas con la fotografía, hemos de estar atentos a los próximos trabajos de Víctor.

miércoles, 26 de mayo de 2010

Caminando entre lo natural y lo construido


Hace pocos días dí por finalizado mi proyecto que trata de documentar ese territorio compartido por el medio natural y el construido, en concreto en el espacio ocupado por polígonos industriales en la comarca del Vallès Oriental.

Hace unos once años entré a trabajar en una empresa que está situada en uno de estos polígonos, una zona que era desconocida para mi hasta entonces. Lo que más me sorprendió era la combinación de la naturaleza tan exuberante que había en esa zona y la presencia de masías que compartían el espacio con grandes construcciones de hierro y cemento, y de redes de carreteras y autopistas, era una combinación que me llamaba tremendamente la atención. Desde entonces me gusta imaginar como debería ser ese entorno natural sin la presencia de ninguna construcción y es por ello que ahora en estas imagenes he intentado identificar aquellos elementos de lo construido que alteran el paisaje actual para así sustraerlos mentalmente y conseguir la imagen que desearía.

Como referentes he tomado las imágenes de los autores de la New Topographics así como de la escuela de Düsseldorf, dos corrientes que me atraen en la forma tan descriptiva que tienen de abordar los motivos.

Todas las imágenes que aparecen en este libro han sido tomadas en polígonos industrales localizados en Mollet del Vallès, Parets del Vallès, Montmeló, Montornès del Vallès, Lliçà de Vall y Lliçà de Munt durante los meses de octubre de 2009 y mayo de 2010.

Espero os guste y si es así, podéis conseguir una copia del libro en el previo que encabeza esta entrada.

Actualización 04/06/2010:
También podéis ver el libro en formato de publicación electrónica en issuu.com

domingo, 16 de mayo de 2010

Mariano Fortuny, fotógrafo

© Museo Fortuny Venecia. Mariano Fortuny, Gondolero en La Salute, 1900

Como deja claro el título, quiero hablar un poco sobre la faceta de fotógrafo que desarrolló  Mariano Fortuny, ya que antes de visitar la expo que le dedica Caixa de Catalunya y que se puede visitar en La Pedrera,  pensaba que fue un escenógrafo especializado en atrezzo, sin embargo fue un artista multidisciplinar.

Tuvo grandes éxitos en la escenografía, la iluminación, la pintura y la fotografía le servió en principio para hacer bocetos de aquello que quería reproducir en sus escenarios, sin embargo fue un poco más allá, sus imágenes no parecen meros bocetos sino que muestran buenas composiciones, algunas rozan el pictorialismo pero en todas se deja ver un dominio técnico, gracias también a sus conocimientos en óptica.

© Panorámica de Venecia, 1907

© Museo Fortuny Venecia. Fortuny en un viaje a Egipto, 1938

Parece ser que  Fortuny utilizó diversos modelos de cámara segun las necesidades, entre ellas una Stereographe Dubroni de los 1880s para hacer tomas en exteriores, una Eastman Kodak Panoram N4 de 1899, dotada de lente giratoria con la que realizaba panorámicas de los canales y las calles de Venecia y una cámara de placas "Gilles frères 18x24" con la que realizaba retratos, autoretratos y fotografías a elementos decorativos para reproducir posteriormente en sus escenarios.
Panoram Kodak No4
Stereographe Dubroni

© Museo Fortuny Venecia. Mariano Fortuny con la Stereographe con visor. Autoretrato

Gilles Frères 18x24

El fondo fotográfico del artista se encuentra actualmente en el Museo Fortuny de Venecia.

En el vídeo que aparece a continuación, tomado durante la inauguración de la exposición en La Pedrera, se puede ver una escena en la que Oscar Tusquets y Narcís Serra entran en un debate acerca de qué cámara debió utilizar Fortuny para sus tomas panorámicas.

Manipulación de imágenes sin retoque

 © Ajuntament de Barcelona

Una de las premisas de mi blog es no hablar de política, este blog es sólo de fotografía y los políticos no despiertan ningún interés en mi, más bien todo lo contrario, sin embargo durante la campaña de consulta a sus ciudadanos que ha realizado el Ayuntamiento de Barcelona para decidir como será una de sus avenidas existe, en mi opinión, un uso muy tendencioso de imágenes para cada  una de las opciones de la consulta.

Si os fijáis en el tríptico que abre esta entrada en mi blog y que aparece en el microsite que el ayuntamiento ha dedicado a la consulta de la Diagonal, combina tres imágenes, cada una de ellas representa una de las opciones para la Avenida Diagonal. Las dos opciones que apoya el consistorio barcelonés son las que aparecen a la izquierda y en el centro, la tercera la descarta, se trata de la opción C, es llamada "ninguna de las otras dos", que ya nos da una pista de por donde van los tiros.

Pues bien, en las dos primeras imágenes que componen el trípctico luce un sol primaveral, domina el tono verde de esa naturaleza que está en el momento de mayor esplendor, la gente pasea por la avenida o rambla tranquilamente, hay un punto de fuga claro, un horizonte. Sin embargo en la opción C se puede ver un día nublado, otoñal, se aprecian los árboles sin hojas, predominan los tonos grises y marrones, varios planos, una moto en primer término, líneas de coches, un peatón cruzando a paso firme, el edificio al fondo, todos estos planos nos privan de un claro punto de fugo, de un horizonte.

Teniendo en cuenta que las dos primeras imágenes son imágenes virtuales, ¿por qué no se ha dado el mismo tratamiento que en la imagen existente (opción C).? Que cada cual opine pero pienso que se ha utilizado una combinación de imágenes que engañan y pueden hacer cambiar la opinión de algunos ciudadanos.

Es curioso también que hasta hoy en día había visto ejemplos de manipulación con imágenes del tipo retoque de photoshop u otros trucos en ampliadora como los famosos de Stalin, de Franco o de Mao, pero en este caso la manipulación viene por la elección y disposición de imágenes no manipuladas individualmente. Es una manipulación basada en la edición.

viernes, 14 de mayo de 2010

Passanant Foto 2010

 © Pedro Arroyo. Paisaje de Passanant i Belltall

Este fin de semana pasado se celebró en el pequeño pueblo de Passanant la quinta edición del festival de fotografía Passanant Foto, festival organizado por Josep Bou y Teresa Jové.

Ésta ha sido mi primera asistencia, además de descubrir un escenario estupendo, he podido disfrutar con las intervenciones de dos grandes fotógrafos, muy similares en cuanto a su manera de afrontar el acto fotográfico pero muy distintos en cuanto al sujeto que es protagonista en su obra.

© Chema Madoz.

De una parte Chema Madoz, muy conocido ya por todos, pocas novedades se pueden decir cuando se habla de él, sin embargo hay algunas cosas que desconocía y me llamaron la atención durante su intervención. Madoz nos explicó su carrera desde los inicios y conocimos de su mano alguna anécdota, una de ellas es la que le llevó a comprarse una cámara. Desde muy joven le gustaba la música así que  empezó a ahorrar con la intención de comprarse un buen equipo, cuando ya habia reunido el dinero necesario y se decidió a comprarlo, éste había subido tanto de precio que cambió de opinión y optó por comprarse una cámara.

Pronto empezó a disfrutar con la fotografía y como su restricción presupuestaria no le permitía viajar se dedicó a fotografiar lo que tenía cerca. Entre sus primeras experiencias estuvo la de fotografiar a sus amigos, buscando la interacción de los mismos en el territorio, eligió para ello un polígono industrial. Pero cada vez más empieza a fijar la mirada en los objetos y es cuando ya da el salto al medio formato y cuando el bodegón constituye para él su único motivo fotográfico, cuestión que perdura hasta la actualidad.

También nos explicó que en sus inicios se sintió como si fuera contracorriente pues insistía mucho en la composición, dedicándole gran parte de su tiempo. Siempre quizo ser aficionado, no quería trabajar por encargo, sin embargo claudicó ante la oferta de un diario debido a que destestaba su trabajo y era la única manera de dejarlo. Realmente lo que quería era emocionarse con sus imágenes como lo hacía con las de otros, entre estos él mismo nos citó a Kertész, a Magritte o a Duane Michals.

Otros aspectos que me sorprendieron de su charla fue saber que en su taller (no se atreve a llamarlo estudio) no utiliza ningún tipo de iluminación controlada, todo es iluminación natural. Esta es una de las características de sus bodegones, tienen luz natural, eso implica un gran trabajo para conseguir moldear esa luz no controlada, él dice que con el tiempo ha acabado por dominar la luz que entra en su taller.

Para acabar nos dijo que él no quiere provocar risa en el espectador cuando ve sus imágenes sino quiere descolocarlo con una segunda lectura del objeto fotografiado, es tan sólo eso, tarea nada fácil por otra parte y que consigue con maestría.

© Jesús Micó.

La otra intervención vino de la mano de Jesús Micó, ganas tenía de escucharle pues había oido buenas críticas de él y tengo que deciros que no me defraudó para nada. Jesús Micó combina el academicismo en sus explicaciones con una pasión, incluso visceral en algún momento, en la plasmación de sus proyectos.

Nos habló de la relación entre fotografía y existencia, de la preocupación de muchos fotógrafos en mostrar lo que tienen delante de la cámara en lugar de mostrar lo que hay detrás de la cámara, él ha optado por este segundo camino, de como la fotografía y la vida personal se pueden retroalimentar para conseguir un fructífero proyecto fotográfico y vital.

Nos mostró también una proyección de imágenes de las dos etapas de su proyecto Natura Hominis, el llamado taxonomías que pretende una desmitificación del desnudo mediante una serie de retratos de cuerpos, donde la repetición lleva a una democratización del desnudo, gracias también a la falta de identidad en estos retratos. Por otra parte escenarios, la segunda etapa del proyecto, pretende ser un diario autobiográfico del autor en imágenes de gran tamaño, éstas compuestas a su vez de mosaicos de otras imágenes y presentadas en murales con una altura de 8 metros, recuerdan en cierta manera a imágenes de David Hockney.

Además de las intervenciones de Madoz y Micó, vistamos unas exposiciones en diferentes ubicaciones del pueblo de Passanant. En una se mostraban imágenes del proyecto Dubailand de Aleix Plademunt, que no pudo estar presente ya que estaba en Vancouver tomando imágenes para su próximo proyecto.


© Pedro Arroyo. Chema Madoz visitando la expo de Aleix Plademunt

En la sala donde se podían ver las imágenes de Plademunt, la organización obsequió a aquellos que habían asistido a las cinco ediciones que se han celebrado del festival, premiando así su fidelidad al evento.

© Josep Bou. Participantes en Passanant Foto 2010

© Pedro Arroyo. Asistentes a las 5 ediciones del festival

Al final de la jornada se presentó el libro "Viatge a la conca de Barberà 1", iniciativa también de Josep Bou y Teresa Jové, donde se recogen imágenes de varios pueblos de la comarca realizadas por diferentes fotógrafos, donde destacaría el trabajo de Eugeni Gay, que ha conseguido captar el carácter cautivador de Passanant abstrayendo ciertos elementos de su paisaje y dándole un aire misterioso. Podéis ver las imágenes que Eugeni Gay ha realizado para este libro aquí.

© Pedro Arroyo. Presentación del libro "Viatge a la Conca de Barberà 1"

© Eugeni Gay. Imagen de Passanant

viernes, 23 de abril de 2010

Feliz Sant Jordi!

© Josef Sudek.

Os deseo a todos un Feliz día de Sant Jordi!

... y aprovecho para haceros un doble regalo, por una parte las rosas que fotografió Josef Sudek y por otra "Una ventana en Praga", el libro con más fotografías suyas, publicado con motivo de una exposición organizada por el Círculo de Bellas Artes de Madrid.

Os recomiendo que visitéis a fondo esta web porque podéis acceder a una copia digital de la mayor parte de los catálogos de sus exposiciones, desde el Graffiti de Brassai hasta Sinónimos de Jaume Plensa, dos de mis preferidos, pasando por otras muchas publicaciones.

martes, 20 de abril de 2010

Fotografiar "al estilo Martin Parr"

 
Hace unos meses Martin Parr recibió una invitación para asistir al Festival de Artes de Berlín, como éste no podía asistir invitó a su amigo el también fotógrafo Joachim Schmid. Este último aceptó  la invitación pero ya que asistía ocupando el lugar de Parr, como agradecimiento, se dedicó a fotografiar durante el festival "al estilo Martin Parr", de esta manera sería como si hubiera estado allí presente.

Por otra parte y conociendo la atracción de Schmid por el archivo fotográfico hizo una edición de imágenes al estilo Parr que habían sido colgadas en un grupo de flickr llamado On a Martin Parr. Como contraprestación a los afortunados autores de las imágenes les regaló un ejemplar del libro que publicó en blurb.com con estas imágenes apropiadas y las que hizo él mismo, vaya dos tipos de "apropiacionismo".

El resultado de todo ello es un libro que fue publicado en blurb.com. Viendo el resultado hay que reconocer que Parr ha creado todo un estilo identificable, ¿quien no ha hecho alguna vez fotos "al estilo Martin Parr" aun sin querer?



Y para acabar otra de las genialidades que cuelga Joachim Schmid en blurb.com, una versión de trabajos de Ed Ruscha, imagino que echando mano de google maps.

domingo, 18 de abril de 2010

Taller "Contando historias" con Fosi Vegue.

© Pedro Arroyo. Fosi durante el taller.

El pasado fin de semana participé en un taller organizado por la escuela Blankpaper y que impartió  Fosi Vegue, fotógrafo que descubrí el pasado FotoPress 09 cuando vi expuesto su trabajo "Grandes Exitos" y al que dediqué una entrada en mi blog. Más tarde vi otros trabajos suyos y me pareció que tenía un portfolio interesante, en el que explicaba historias con imágenes de una manera muy clara, esto unido a que últimamente he visto trabajos interesantes de fotógrafos que han pasado por las aulas  de Blankpaper, como Antonio Muñoz de Mesa o Alberto Lizaralde, ello hizo que me apuntara a este taller.

El taller fue eminentemente práctico, los que asistimos traíamos imágenes de proyectos en curso para que Fosi nos diera pautas de como seguir desarrollando nuestro trabajo de manera que pudieramos llegar a explicar una historia con la serie de imágenes que estamos trabajando. Fue trabajo de edición, que por primera vez hice en papel pues siempre edito mis fotos con Adobe Bridge, pero que sin embargo me ha gustado mucho este sistema.


© Pedro Arroyo. Editando el trabajo de Ángela Sebastián.
© Pedro Arroyo. Editando el trabajo de Christian Robles.

Me llamó la atención la habilidad de Fosi para darnos referentes en los que inspirarnos para nuestros trabajos. Continuamente nos mostraba libros de otros autores, verdaderas joyas las que tienen en la biblioteca de la escuela Blankpaper de Castellón.

De entre los trabajos que vimos y que yo desconocía, me gustaron especialmente el trabajo "Everyday, a yearlong photo diary" del refotógrafo Byron Wolfe. Un año en la vida de una familia que ve como una generación desaparece mientras otra crece, todo ello jugando con las cuatro estaciones del año. Estas imágenes sencillas salidas de una cámara compacta de gama baja juegan muy bien a la hora de formar una serie y explicar esta historia.

 © Byron Wolfe

Otro trabajo que vimos y me impactó fue el de Paulo Nozolino, "Far Cry", un sorprendente libro de viajes que rompe con los esquemas de este género de fotografía, blanco y negro, nada descriptivo sino evocador, lleno de  imágenes atemporales que captan densas atmósferas.

 © Paulo Nozolino

Muy interesante el trabajo de retratos de Doug Dubois "... all the days and nights", en el que él mismo retrata a su familia a lo largo de 20 años con un parón de siete.

© Doug Dubois

También destacaría el libro de Darin Mickey que lleva por nombre "Stuff i gotta remember not to forget", donde se cuenta la triste y rutinaria historia de un empleado norteamericano.

© Darin Mickey

Otros trabajos que vimos, entre otros muchos, fueron "Family Business" de Mitch Epstein, "Cantos al desierto" de Richard Misrach, "Cape Light" de Joel Meyerovitz, "Making parts" de Alec Soth, "The winter" de Lars Tunbjörk,  "The New West" de Robert Adams, "American prospects" de Joel Sternfeld y "Evidence" de Larry Sultan y Mike Mandel.

Echad un vistazo a estos libros porque nos dan muchas pistas de cómo poder editar nuestras imágenes para que en conjunto y vistas en papel puedan cobrar un sentido. Además de mirar detenidamente estos libros, Fosi nos recomendó leer los dos volumenes de "Photobook: A History", escritos por Martin Parr y Gerry Badger, donde se nos explican muchas claves de la edición analizando grandes libros de la historia de la fotografía como pueden ser "The Americans" de Robert Frank.
 
© Pedro Arroyo. Fosi mostrandonos el libro de 
Doug Dubois "... all the days and nights.

También hubo tiempo para ver proyecciones, como el impactante audiovisual "El ojo en la llaga" de Iñaki Domingo o el inédito "India" de David Jiménez, que por cierto este pasado viernes volví a ver en una sesión que David dió en la escuela de fotografía GrisArt, él mismo nos dijo que aún no se encuentra en su página web.

© Pedro Arroyo. Durante una proyección de imágenes de Edward Weston.

Por último agradecer a todos los compañeros que participaron en el taller porque aprendí mucho de ellos también, la mayoría eran estudiantes de la escuela blankpaper de Castellón y presentaban unos proyectos muy interesantes. También quiero agradecer por su acogida en Castellón a Lidón Forés y Julián Barón.

sábado, 27 de marzo de 2010

Cómo un proyecto documental con el tiempo puede devenir proyecto artístico

© Las Vegas Studio: Images from the Archive of Robert Venturi and Denise Scott Brown, 2008

Hace unos días gracias a American Suburb X descubrí una serie de imágenes de Las Vegas realizadas en el año 1968, obra de Robert Venturi y Denise Scott Brown. Me pareció una serie fantástica, con esos tonos desaturados tan clásicos del color de los 60, esa luz del desierto americano, esos motivos surrealistas a más no poder como son todos los monolitos-anuncio de casinos, hoteles y un sinfín de negocios dedicados al ocio, en fin me pareció una serie muy estética, un viaje por  las calles de Las Vegas de los 60. Hasta aquí todo bien, hasta que, como es habitual, me pongo a investigar quienes fueron esta pareja de autores y sorpresa, esta pareja no eran fotógrafos sino arquitectos.

Robert Venturi y Denise Scott Brown eran por entonces profesores de arquitectura en la Universidad de Yale y organizaron para sus alumnos un viaje de pocas semanas a Las Vegas, era un viaje que tenía por motivo reflexionar sobre la arquitectura que se hacía en la ciudad del ocio por excelencia. El fin era realizar un trabajo con las conclusiones a que llegaran durante el viaje, para ello tomaron abundante material gráfico, ya sean fotografías o filmaciones de video. 

Finalmente en 1972 fue publicado el libro "Learning from las Vegas" (1) que recopilaba las conclusiones del estudio así como parte del material fotográfico para apoyar los textos. Es decir, esas fotografías no se hicieron más que con la voluntad de ilustrar unas ideas o descripciones de elementos arquitectónicos, en ningún caso tenían pretensiones artísticas. Este libro tuvo mucha repercusión en el mundo de la arquitectura y actualmente se realizan relecturas del mismo (2).

© Robert Venturi/Denise Scott Brown. "Learning from Las Vegas", 1972

En el año 2008, Venturi y Scott Brown echaron un vistazo a su archivo fotográfico y rescataron estas imágenes y algunas más que ahora han sido publicadas en el libro "Las Vegas Studio: Images from the Archive of Robert Venturi and Denise Scott Brown". En él aparecen imágenes inéditas que no fueron publicadas en 1972, así como un interesante ensayo en el que se habla de los antecedentes de las imágenes que tomaron Venturi y Scott Brown del Strip de Las Vegas (el boulevard que recorre la ciudad y en el que se situan los casinos y otros negocios) que tuvo una inspiración en el "dead pan" de Sunset Strip que fotografió Edward Ruscha, de hecho de camino de Yale a Las Vegas hicieron una parada antes en el estudio de éste en Los Angeles. También se habla en este ensayo sobre las interelaciones en esa época con la fotografía del New Topographics y en concreto con Stephen Shore, quien en 1972, fecha en la que se publica "Learning from Las Vegas", inicia un viaje por la América rural que le llevará hasta Amarillo (Texas), fotografiando algunos de los motivos que eligieron la pareja de arquitectos y que después tomaría forma en el libro Uncommon Places.

 © Edward Ruscha, "Every Building on the Sunset Strip", 1965

© Robert Venturi/Denise Scott Brown. "Learning from Las Vegas", 1972

El ensayo se completa con un interesante diálogo entre el artista suizo Peter Fischli y el arquitecto alemán Rem Koolhaas, en el que hablan sobre las influencias en las imágenes que tomaron Venturi y Scott Brown, que incluso llegan hasta el cine de Antonioni.

Entre ambas partes del ensayo hay 135 páginas que muestran las imágenes del viaje con una edición determinada, en la que algunas imágenes aparecen a doble página, otras pequeñas a una sola página, varias compartiendo una página, ... no se muestran de manera secuencial y lineal. Esto me hace pensar que los autores nos quieren explicar con esta secuencia de imágenes algo más que no nos contaron en el original "Learning from Las Vegas". Esto unido al atractivo de esa estética sesentera del color y a esos planos en algunos momentos descuidados que nos muestran tal cual era Las Vegas es lo que para mi hace que un proyecto que inicialmente era documental pueda pasarse a calificar de artístico, por lo estético y subjetivo que tiene.

Aqui tenéis unas cuantas imágenes de esas 135 paginas, una maravilla, en dos de ellas aparecen ambos autores, por cierto es a ella a quien se da la autoría de la mayoría de las imágenes. Miradlas y decidme si no podrían formar un proyecto fotográfico por sí solas, sin apoyar ningún texto.

© Las Vegas Studio: Images from the Archive of Robert Venturi and Denise Scott Brown, 2008
© Las Vegas Studio: Images from the Archive of Robert Venturi and Denise Scott Brown, 2008


© Las Vegas Studio: Images from the Archive of Robert Venturi and Denise Scott Brown, 2008

© Las Vegas Studio: Images from the Archive of Robert Venturi and Denise Scott Brown, 2008
© Las Vegas Studio: Images from the Archive of Robert Venturi and Denise Scott Brown, 2008
© Las Vegas Studio: Images from the Archive of Robert Venturi and Denise Scott Brown, 2008
© Las Vegas Studio: Images from the Archive of Robert Venturi and Denise Scott Brown, 2008
 © Las Vegas Studio: Images from the Archive of Robert Venturi and Denise Scott Brown, 2008

(1) Extracto del libro "Aprendiendo de las Vegas"
(2) Versión en pdf de "I'm a monument, on learning from Las Vegas", Aaron Vinegar. MIT Press, 2008.

sábado, 20 de marzo de 2010

Cuestiones acerca de Frederic Ballell

© Frederic Ballell. Arxiu Fotogràfic de Barcelona.

Supe de la obra de Frederic Ballell hace unos meses tras visitar la exposición que recordaba los sucesos de la semana trágica de Barcelona, aunque en ese momento profundicé más en la obra de Adolf Mas o Narcís Cuyás que me recordaban a mi predilecto de principios de siglo, Eugene Atget.

Sin embargo ahora sí he podido disfrutar de la obra de Ballell en el paseo por la Rambla que se nos propone en la visita de la estupenda exposición organizada por el Arxiu Fotogràfic de Barcelona de imágenes realizadas por  este fotógrafo durante los años 1907 y 1908. De esta exposición he salido con algunas cuestiones que trato de exponer aquí.

Al ver las imágenes de la Rambla de Ballell, uno en un primer momento, dado que se trata de los primeros años del siglo XX, piensa en cámaras de gran formato pero a continuación piensa que hubiera sido imposible realizar este tipo de fotografía tan instantánea e inmediata digna de un fotoreportero de los años 1920. Debía pues llevar consigo una cámara ligera o en todo caso bastante portable.

Esta cuestión de la portabilidad de la cámara viene en parte explicada al ver el tipo de copias (ennegrecimiento directo) que se muestran en la exposición, son imágenes positivadas por contacto y dado que el tamaño de las copias es de 9x12 cm, es obvio que Ballell utilizó placas de vidrio (colodión seco) a igual tamaño que las copias (1). Este dato concuerda con una publicación del Arxiu Fotogràfic de Barcelona (2).

Otra explicación viene dada por dos imágenes de Frederic Ballell que aparecen en un libro (3) que editó también el Arxiu Fotogràfic de Barcelona en el año 2000 con motivo de una exposición para dar a conocer su obra, ya que a pesar de estar considerado actualmente uno de los fotoreporteros más importantes de principios de siglo, no fue hasta que el Arxiu Fotogràfic de Barcelona catalogó su obra que se reconoció su importancia. Pasó así a engrosar la lista de fotoreporteros de principios de siglo junto con Castellà, Brangulí o Merletti.

Las fotografías de las que hablo son las que aparecen a continuación, en una de ellas podemos ver la sombra del propio Ballell proyectada sobre una niña jugando, una foto realmente inquietante que podría haber inspirado imágenes posteriores de Laszlo Moholy-Nagy por el uso de la autosombra sobre un niño. En la otra imagen aparece un fotógrafo (o quizás fotógrafa, ¿primera fotoreportera?, lo dejamos para otra entrada...) cubriendo una competición de motor con una cámara y un maletín a cuestas. Esta imagen de un compañero de profesión que muestra el equipo que llevaba coincide con la sombra de la primera imagen con lo cual podemos aceptar que ese debía ser su equipo.

Podemos considerar este equipo no tan voluminoso aunque sí algo pesado, pero no tanto como otros formatos, lo cual posibilitó la tarea de fotoreportero.

© Frederic Ballell. Arxiu Fotogràfic de Barcelona.
© Laszlo Moholy-Nagy.1926

Otra cuestión es la referente a como eran publicadas en la prensa las imágenes que Ballell realizaba, pues el negativo era una placa de vidrio y el copiado era por ennegrecimiento, proceso que necesitaba de mucho tiempo, realizar copias para todos los ejemplares era tarea imposible. Parece ser que se utilizó el procedimiento del "halftone", por el cual se conseguía fijar en una superfície textil una serie de puntos con diferentes tonalidades que daban lugar a la imagen positiva al ponerlo en contacto con el papel. De esta manera se podían hacer de manera rápida muchas copias sobre papel que después sería utilizado para imprimir el texto de la publicación (4).

Para acabar, una tercera cuestión, referente a la etiqueta que se pone a las imágenes de Ballell. Ballell ha pasado a la historia como fotoreportero, dado que publicó imágenes en diversas publicaciones de prensa como fueron Ilustració Catalana o la revista Feminal entre otras, sin embargo de las fotografías que tomó de la Rambla no fueron publicadas más que unas pocas, eso unido a que dichas imágenes no muestran escenas notables o que significaran un hecho noticioso, como puede ser la serie de imágenes de vendedores, de personal de limpieza de las calles, de limpiabotas, de quioscos, ... hace que en mi opinión entren más dentro de la fotografía documental o incluso en algun caso en la fotografía de calle.

Esto sin contar algun fotomontaje que no deja de ser curioso, como el que hizo de unas señoras a la puerta de la "viajera" Iglesia de la Concepción, donde las dos primeras de ellas son tomadas de otra foto suya de la Rambla, en que una mujer oculta su cara para que no aparecer reconocible, curiosa actitud por otra parte, de todas las imágenes que he visto de esa época nadie se ocultaba ante el fotógrafo, parece una actitud muy moderna, quizás por ello Ballell la aprovechó en otra ocasión, porque debía sorprender.

© Frederic Ballell. Arxiu Fotogràfic de Barcelona.

Ayer también aproveché para visitar en el Palau Reial la exposición “Cerdà i Barcelona. La primera metrópoli (1853-1897)”. En ella se pueden ver imágenes próximas en tiempo a las de Ballell, de una Barcelona en creación. Muy recomendable ver el audiovisual realizado por nueve ojos utilizando la técnica de After Effects para conseguir una visión en 3D de las postales de época, pequeñas obras maestras que cada vez aprecio más y que han sido el punto de partida de uno de mis proyectos en curso, el de los monumentos viajeros de Barcelona.

Añado un fragmento extraido del audiovisual de 13 minutos "Barcelona, visions de la primera metròpoli" en el que por cierto aparecen dos de los monumentos viajeros.


____________________________________________________________
(1) Fotografía y radiología en la obra del Dr. César Comas Llabería. Punto 3 Contexto Fotográfico. Portolés Brasó, Francesca 
(2) Barcelona fotografiada. Arxiu Fotogràfic de Barcelona.
(3) Frederic Ballell, fotoperiodista. Arxiu Fotogràfic de Barcelona.
(4) B. MM Núm. 65. 2005.

viernes, 12 de marzo de 2010

La pintura holandesa del s. XVII como referente en la fotografía de retrato


Durante el taller de Eduardo Momeñe salieron a la palestra multitud de autores, pero uno de los que me llamó más la atención fue Desiree Dolron. Su trabajo Xteriors es una serie de retratos donde la iluminación es impecable y recuerda mucho a los retratos que hacían los pintores holandeses del siglo XVII.

En esta primera pareja de parecidos razonables, Dolron recrea la iluminación que utilizó Johannes Vermeer para su cuadro "la joven de la perla" en una de las imágenes de su proyecto Xteriors. Tal como recreamos esta escena en clase de iluminación con Marcelo Isarrualde, Dolron debió utilizar una o varias cajas de luz en un eje horizontal para poder iluminar suavemente ambos lados de la cara y una caja de luz más al otro lado de la modelo para rellenar las sombras, allá donde no llegaba la iluminación de la fuente principal. El resultado es que se favorece mucho la fisonomía de la persona retratada con un contraste reducido pero que permite ver los volumenes del rostro con detalle.

En la segunda imagen de la serie Xteriors, el referente esta vez es "Lección de anatomía del Dr. Nicolaes Tulp" de Rembrandt. La iluminación que utilizaba este pintor ha quedado como un esquema básico y toma de él su nombre. Se trata de una iluminación situada a 45 grados respecto a cámara y oblicua respecto al plano horizontal formando también aproximadamente 45º.

Para acabar, curiosamente una imagen interior de la serie Xteriors puede haberse inspirado en el cuadro "La visita" de un tercer pintor holandés, Pieter de Hooch, contemporáneo de Vermeer y Rembrandt pero especializado en reproducir escenas de interiores donde la iluminación era crítica
Related Posts Plugin for WordPress, Blogger...