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domingo, 14 de abril de 2013

Cuestiones tras visitar la exposición "Seducidos por el arte: pasado y presente de la fotografía"

Hace unas semanas escribía una entrada acerca de la exposición "Seducidos por el arte: pasado y presente de la fotografia" desde en un punto de vista inverso al que proponía la muestra. Ahora me gustaría añadir algunos aspectos interesantes que se pueden ver en dicha exposición. Como comentaba en su momento, el leit-motiv que defiende la muestra es la influencia que ha ejercido la pintura y la escultura sobre la fotografía, una disciplina más joven que las dos primeras en la función de representar la realidad. Esta influencia se puede ver a varios niveles, desde la elección de los mismos temas clásicos de la historia, la religión y la guerra hasta el uso de formatos que los equiparan en tamaño las fotografías a las pinturas commemorativas o a las miniaturas, según el caso, o por su aspecto (p.e.: pictorialismo), pasando por el uso de los clásicos géneros pictóricos; retrato, desnudo, paisaje y bodegón.

La exposición es muy extensa y plantea muchos temas adicionales al principal como son las influencias entre diferentes disciplinas artísticas, éstas no son compartimentos estanco, la reproductibilidad del arte y el aura de la obra única, el consumo de arte pictórico por el gran público, el efecto de la memoria en la percepción visual de las grandes obras pictóricas, el uso de belleza y violencia en el arte (precísamente las obras que abren y cierran la exposición tienen estas características) o el propio proceso creativo en fotografía.

Desarrollando el primer aspecto referido a la influencia entre diferentes disciplinas artísticas, la primera obra de la exposición ya nos introduce este concepto. La impresionante caja de luz "The destroyed room", obra de Jeff Wall es una reinterpretación de la obra "La muerte de Sardanápalo" de Eugène Delacroix, que a su vez se basa en un escrito homónimo de Lord Byron. Por otro lado, la fotografía de Wall inspiró el movimiento contracultural y fué utilizada por la banda Sonic Youth para uno de sus discos. Este es un buen ejemplo de las inluencias entre las diferentes disciplinas artísticas.

Dominó de influencias. Lord Byron, Eugène Delacroix, Jeff Wall, Sonic Youth
Walter Benjamin ya nos habló de la desaparición del aura de la obra de arte debido a la reproductibilidad que nos dan las nuevas tecnologías, la fotografía lo permite cláramente. Muchos fotógrafos, para conseguir que sus obras fotográficas no pierdan ese aura que da mayor valor a la obra en el mercado, han optado por realizar copias únicas de su trabajo, sería el caso de artistas como Richard Learoyd que realiza positivos directos con camera obscura. Él mismo revela sus imágenes de gran tamaño, algunas a escala real, en su propio laboratorio, uno de los siete que hay en el mundo con capacidad para revelar ilfochrome de 50 pulgadas de ancho. Se dice que Jeff Wall tiene otro de esos exclusivos laboratorios.

Richard Learoyd. Man with Octopus Tattoo II, 2011. Obra única. 148.6 x 125.7 cm
Os invito a ver una conferencia que dió hace dos años en el ICP de Nueva York, en ella explica su proceso creativo y nos muestra su técnica en detalle.

Exterior de la cámara obscura de Richard Learoyd. Fotograma extraido del vídeo de su conferencia en el ICP.
Inerior de la cámara obscura de Richard Learoyd. Fotograma extraido del vídeo de su conferencia en el ICP.
Laboratorio de Richard Learoyd. Fotograma extraido del vídeo de su conferencia en el ICP.
La exposición también muestra obras que nos acercan a la dimensión física de la obra, de la que también habla Stephen Shore, y de cómo es nuestra aproximación a la obra de arte, de cómo las consumimos. Todo el mundo conoce la Gioconda pero ¿cuantos la han visto en vivo y en directo?, no es lo mismo ver una reproducción de una obra pictórica o un daguerrotipo en un libro a verlo en una sala expositiva, de ello nos habla la obra de Jorma Puranen que se puede ver en Caixaforum, una fotografía que deja al descubierto las diferentes capas de pintura que conforman la obra.

Jorma Puranen. Shadows, Reflections (after Goya). 2011
En Caixaforum se puede ver también una obra de José Manuel Ballester que ilustra la influencia de la memoria en la percepción de las obras. Ballester hace desaparecer el rastro humano de una serie de obras pictóricas famosas, de manera que al ver las imágenes manipuladas, intentamos recrearlas a partir del recuerdo que guardamos de la pintura original. El concepto de esta obra está en línea con las teorías de la percepción desarrolladas por Rudolf Arnheim sobre la percepción visual o de un más cercano Arnau Puig.

José Manuel Ballester. 3 de Mayo. 2008. Edición de 2 + 1 PA
Un tema que introducía y que desarrollé en una entrada anterior es la combinación de belleza y violencia, algo que surge por la coincidencia de obras al inicio y al final de la exposición. Por una lado "The destroyed room" de Jeff Wall y por otro Ori Gersht y su "Big Bang", que consigue arrancar una pequeña sonrisa a quienes ven el vídeo.


Y para finalizar, el último tema sería el referente al proceso creativo en fotografía, algo que los fotógrafos sufrimos respecto a los pintores. Existe, entre el público general, una opinión de que la fotografía se resume en un clic y eso, claro está, anula cualquier posibilidad creativa. Por otro lado los fotógrafos tratamos de concienciar que el acto fotográfico no es un acto mecánico sino un acto intelectual y que en muchos casos la fotografía tiene un proceso de creación en el que el autor "construye" la obra, asimilándose la fotografía a un sistema aditivo de representación como es la pintura. Sería el caso de autores como Beate Gutschow o Jeff Wall, ya desarrollé este aspecto en una entrada anterior.

En la exposición, Maisie Broadhead muestra un audiovisual utilizando la técnica del time-lapse para mostrarnos el proceso creativo para llegar a una obra de los fotógrafos Hill y Adamson, un buen ejemplo de todo lo que rodea a un clic.


Resumiendo, una exposición que muestra obras de arte magníficas y que introduce muchos temas sobre la fotografía y su incursión en el circuito del arte, muy recomendable visitarla, tenéis hasta el 19 de mayo de 2013 en Barcelona, más adelante se podrá ver en Madrid.

miércoles, 27 de marzo de 2013

La belleza de la violencia, el caso de Ori Gersht

¿Puede provocar belleza la violencia? Sé que empezar esta entrada con esta pregunta puede escandalizar a algunos pero surge viendo los audiovisuales que crea el artista israelí Ori Gersht

Ori Gersht, Time After Time, Untitled #09, 2007
Estos días se puede ver una de sus obras, Big Bang, en la exposición "Seducidos por el Arte" en Caixaforum Barcelona. Esta obra muestra un ramo de flores perfectamente dispuesto en un jarrón de cristal, que tras unos segundos de calma y posterior pequeño pitido, a modo de sirena, explota haciéndose añicos. El resultado es un espectáculo para la vista, miles de fragmentos de diferentes colores se entremezclan al salir despedidos del centro. 

Pero, ¿es sólo el espectáculo de colores al que me refiero o además esa acción violenta es bella por sí sola?. Lo que tenemos claro es que la obra ha sido generada por una acción violenta, una detonación de explosivos ocultos entre las flores préviamente congeladas gracias a un baño de nitrógeno. ¿Podríamos decir que esa acción violenta nos ha gustado? ¿Podríamos concretar si ese placer visual ha sido el espectáculo posterior a la explosión o la propia explosión puede agradar al espectador? En este sentido deberían hablar neurólogos porque parece que algo hay, la violencia hace que nuestro cuerpo genere dopamina y esa sustancia proporciona placer, en algunos casos de forma anormal, entonces nos encontramos ante casos patológicos.

En definitiva, sí es posible que la violencia genere un efecto de aceptación de la obra, en forma de placer adicional al que proporciona la "belleza visual".


Podría ser el mismo caso de las fotografías que Harold Edgerton conseguía gracias a la utilización del flash estroboscópico. En dichas fotografías un disparo de un arma atraviesa un objeto y lo hace estallar en pedazos, sería un precedente de otra obra de Gesrht, Pomegranate.

Harold Edgerton.
Harold Edgerton.
Podemos observar que en Pomegranate se une el bodegón clásico de Sánchez Cotán con el disparo de Harold Edgerton.

Bodegón de Sánchez Cotán. c 1600
La tranquilidad en la visión del bodegón, en el que no debería pasar nada al tratarse de una naturaleza muerta, se quiebra por un disparo inesperado que rompe una de las frutas del bodegón. Dos elementos, el bodegón y el disparo, que adopta Gersht de artistas anteriores para el uso en su proceso creativo.


El hecho de que el disparo lo veamos a cámara lenta me recuerda otra famosa escena violenta, quizás la más vista en televisión y que generó otros tantos proyectos artísticos, el asesinato de John F. Kennedy. El uso de la cámara lenta proporciona mayor dramatismo a la escena ¿Otro elemento que Gersht adopta para su obra, la cámara lenta durante el acto violento?



En cine también se ha utilizado el acto violento que genera belleza, un ejemplo sería la escena final de la película Zabriskie Point, obra de Michelangelo Antonioni. En ella tras una explosión salta todo por los aires, creando de nuevo imágenes muy estéticas.



La cuestión es si Gersht usa todos estos elementos existentes con alguna idea preconcebida o si son elementos que simplemente funcionan de forma separada y en su caso por acumulación.

Normalmente no me refiero a las nacionalidades de los artistas pero en este caso al inicio de la entrada lo hacía. Gersht es israelí y es importante para entender su obra, los disparos, las sirenas previas a las explosiones, las propias explosiones, ... toda esa violencia forma parte de su vida, son elementos con los que ha aprendido a vivir, que forman parte de su realidad, la sombra de la guerra de Yom Kipur es uno de los capítulos que más influenciaron en su infancia y eso queda patente en su obra, que en su mayor parte gira en torno al pueblo israelí.

Como resumen, decir que nos encontramos ante un artista que ha sabido integrar elementos anteriores a su obra, que por otro lado es muy autobiográfica, consiguiendo resultados muy plásticos. Nos podemos preguntar si ha ido incorporando a su obra elementos artísticos existentes, ¿donde radica su creatividad? Pues precísamente en la combinación adecuada de esos elementos previos que juegan en favor de su discurso.

domingo, 3 de marzo de 2013

Seducidos por la fotografía: pasado y presente de la pintura.

Estos días en Caixaforum Barcelona se puede visitar la exposición "Seducidos por el arte: pasado y presente de la fotografía", cuyo objetivo es mostrar la influencia sobre la fotografía de otras disciplinas artísticas como la pintura o la escultura. 

seducidos por el arte tom hunter
Tom Hunter. Death of Coltelli (2009)
seducidos por el arte eugene delacroix
Eugene Delacroix. La Muerte de Sardanápalo (1827)
No es que sea yo muy susceptible pero el título entraña cierto engaño ¿acaso la fotografía no es arte? El asunto es que esta exposición proviene de la National Gallery, un espacio que no dispone de colección fotográfica y de ahí puede venir ese enfoque. En la exposición se parte de la pintura que busca puntos de influencia sobre la fotografía en los diferentes géneros comunes; el retrato, el paisaje, el bodegón, el desnudo ... Es indudable que esa relación existe, pero es interesante preguntarse si esa relación es en un único sentido o si bien se puede dar de forma bidireccional.

Vaya por delante que se trata de muestra extraordinaria, realmente atractiva, en la que se pueden ver grandes obras de arte, tanto pictóricas como fotográficas, pero me gustaría completar lo que se puede ver en ella, que no es poco, y de paso hablar un poco de la influencia de la fotografía en la pintura, que sólo se toca tangencialmente en alguna obra que se puede ver.

Es indudable que la fotografía ha intentado seguir los pasos de la pintura, entre otras cosas porque nació como medio de representación durante el siglo XIX, mucho más tarde que la pintura, que casi acompaña al hombre de las cuevas, en la prehistoria. Por tanto, era de esperar que la fotografía intentara emular a la pintura, por todo el camino recorrido anteriormente por ésta última.

Dejando de lado el uso de las herramientas própiamente fotográficas como la cámara oscura y otros artilugios utilizados por pintores como Canaletto en sus vedutas venecianas o el uso de fotografías para posteriormente realizar la obra pictórica, como podía ser el caso del  pintor Josep Maria Sert, existen otros puntos de encuentro entre pintura y fotografía que me gustaría desarrollar en esta entrada.

Cámara oscura.
Josep Maria Sert. Bocetos fotográficos
Uno de los objetivos de la pintura, desde sus inicios, fue el de conseguir una representación realista en el retrato. Ésta trataba de conseguir una representación cada vez más perfecta del modelo, como ejemplo nos puede servir la obra "Retrato de un dominico" de Juan Bautista Maino, un retrato fantástico en el que podemos ver, gracias a la técnica del claroscuro, un rostro muy definido y una iluminación fidedigna a aquella época como lo es la luz puntual que podría dar una vela. Es obvio que en aquella época los retratos únicamente eran realizados por los pintores y dado su costoso proceso, el retrato era un género reservado para la gente adinerada.

De izquierda a derecha y de arriba a abajo: Juan Gris, Retrato de Picasso (1912), Alvin Langdon Coburn, Retrato de Ezra Pound (1917), Juan Bautista Maino, Retrato de un dominico (c.1600), Pierre Gonnord, Senen (2009), Picasso, Retrato de Lee Miller vestida de arlesiana (1937), David Hockney, Mother (1985), Antonio Saura, Portrait imaginaire de Frans Hals (1988) y Aziz & Cucher, The Dystopia Series (1994-95).

Y como prueba de esa necesidad de acercarse ansiósamente a la realidad fueron inventados los trampantojos, pinturas que intentaban salir del marco y confundirse con la realidad.

Pere Borrell del Caso. Escapando de la crítica (1874)
La irrupción de la fotografía provocó una reducción de los costos en la generación de esos retratos, sobretodo gracias a las "carte de visite" de Disdéri y eso llevó, además de a una democratización del retrato, a la derrota del retrato pictórico frente al fotográfico, dado por el menor precio y por la mayor precisión en la obra respecto al modelo.

Y es precísamente en este punto en el que quiero comentar la influencia de la fotografía en la pintura. Con la llegada del siglo XX, la pintura se ve abocada, debido en parte a la superioridad del retrato en fotografía, a buscar nuevas fórmulas, a reinventarse y es cuando aparecen movimientos como el cubismo, una pintura que abandona lo figurativo, en el caso de Picasso, llegando incluso al expresionismo abstracto, en el caso de Antonio Saura. Asimismo hay que reconocer que el cubismo pudo ser fuente de inspiración más tarde de artistas que utilizan la fotografía como David Hockney y sus mosaicos fotográficos o bien Saura podría haber inspirado obras como las de la pareja Aziz & Cucher, en la que se desfigura el rostro humano, dejando de lado la representación real para darnos una nueva lectura.

Otro punto en el que la pintura se vio influenciada por la fotografía fue provocado porque el medio fotográfico proporcionó a la pintura un mejor conocimiento del movimiento, gracias a las investigaciones realizadas por Eadweard Muybridge, que en el caso de Edgar Degas fue fundamental a la hora de pintar las escenas protagonizadas por caballos, o bien sus habituales bailarinas.

Eadweard Muybrigde. El caballo en movimiento (1878)


Edgar Degas. Cheval au pas relevé (1881)
Eadweard Muybridge.  “Woman Dancing (Fancy)”. 1887
Edgar Degas. Frieze of dancers. 1883
Aunque la influencia fotográfica en Degas no se hace sólo evidente desde el uso de las investigaciones del movimiento sino también por el uso de formatos de lienzo cuadrados y encuadres muy fotográficos, cortando elementos como si hiciera uso de una cámara, de hecho él también era fotógrafo y hacía bocetos prévios a la obra pictórica con la ayuda de una cámara fotográfica.

Edgar Degas. Cuatro bailarinas. 1899
Edgar Degas. Dancer adjusting her shoulder strap. (Fotografía  ca. 1900)
Y siguiendo con la idea de pintores que adoptan una visión fotográfica, podemos citar a Gonzalo Sicre. En sus pinturas adopta puntos de vista que podrían haber sido tomados a través del objetivo de una cámara, utilizando contrapicados o en ocasiones la profundidad de campo al enfocar en primer término una mano y desenfocar lévemente el fondo. Una prueba de esa visión fotográfica prestada es el homenaje que hace a Jeff Wall en alguna de sus pinturas.
Gonzalo Sicre
Gonzalo Sicre
Gonzalo Sicre.
Jeff Wall. Milk (1984)
Las cronofotografías de Etienne Jules Marey también fueron una influencia para Marcel Duchamp y su pintura "Desnudo bajando por una escalera", como las experiencias de descomposición del movimiento realizadas por los fotógrafos futuristas de pintores como Giacomo Balia.

Etienne-Jules Marey. Descent of Inclined Plane  (ca 1882)
Marcel Duchamp. Nude Descending a Staircase (1912)
 Anton Giulio y Arturo Bragaglia. Typist, Dattilografa (1911)
Balla, Giacomo, Dynamism of a Dog on a Leash (1912)

Quien también ha utilizado la particular imagen fotográfica en sus pinturas ha sido Gerhard Richter, son famosas sus pinturas en las que replica imágenes procedentes del medio fotográfico, photo paintings, con sus defectos propios; trepidación, subexposición, viñeteado y otras aberraciones de las lentes.

Gerhard Richter. Verwaltungsgebäude Administrative Building (1964)
Richter tiene otros trabajos, overpainted photographs, en los que también utiliza fotografías, sin embargo en este segundo caso, pintando sobre dichas imágenes.

Gerhard Richter. Ohne Titel (9.4.89) Untitled (9.4.89)
Recientemente y debido a la creciente importancia que ha tomado la fotografía en nuestra cultura y de la creación de iconos que ha dado lugar, podemos encontrar pintores como Aníbal Vallejo que hacen uso de fotografías icónicas realizadas por Diane Arbus , apropiándoselas pero pasandolas al lienzo.

Anibal Vallejo. Untittled (2009)
Diane Arbus. Roselle (1967)
Y para cerrar esta entrada podemos citar también una serie de artistas que utilizan fotografía en su obra pictórica, no sólamente se inspiran en ella o la utilizan para crear sus  bocetos, sería el caso de artistas como Gino Rubert, que pinta el lienzo pero introduce rostros fotográficos, con un resultado muy interesante.

Gino Rubert.  Nine hands and a bunt forest (2009)
Gino Rubert. Legs mind (2009)
Como podéis ver también ha habido una influencia creciente del medio fotográfico sobre el pictórico, de la que he querido dejar constancia tras visitar la exposición Seducidos por el Arte. Quien sabe si de aquí a un tiempo ya no separaremos pintura, ni fotografía ni vídeo, ... que todas las disciplinas se confundirán, de hecho actualmente se cuestiona el término fotografía en ciertos foros para las prácticas actuales, sobretodo desde la aparición del digital y la hibridación de medios, no andamos lejos ...
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