domingo, 12 de diciembre de 2010

"Early Color" de Saul Leiter

Por fin he recibido en mi casa "Early Color", el libro que recopila imágenes en color del fotógrafo y pintor Saul Leiter. Es un libro extraordinario, creo que pasará a ser la pieza más valorada en mi biblioteca de fotografía. Se han publicado dos ediciones del mismo y las dos están agotadas, de todas formas se pueden conseguir en Amazon algunos volúmenes a un precio que multiplica por 3 ó 4 veces el que tenía originalmente.

Saul Leiter. Early Color. 2006

Es un libro pequeño,  20x20 cm, muy manejable, tapas duras, buen papel, buenas impresiones de las 100 imágenes que lleva. Una pequeña joya, en el video que adjunto podéis haceros una idea aproximada de lo que se siente cuando uno lo tiene entre sus manos.


Por si todavía no lo conocéis, os doy cuatro pinceladas de su biografía. Saul Leiter nació en Pittsbug, en 1923, en el seno de una familia judía. Ingresó pronto en la escuela de teología con la finalidad de ser rabino pero finalmente dejó los estudios de teología para trasladarse a Nueva York y formarse como pintor. Allí conoce al artista Richard Pousette-Dart y empieza a desarrollar una pintura expresionista-abstracta, aunque también empieza a fotografiar.

Pintura de Saul Leiter

El mismo Pousette-Dart y Eugene Smith le animaron a que siguiera fotografiando y comenzó a experimentar con una Leica. Se dedicó a la fotografía de moda, trabajando para revistas como Elle o Vogue pero siguió desarrollando su trabajo personal de fotografía de calle de manera discreta.

Me gusta de Leiter que en sus imágenes de fotografía de calle, en muchos momentos, tiende a la abstracción, jugando con la textura que proporciona mirar a través de cristales mojados, las cortinas de nieve, los múltiples reflejos en escaparates, las siluetas que intuyen personajes, con elementos que inesperadamente entran en escena aunque ocupen una porción pequeñísima de la imagen. También me gustan sus composiciones, utiliza pocos elementos y pocos tonos consiguiendo imágenes de lectura sencilla, su abundancia de imágenes verticales, los colores que conseguía que me recuerdan los que también conseguía Ernst Haas, se dice que debido al uso de carretes caducados y es que Leiter pasó ciertas penurias en algunos momentos y a veces no se podía permitir comprar película nueva.

Me parece fantástico ver este trabajo en el contexto en que se desarrolló, pues Leiter compartió escenario con otros fotógrafos como Robert Frank o William Klein en el Nueva York de los años 50 y sin embargo qué miradas tan diferentes, la de Leiter más introspectiva y serena, intentando buscar orden en el desorden de esas calles.

Clicando sobre la siguiente imagen podréis ver a Leiter explicando su trabajo en una charla que dió en el ICP (International Center of Photography) de Nueva York en enero de 2009.

sábado, 11 de diciembre de 2010

Exposición "La heliografía contemporánea" de Atelieretaguardia

En marzo de 2009 puse en marcha este blog sobre fotografía, era un reto ir publicando información periódicamente por varias razones, entre ellas porque uno está aprendiendo y a veces las opiniones son más preguntas que afirmaciones, de ahi lo interesante de los comentarios que habéis ido dejando en las entradas que he ido escribiendo.

Pero, a pesar del reto que suponía, lo que realmente me hizo decidir a ponerlo en marcha fue el poder compartir trabajos que me parecían interesantes. Y uno de ellos fue el que inauguró el blog, se trató de una sesión de colodión húmedo que hizo el colectivo Atelieretaguardia en los jardines de la librería Kowasa. En ese momento, estaba estudiando historia de la fotografía en la escuela GrisArt y justo habíamos visto los procedimientos iniciales de la fotografía; imágenes fotogénicas, calotipos, daguerrotipos y más adelante el procedimiento de colodión húmedo y fue una gran oportunidad asistir a esa sesión para verlo en vivo y así comprender mejor el procedimiento que utilizaron Eugene Atget o Alvin Langdon Coburn entre otros.

Es algo que todos aquellos a los que les gusta la fotografía, por la magia que desprende sobretodo en los procedimientos analógicos, no deberían dejar de ver.


Atelieretaguardia. Barcelona Expedición Heliográfica.

Bien, pues ahora, tras unos cuantos meses y otras tantas sesiones de trabajo por el camino, exponen sus proyectos  en la  Galería Tagomago. De esta manera, tenemos oportunidad de ver como trabaja este colectivo y de ver sus obras en vivo, todas copias únicas excepto la serie "Estudio sobre el arte de enmascarar", al tratarse de copias  positivadas en papel.

Israel Ariño. Estudio sobre el arte de enmascarar

En la exposición podéis ver tanto trabajos individuales como de grupo, con diferentes técnicas, desde ambrotipos y ferrotipos hasta negativos en papel encerado pasando por positivos en papel, todos producto del uso de procedimientos fotográficos del siglo XIX.

Nada más entrar en la galería Tagomago os encontraréis la serie "Prosopografías", obra de Israel Ariño, una serie de ambrotipos cuyo motivo son unas esculturas de cabezas, en algunos casos rotas, o fragmentadas, de personas que se detienen ante la muerte, a mi me dio por pensar que quizás actúan como una metáfora de la fragilidad de la memoria y de la fotografía como medio para vencer esa fragilidad.

Israel Ariño. Prosopografías.

Comparten espacio con Prosopografías otras imágenes, entre ellas las de la serie "Apollo Epikouros",  una serie que nos muestra el friso de un templo griego que se encuentra en el Bristish Museum de Londres. Asombra la definición de detalles que se pueden observar al ver los ambrotipos que forman esta serie, obra de todos los componentes del colectivo.

En la siguiente sala podemos ver otro trabajo de Israel Ariño del que ya he hablado un poco, me refiero a "Estudio sobre el arte de enmascarar", en esta serie de imágenes se combinan con una doble exposición rostros humanos con bustos de esculturas formando un único sujeto. Nos habla del deseo del hombre por confundirse, por enmascararse, pues esos fragmentos de bustos hacen las veces de antifaz. Los bustos utilizados en esta serie provienen de obras desechadas de una escuela de arte.


A continuación podemos ver un trabajo muy interesante, realizado por Arcangela Regis, al estilo de las imágenes fotogénicas de William Fox Talbot, estas imágenes han sido generadas por contacto de plantas con papel sensibilizado. En mi opinión el resultado es muy estético, con un virado rojizo.

Arcangela Regis. De rerum natura.

Si hasta ahora ya llevamos unos cuantos procedimientos fotográficos,  a continuación sumamos uno más de la mano de Martí Llorens. En este caso el soporte es papel encerado y la imagen obtenida un negativo. Pero Martí en lugar de generar la imagen positiva lo que hace en esta serie es mostrar los negativos retroiluminados, como si los tuvieramos en una mesa de luz pero colgados en la pared como una obra definitiva, me parece esta una buena manera de mostrarlos, pues son obras definitivas. El proceso para conseguirlos, según explica Martí es largo, pero sin duda el resultado vale la pena.


Martí Llorens. Negativo en papel encerado.

En la siguiente serie, Xavier Mulet nos traslada al pasado para presentarnos a "Monsieur Ardan, un gran viajero del siglo XIX". A tal señor se le atribuyen retratos realizados a personas que iba conociendo en sus diferentes destinos; la India, la Capadocia, Estados Unidos, incluso hay algun autoretrato, que nos permite comprobar el gran parecido que tenía con Xavier Mulet.

Xavier Mulet. M. Ardan, gran viajero del siglo XIX.

Podemos también experimentar la sensación de movimiento con el praxinoscopio que hay en la sala y que muestra pequeñas imágenes de M. Ardan girando en torno a sí, debe evocar la sensación de mareo del viajero.

Xavier Mulet. M. Ardan, gran viajero del siglo XIX.

Y el último trabajo que os muestro aquí, aunque si visitáis la galería podréis ver más, es uno de Rebecca Mutell. Se titula Ambrosía y está formado por ambrotipos. Es muy curioso mirar la proyección de la sombra en la pared pues es como estar mirando el negativo de la imagen, que por otra parte no existe, pues estas imágenes son positivos directos.

Rebecca Mutell. Ambrosía.

Como véis merece la pena acercarse a la Galería Tagomago y mirar detenidamente estos trabajos, también podréis ver un video que muesra al colectivo trabajando en la calle, es un poco el making off de Barcelona Expedición Heliográfica.

También deciros que podréis disfrutar de los estupendos dibujos de los componentes de Atelieretaguardia que el ilustrador y fotógrafo Chamo San ha hecho. Si os dáis una vuelta por su página web disfrutaréis y veréis como sacarle partido a las tan actuales Moleskine.

Dibujos de Chamo San

Dibujos de Chamo San

Por último, deciros también que se ha editado un catálogo de la exposición con todas las obras que se pueden ver y textos que explican los proyectos, viene acompañado de un dvd con todas las imágenes y el video que se puede ver en la exposición. Está a la venta en la galería Tagomago.

miércoles, 8 de diciembre de 2010

Los fotógrafos de "Let us face the future"

Ayer me pasé por la exposición "Let us face the future", que se puede visitar hasta el 20 de febrero de 2011 en la Fundació Joan Miró de Barcelona. Iba empujado por las ganas de ver en vivo obras de David Hockney o el atractivo retrato de Juan Gris que podemos ver en muchas banderolas publicitarias en las calles de Barcelona durante las últimas semanas, obra de Patrick Caulfield, sin embargo me encontré con más de ochenta obras interesantes, entre ellas obras de cuatro fotógrafos que os quiero comentar en esta entrada.

Patrick Caulfield. Retraro de Juan Gris. 1963

Como os decía, la muestra recoge más de ochenta obras. Dichas obras fueron realizadas por artistas británicos durante el período que va  del año 1945 al 1968, es decir desde el final de la II Guerra Mundial hasta la revolución de 1968, año en el que se sucedieron diversos acontecimientos tales como el mayo francés, la primavera de Praga o los atentados a Martin Luther King y John F. Kennedy, entre otros. El título de la exposición viene del lema del partido laborista que venció en las elecciones de 1945 a Winston Churchill.

Antes de la visita, imaginaba encontrarme obras de todas las disciplinas, entre ellas la fotografía y dentro de ella pensaba encontrarme con las imágenes de postguerra de niños jugando en la calle típicas de Bill Brandt, cosa fácil de preveer por otra parte, sin embargo no fue así, pues las imágenes que de él me esperaba no las encontré. Al contrario me encontré unas imágenes de paisajes tremendamente pictóricas, incluso pictorialistas pues observando con detalle las copias, parece como si hubiera utilizado un pincel para dibujar los brillos en algunas de las piedras de su imagen de Stonehenge, que fue portada en su momento de la revista Picture Post. Viendo estas imágenes de paisajes de Brandt me he planteado la posibilidad de que haya sido una fuente de inspiración o un referente para Michael Kenna.


Bill Brandt. Stonehenge under snow. 1947
Bill Brandt. Barbary Castle. 1948

De quien sí he visto imágenes de niños jugando en la calle ha sido de Roger Mayne. Desconocía este fotógrafo y su obra. Por lo que he podido leer sobre él, documentó abundantemente la vida de los niños en las calles de Gran Bretaña durante la época de postguerra. Si revisamos su portfolio ese es un tema principal en su obra y todas las imágenes que se podían ver en la exposición en la Fundació Miró tenían como protagonistas a los niños.

Mayne es también famoso por haber realizado la imagen que fue portada de la novela "Absolute beginners" que más tarde se llevó al cine en forma de musical y que fue protagonizada por David Bowie y Patsy Kensit.

Roger Mayne. Girl jiving. 1957
Roger Mayne. Girl about to do a headstand. 1956

Dos fotógrafos más que se podían ver en esta exposición eran Tony Ray-Jones y Nigel Henderson, dos perfectos desconocidos para mí hasta ayer.

Tony Ray-Jones es otro de esos casos de carrera corta pero prometedora, como fue el caso de Francesca Woodman, apenas su obra cubre una década pues falleció a los 30 años. Pronto dejo Inglaterra para marchar a estudiar a la Universidad de Yale, allí conoció a Joel Meyerovitz, Henri Cartier-Bresson o Gary Winogrand entre otros fotógrafos. Vuelve a los cinco años a su país con la intención de documentar festivales y diversas actividades de ocio con ciertas dotes de surrealismo quizás influencia del fotógrafo francés. Su trabajo es muy interesante, podéis ver más de 300 imágenes suyas en Science and Society Picture Library haciendo una búsqueda por su nombre.

Tony Ray-Jones. The City, London. 1967
Tony Ray-Jones. Ballroom, Morecambe, 1968

Tony Ray-Jones. Glyndebourne, 1967

Buscando información sobre Ray-Jones me he topado con un parecido razonable curioso, en este caso se compara una imagen suya con la famosa pintura de Edward Hopper, Nighthawks.

Ray-Jones vs Hopper. Un parecido razonable.

Por su parte Nigel Henderson, al igual que Mayne documentó la vida de la gente en los barrios durante la postguerra, sobretodo en el barrio londinense de Bethnal Green. En su obra se ven influencias de autores franceses como Cartier-Bresson por las escenas cándidas de niños jugando en la calle o juegos visuales de rostros con dibujos en alguna pared próxima, o de autores americanos como Walker Evans, por sus fotografías de escaparates o rótulos.

Nigel Henderson. Peter Samuels. 1951
Nigel Henderson. Bag-wash  1949-53

Pero lo que realmente hizo destacar a Henderson entre otros autores de la época fue la creación de un estilo de fotografía que él denominó "estresada" (stressed photography). Henderson fue relegado del servicio durante la guerra por el estres que le ocasionaba el conflicto bélico. Por ello quiso trasladar ese sentimiento a sus imágenes y para ello realizó múltiples experimentos como la alteración de negativos o poniendo objetos directamente en el papel sensibilizado, muestra de ello es la siguiente imagen.

Nigel Henderson. Boy on a bike. 1952

Para acabar, deciros que en la exposición podemos ver diferentes obras de artistas que de alguna manera utilizan imágenes fotográficas en la producción de obras mixtas como collages. Es el caso de Richard Hamilton, todo un experto en versionear grandes obras pictóricas. Ya había visto su famoso collage "Just what is it that makes today's homes so different, so appealing?" de nombre tan largo, pero es una maravilla ver su collage $he en vivo, en el que hace una crítica a la publicidad dirigida a las amas de casa. Insisto, esta obra ha de verse en vivo, es dificil captar todos los detalles a partir de lo que vemos en la web.

Richard Hamilton. $he. 1958-1961

El otro artista al que quiero hacer referencia es Eduardo Paolozzi. Me sorprendió su serie "Wittgestein in New York", llena de detalles y en la que también incorpora imágenes fotográficas, en concreto en "The Spirit of the snake", retratos del filósofo Ludwig Wittgestein en la parte inferior del cuadro. 

Eduardo Paolozzi. The Spirit of the Snake  1965

De Paolozzi se podía ver también alguna curiosa escultura de un robot, influencia de la película Planeta Prohibido del año 1956.

Y ya al margen de la fotografía, comentaros que sufrí en mis propias carnes el efecto moirée hasta el punto de tener que dejar de mirar un cuadro. Me refiero a las pinturas ópticas de Bridget Riley. A medida que te ibas acercando al lienzo, tus ojos iban acelerando sus movimientos y se agotaban, es dificil de explicarlo pero esos juegos ópticos creo que deben acelerar las fijaciones y los movimientos sacádicos de nuestros ojos.

Bridget Riley. Gala. 1974

miércoles, 17 de noviembre de 2010

"Working Across Time", un taller con Mark Klett

El pasado fin de semana participé en el taller organizado por After Foto BCN y que impartió el fotógrafo Mark Klett en las instalaciones del Arxiu Fotogràfic de Barcelona (AFB).

Analizando las imágenes de Jean Laurent durante el taller en el AFB.

Para los que no conozcáis la obra de Mark Klett, en este blog anteriormente ya he escrito acerca de ella, deciros que gira en torno a los efectos del paso del tiempo y de como éstos se manifiestan en las alteraciones que se producen en el paisaje. Para ello se hace valer de la técnica de la refotografía, es decir de volver a fotografiar aquellos paisajes que en otro momento del tiempo anterior fueron ya fotografiados. La particularidad de estas refotografías es que se mantiene el punto de vista del fotografo que realizó la primera imagen de la serie temporal, es el llamado "vantage point".

Klett ha desarrollado una metodología muy concreta para dar con dicho "vantage point", ya que es el punto determinante para que la refotografía recoja con éxito las diferencias entre los diferentes momentos del tiempo. Dicha metodología nos la explicó durante el taller y la pudimos poner en práctica durante las largas sesiones de campo que hicimos en las localizaciones adyacentes al Arxiu Fotogràfic de Barcelona, como son el Parc de la Ciutadella, la estación de Francia y el Pla de Palau.

Trabajo de campo guiado por Klett en el Parc de la Ciutadella.

El taller se desarrolló a lo largo de tres días, en los que todos disfrutamos de las explicaciones de Mark y donde también hubo espacio para una visita guiada a las instalaciones del AFB de la mano de Jordi Calafell. En ella pudimos ver como son cuidadas con cariño las aproximadamente dos millones de imágenes que forman parte del fondo del archivo. Es una sensación muy especial cuando puedes tener entre tus manos (enguantadas por supuesto) obras históricas como son los libros realizados por Jean Laurent, Charles Clifford o Joan Martí.

Revisando los trabajos desarrollados durante el taller.

En estos días he podido constatar que el cruce entre fotografía e historia me provoca una sensación muy especial y más aun si dichas imágenes tienen como sujeto mi ciudad, Barcelona, entonces este efecto se potencia mucho más todavía, es algo dificil de explicar. En este sentido, la refotografía nos permite analizar el territorio a fondo y conocer o al menos potenciar el interés por resolver ciertas dudas que aparecen cuando observas los cambios producidos por efecto del paso del tiempo. A modo de ejemplo fue interesante observar que el suelo del Parc de la Ciutadella se ha elevado en algunas ubicaciones unos 50 centímetros o que la torre de la basílica de Santa María del Mar ha sufrido modificaciones en su estructura, desde finales del siglo XIX, cosa dificil de detectar a simple vista y que nos hace preguntarnos el porqué de ello.

Ahora nos quedan unas semanas de trabajo por delante para desarrollar las imágenes que empezamos a trabajar durante el taller, todo ello bajo la supervisión de Klett. Esperemos poder mostrar las imágenes en un futuro próximo.

Klett mostrando su cámara Silvestri junto a Manel Serra y John Frederick Anderson.

Por otra parte, fue un placer, gracias a este taller, conocer a todos sus participantes, entre ellos a reputados fotógrafos, como es el caso de Manel Serra y dar la enhorabuena por la iniciativa de este taller a Arqueologia del punt de vista y al Arxiu Fotogràfic de Barcelona que con After Foto Barcelona intentan dar una nueva proyección a las imágenes históricas que forman parte del AFB, que éste no represente un mero almacén de imágenes sino que a partir de él se generen nuevos documentos que recojan los cambios que se dan en Barcelona, dando así una nueva dimensión al archivo.

Participantes: Isidre Santacreu, Marta García, Alex Espinós, Laura Viñals, Jorge Galilea Nin, Pedro Arroyo, Patric Tato, Isabel Codina, Natasha Christia, Ricard Martínez, Mark Klett, John Frederick Anderson,Javier Sardá, en el suelo, Manel Serra. Foto: Jordi Calafell.

jueves, 4 de noviembre de 2010

¿Te apuntas al "Proyecto Hopper" de Santi Gili?

Conocí a Santi Gili hará poco más de dos años, cuando empezamos a estudiar el curso general de fotografía en la escuela GrisArt. Durante estos dos años sin duda hemos aumentado nuestros conocimientos pero quizás más aún nuestra pasión por la fotografía y es que como dice el que fuera uno de nuestros primeros profesores, y actualmente buen amigo, Piko Zulueta, esto de "la fotografía es una droga y engancha".

Santi Gili. Serie Bonjour tristesse

Además de todo esto, Santi es de aquellos que están en constante investigación, lo prueba todo, intentando encontrar la mejor herramienta que le proporcione las imágenes que él busca, todo tipo de cámaras, de aquellas de usar y tirar, reflex digital, analógicas de 35 mm y últimamente anda trasteando con una hasselblad con la que se hizo hace unos pocos meses y que por lo visto en sus últimas series el resultado empieza a ajustarse a lo que él quiere. Pero no me estoy refiriendo a que es una cámara que permite hacer mejores imágenes sino a que se ajusta mejor a su mirada y de esta manera se convierte en una extensión de él. Tampoco en la postproducción se queda corto y quizás es de los más hábiles con Adobe Photoshop de entre los que estudiamos durante dos años, sus imágenes con fotomontajes y sus texturas nos encantaban a todos. Todo esto lo podéis ver visitando su web, daros un paseo por su portfolio.

Edward Hopper. Morning sun

Ahora Santi nos propone ser modelo suyo para realizar una serie de retratos inspirados en las imágenes que realizó el pintor Edward Hopper. Os añado el texto literal de su propuesta.


"Estoy buscando gente que quiera colaborar en un pequeño proyecto fotográfico de retratos en interiores. Si te apetece participar en algo así, por favor, sigue leyendo. Es breve.

El proyecto
Es un proyecto que me sirve de aprendizaje (dominar la luz y dirigir modelos ocasionales o no) y, a cambio, os regalo una copia impresa en papel y otra en digital de vuestro retrato.
Para el proyecto, me quiero inspirar en los cuadros del famoso pintor Edward Hopper (más adelante os adjunto un enlace donde podréis ver algunas de sus obras), por el que me siento fascinado.
De su extensa obra y para esta serie en concreto, lo que busco son retratos en una habitación donde entre luz natural, ya sea desde una ventana o desde una puerta y recrear una escena.

El como
Si te da vergüenza mostrar la cara, pero te apetece mucho participar, también podemos encontrar la manera de disimular el rostro. Incluso aparecer de espaldas.
De igual modo, no es obligatorio que el retrato sea individual, también pueden entrar en escena más personas.
Las fotografías las tomaré usando una cámara de medio formato analógica, cuyos resultados hoy en día me sugieren mucho más que las digitales.

El lugar
El lugar será escogido por vosotros, pero debe cumplir con el requisito de ventana o puerta con luz natural. Pienso que lo más cómodo es que escojas una habitación de tu casa, pero si conoces algún sitio distinto, no hay problema.
Me desplazo donde sea (dentro de la provincia de Barcelona, claro).

En fin, de momento nada más. Para cualquier duda sobre el mismo, podéis mandarme un mail y os lo contestaré encantado. ¿Os puedo pedir que hagáis correr la voz? Busco chicos, chicas, mujeres, hombres... No hay preferencias, sólo ganas de participar."

Os animo a que os unáis al proyecto de Santi, por dos razones sobretodo, una egoista, vais a tener un buen retrato "gratis" y también porque tendréis la oportunidad de conocer a una persona de las que vale la pena, un tipo muy divertido y además una gran persona. Para ello podéis poneros en contacto con él en su dirección de correo.

Santi Gili. Autoretrato

El proyecto Hopper de Santi me parece además muy interesante porque quiere utilizar la luz natural en sus imágenes. Cuando vi su iniciativa sin haber leido todo su texto pensé que, en cierto modo, quería emular a Gregory Crewdson (os recomiendo la lectura de un texto de Arola Valls, docente en GrisArt, donde se explica la influencia de la obra de Hopper en Crewdson), sin embargo en las imágenes de Crewdson la iluminación es artificial. A ver qué nos depara este proyecto de Santi. Le deseo mucha suerte y esperamos los resultados.

domingo, 31 de octubre de 2010

Festival Emergent Lleida 2010

La semana pasada asistí al Festival Internacional de Fotografía y Artes Visuales "Emergent Lleida 2010". Este festival pasa por ser uno de los festivales de fotografía más importantes en cuanto a la promoción de nuevos valores en la fotografía.

El Pati de la Llotja. Emergent Lleida 2010.

El Festival, como muchos otros, contaba con gran número de conferencias y exposiciones, muy interesantes todas, aunque para mí el factor diferencial con otros festivales, además de la promoción de los valores emergentes por las tres convocatorias de premios que se pusieron en marcha, fue  la existencia de un espacio de visionado de trabajos e intercambios de opiniones que se creó y que llevaba por nombre "El Pati de la Llotja".

De hecho, asistí al Festival gracias a una invitación que me llegó de la organización del mismo para participar en dicho espacio, invitación que acepté sin dudar. Cualquier acción para promocionar la creación artística tendrá mi apoyo incondicional.  Al parecer, mi blog fue el motivo por el cual fui invitado al Festival, lo cual me sorprendió entonces y me sigue sorprendiendo ahora, pues apenas este mes de octubre ha cumplido el año de vida. Sin embargo, he de decir que este hecho me parece alentador para seguir en este proyecto que tanta dedicación requiere aunque también es cierto hay que decirlo reporta satisfacción por compartir informaciones o conocimientos con los que yo disfruto también.

Volviendo al Festival, mi tarea consistía en visionar el trabajo de los artistas, haciéndoles alguna recomendación sobre el mismo, simplemente reflexionando sobre su trabajo, conociendo su obra,  como trabajan, etc. En cierta manera aquellos asistentes que veníamos en calidad de bloggers teníamos además una tarea adicional de crear una red que pueda favorecer el contacto entre, de una parteslos artistas y de otra los galeristas, editores, en fin todos los agentes del sector encargados de la comercialización de la obra.

Tengo que decir que este objetivo se está cumpliendo desde el mismo día que finalizó el festival, gracias a las convocatorias de premios que se fallaron durante el festival, en adelante se producirán publicaciones y exposiciones de los trabajos premiados y por parte de todos aquellos que iniciamos una tarea de comunicación de los trabajos que se han expuesto. Yo, por mi parte, intentaré que esos trabajos, que en mi opinión tienen calidad e interés, puedan llegar al mayor público posible a través de mi blog.

No voy a entrar en detalle del trabajo de todos los autores que asistieron al Festival porque en la web oficial podéis encontrar toda esta información. Puedo decir en este sentido que la web del Festival ha sido muy importante para promocionar el evento y han sido actualizados los contenidos de manera muy dinámica, otro punto muy positivo.

Sin embargo y aunque todos los trabajos tenían gran calidad voy a ponerme en un aprieto yo mismo y obligarme a elegir tres trabajos de entre todos los que vimos en el Pati de la Llotja.

El primero de ellos es Inward de Camino Laguillo, un trabajo que nos desvela la falsa intimidad que nos proporciona encontrarnos en el interior de nuestros vehículos. Las imágenes vienen acompañadas de un excelente texto obra de Alejandro Castellote. El trabajo fue premiado por  la galería Valid Foto y por The Private Space, lo cual significa que podremos verlo proximamente expuesto en Barcelona. 


Camino Laguillo junto a Oriol Maspons y Paco Elvira.
Una imagen del proyecto Inward de Camino Laguillo

El segundo trabajo con el que me quedaría es "Pachacuti", se trata de un trabajo de paisaje obra de Faustine Ferhmin, me pareció sensacional, se puede ver todavía en el Museu Diocesà de Lleida, me impresionaron sus copias de gran tamaño que allí se pueden ver,  son imágenes que en un instante te trasladan al territorio que documentan. En su caso se hace evidente que algunas imágenes piden un determinado tamaño y las suyas piden un gran tamaño acorde con la monumentalidad de los escenarios fotografiados. Este trabajo también fue premiado por The Private Space.
Faustine Ferhmin nos muestra una imagen de su trabajo Pachacuti
Una imagen del trabajo Pachacuti de Faustine Ferhmin

El tercer trabajo que he elegido es "8 meses" de Michele Tagliaferri, un trabajo con unas imágenes muy cuidadas  en las que podemos ver situaciones inquietantes que llaman nuestra atención por su extrañeza, aunque el mismo Michele me comentó que en ninguna de ellas existe escenificación alguna, lo cual da una idea de su particular mirada. La mentablemente no os puedo enlazar con su sitio web pues al parecer carece de ella. El trabajo de Michele igual que el de Camino fue premiado dos veces pero en su caso por 10x15 y por The Private Space.

Libro del trabajo "8 meses" de Michele Tagliaferri.
Michele Tagliaferri. Una imagen inquietante de "8 meses.

Por la parte que me toca, comentaros que mi escuela, GrisArt, presentaba dos trabajos en el Festival, uno era 109,4, un proyecto de Olga Iranzo en el que trata la obesidad y como la afrontan sus protagonistas, una serie que continua en marcha y que cada vez va mostrando imágenes más interesantes. El otro trabajo era Roig 26 de Salva López, un proyecto que desarrolla Salva viviendo con sus abuelos. Mientras Olga Iranzo mostró su trabajo en el Pati de la Llotja, Salva  López lo hizo en Caixaforum Lleida.

Olga Iranzo mostrando su trabajo 109,4

Una de las cosas que también me gustó del Pati de la Llotja fue la notable presencia de publicaciones sobre fotografía, unas como Piel de foto o New Papers publican en formato diario, cuando pueden claro porque a veces no reunen la financiación necesaria, hablo del caso de Piel de foto, que sin embargo todos sus números se pueden ver en la web en formato de libro digital.  

EFE24 presentaba su interesante primer cuaderno que reune textos e imágenes tomando los barrios como tema. A EFE24 podemos añadir "The private space" y Atem Books, ámbos publican libros de autor, aunque los primeros además de la edición de libros realizan otras actividades como exposiciones en la sala que tienen en Barcelona. 10x15 también es una publicación electrónica que trata de reproducir el formato de los álbumes 10x15 y dar a conocer nuevos valores de la fotografía.

Fue interesante el aporte de Pedro Vicente Mullor en la tertulia  que moderó Joana Hurtado y en la que se presentaron todas estas publicaciones. Pedro Vicente Mullor hacía una propuesta a las publicaciones digitales para que no siguieran el formato de publicación en papel sino que pensaran en otras formas de mostrar la información en formato digital, aprovechando todo lo que nos ofrece la nueva tecnología, por ejemplo los nuevos dispositivos tales como el ipad.


Tertulia con todas las publicaciones presentes en Emergent

A nivel más anecdótico tuve el placer de conocer en persona a Rafael Sanz Lobato, al cual admiro por su obra, incluso tuve la oportunidad de preguntarle acerca de una de sus fotos más polémicas y que ya se puso de manifiesto en una entrada anterior de mi blog o de preguntarle su opinión respecto al fotógrafo Paco Gómez, del que se está exponiendo una retrospectiva en la Fundación Foto Colectania, y lo que hizo fue refrendar la opinión de Ramón Masats; "Paco Gómez era el mejor" me respondió.

Gran encuentro también con Ricardo Cases, conocía su trabajo "la caza del lobo congelado" pero hay que verlo en directo, te consigue transmitir su pasión por la fotografía. Su intervención estuvo llena de grandes frases llenas de razón, "la camarica de fotos es un arma interesante" o "el flash es democrático, nos afea a todos por igual", aparentemente divertidas de alguna manera te hacen pensar. Proyectó sus últimas series, sobretodo me gustó "Paloma al aire". Por cierto Ricardo es originario de Orihuela, igual que Rosell Meseguer, también presente en este Emergent Lleida 2010, hay que ver cuanto talento proveniente de una pequeña ciudad.

Vídeo extraido de la web de Kansei Sounds

También por fin conocí en persona a Antonio Muñoz de Mesa, lo conocí hace tiempo gracias a su blog de fotografía, habíamos intercambiado opiniones sobre trabajos fotográficos y seguía sus trabajos hasta incluso en algún taller de la escuela blankpaper lo vimos, pero no se había dado la oportunidad de coincidir y fue toda una experiencia asistir a su conferencia.

Antonio Muñoz de Mesa durante su entretenida conferencia.

En definitiva fueron unos días de felices encuentros, en los que muchos compartimos nuestra afición por la fotografía y en los que pudimos al final del Festival hacer un homenaje a Oriol Maspons, uno de los grandes de la fotografía. Me parece un bonito gesto que en el marco de un festival que trata de promocionar a los fotógrafos emergentes se dedique un premio honorífico a un fotógrafo consagrado que a fin de cuentas de una manera u otra nos habrá influido en nuestro trabajo.

Oriol Maspons recogiendo el Premi Ciutat de Lleida

Seguro me dejo unas cuantas cosas que comentaros pero este Emergent Lleida ha sido muy intenso, no hubo momento para descansar, incluso por la noche hubo proyecciones en la Seu de Lleida, que además descubrí, gracias a Jordi Bernadó, que es la única catedral en todo el mundo con claustro abierto.

sábado, 30 de octubre de 2010

"Exit through the gift shop" de Banksy

Ayer fui al cine a ver "Exit through the gift shop", la película de Banksy, el artista urbano que sigue en el anonimato porque según él sus trabajos rozan lo ilegal. El título de la película ya nos da una idea de por donde van los tiros, una crítica hacia el convencional continente del arte, los museos, cuyas visitas suelen acabar en las tiendas de recuerdos, una forma más de comercialización del arte.

Banksy. Grafiti de Mickey mouse, Ronald McDonalds y Pham Thi Kim Phuc
En la película, o más bien documental, nos convertimos en espectadores del making off de las obras que ha ido realizando el artista inglés aunque también se puede ver trabajando a otros artistas, como "Space Invader", del cual ya comenté en una entrada de este blog o de Shepard Fairey, famoso por su creación del dibujo HOPE, un retrato de Barack Obama. El nexo de unión entre todos estos artistas es Mr. Brainwash, pseudónimo de Thierry Guetta, un francés afincado en Los Ángeles, primo de Space Invader y con una obsesión por grabar todas las intervenciones de arte urbano, al parecer guarda cientos de cintas con la edición de las cuales se ha montado este documental.

El documental me ha vuelto a hacer reflexionar, ya me dió qué pensar el trabajo  Jorge Rodríguez Gerada, acerca del arte urbano o más bien del arte que se realiza fuera del llamado "cubo blanco", del espacio creado para exponer el arte que nace para perdurar en el tiempo, en este caso el objeto de la creación toma el protagonismo de la obra, sin embargo en los proyectos de arte urbano predomina lo efímero sobre la permanencia de la obra en el tiempo, algunas de estas obras desaparecen al amanecer, por ello cobra mayor importancia documentar estas acciones de arte en la calle, pues el registro es una parte muy importante de la obra y así lo entienden estos artistas urbanos que han sido filmados por Thierry Guetta, ya que el anonimato de algunos, como el de Bansky, se podía poner en peligro.

No deja de ser curioso como esta forma de arte urbano que se hace para mostrarse en la calle luego consigue entrar en las galerías de arte o museos cuando otros autores los reproducen en sus imágenes y éstas son expuestas en dichas salas. Un par de ejemplos pueden ser una imagen que realizó en Cuenca José Manuel Navia a tal vez una réplica del famoso grafiti de Banksy "Girl with teddy bear" o  Salvatore M. Elefante que en su trabajo "Iconografía napolitana", que actualmente se puede ver expuesto en Lleida tras ser becado gracias a un premido en el Festival Emergent Lleida, fotografía otro grafiti de Banksy". De esta manera, al final, el arte urbano efímero acaba en ocasiones deveniendo arte permanente.

José Manuel Navia. Cuenca
Salvatore M. Elefante. Iconografía napolitana
Un momento interesante del documental es cuando Banksy realiza una acción en el parque de atracciones de Disneyland bajo la atenta mirada de Thierry Guetta actuando como cámara, que más adelante es sometido a un interrogatorio por los miembros de seguridad del parque. Al parecer viendo esto y la negativa del parque de atracciones para que la famosa artista americana Taryn Simon fotografiara estas instalaciones para su interesante trabajo "An American Index of the Hidden and Unfamiliar" nos da una medida de lo "peligrosa" que es esta instalación.

Os recomiendo que veáis esta película, os divertiréis mucho ya que además  de la calidad de sus obras, Banksy tiene cierto aire irónico con el trabajo de Guetta en la narración de la película. 

En algún lugar de internet se duda incluso de si muchas de las imágenes o algunas historias son reales pero nos hemos de quedar con la película como objeto de reflexión sobre el arte urbano, sobre su proximidad a la gente de la calle y como herramienta de protesta ante situaciones con las que no estamos de acuerdo y que no pueden encontrar un foro en los convencionales lugares expositivos ya que muchos de estos están supeditados a organismos oficiales que a veces son los que generan algunas situaciones con las que son críticos los mismos artistas urbanos.

Thierry Guetta. Portada disco de Madonna. 2009
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